황량한 아이슬란드의 풍경을 관찰한다고 상상해 보십시오.

녹색이 강렬한 푸른 바다 속으로 사라지고 수평선이 안개 속에 사라지는 것처럼 보이는 풍경 중 하나입니다.

이 강력한 배경에서 인간의 모습은 외부인이 아니라 장면의 필수적인 부분입니다.

여기에아름다움, 취약성 및 지구에 대한 책임감을결합한 탐구인Anastasia Mihaylova 의 사진 프로젝트 "I Am Planet Earth" 의 핵심이 있습니다.

수년간 쌓아온 꿈에서 탄생한 이 프로젝트를 통해 Mihaylova는 아이슬란드의 자연의 경이로움을 무대로 바꾸어인간과 지구 사이의 심오하고 피할 수 없는 연결을 표현합니다.

사진 작가는모델 Irina Lozovaya와 함께 항상 가장 특별한 장소를 찾아 밤에 몇 시간씩 자면서 며칠 동안 여행했습니다.

그 결과는잊혀진 진실을 말하는 일련의 강력한 장면입니다.

우리는 자연의 일부이며 자연에 대한 모든 파괴적인 행동은 우리에게 달려 있습니다.

각 이미지는 우리가 다른 생명체의 삶에 얼마나 의존하고 있는지 상기시켜 주고,

우리의 다양성을 반영하는 자연 다양성의 아름다움을 강조하기 위해 디자인되었습니다.

용암 사막에서 빙하 폭포에 이르기까지 모든 풍경이 고유한 특성을 갖고 있는 것처럼 우리 역시 독특하고 상호 연결된 개인이며, 모두 세계 균형에 필수적입니다.

아나스타샤 미하일로바(Anastasia Mihaylova)는 보편적인 성찰에 목소리를 내고 싶었습니다.
오늘날 그 어느 때보다지구가 우리와 분리된 개체가 아니라우리가 일부인 유기체임을 인식하는 것이 중요합니다.

포토저널리즘과 영상시 사이의 이 프로젝트는 인간과 자연의 관계가 변화하고 있으며, 이러한 변화를 세계적인 예술적 가치로 만들 때가 왔다는 것을 우리에게 상기시키고자 합니다.

사진작가 자신이 설명하듯이, “우리 각자가 자신이 지구라는 사실을 깨닫게 된다면, 우리가 태어난 행운의 멋진 세상을 진정으로 구할 수 있을 것입니다.

“나는 행성 지구다(I Am Planet Earth)는 단순한 사진 프로젝트나 책이 아닙니다.

이는 우리가 집이라고 부르는 지구의 아름다움과 균형을 보호하는 데 있어 우리의 역할을 멈추고, 느끼고, 기억하라는 행동 촉구이자 초대입니다.

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아나스타샤 미하일로바: “누드는 가장 아름다운 예술이다

“누드는 가장 아름다운 예술 형식이다

예술 작품에 표현된 주제에 어떻게 진정으로 친밀감을 느낄 수 있습니까? 박물관의 그림이 우리에게 말을 할 수 있고, 전달하고 싶은 것이 무엇인지, 등장 인물이 경험하고 있는 것이 무엇인지 말해줄 수 있다고 생각하면 너무 좋을 것입니다.
종종 일부 미술사가의 펜을 통해서만 설명됩니다.
그러나 우리는 금성, 기사 또는 종교적인 인물과 공통점이 하나 있습니다.
바로 신체입니다.
위대한 예술 거장은 수세기 전과 오늘날 몸을 통해 감정을 표현하고 그것이 무엇인지 설명했습니다.
아나스타샤 미하일로바(AnastasiaMihaylova)
의 사진은예술 작품에 묘사된 현재의 벌거벗은 몸과 과거 사이의 결합을 접촉시킵니다.
사진가가 말하는 아름다움의 최고 형태인 육체의 적나라한 아름다움에 공모가 담겨 있는 수줍음이 없는 긴밀한 관계이다.
아나스타샤 미하일로바(Anastasia Mihaylova)의 작업은 사진을 통해 최근 작가의소셜 프로필을삭제한 인터넷 알고리즘의 현대 미술 검열을 비난하는 것을 목표로 합니다. 일부 크리에이티브에 대한 Instagram의 차별은 Mihaylova의 최근 결과물의 중심 주제입니다.
“누드는 가장 아름다운 예술 형식이다라는말을 통해사진가는 형태의 영감과 조화로서 예술과 신체의 아름다움을 강조하고자 합니다.
벌거벗은 몸은 회화와 조각의 역사를 통틀어 중요한 측면이며, 아틀리에에서 모방되거나 신성한 순수성을 표현하는 모델입니다.
세 명의 여성은 미술관 벽에 걸려 있는 작품, 안무, 구애 행위, 그리고 자신을 들여다볼 수 있는 액자 거울을 통해 장면과 관계를 공유한다.

Anastasia Mihaylova의 사진은 Collater.al Photography 2022에 전시될 예정입니다

사만 K. 네비스의 슛의 깊이

Saman K. Nevis는33세의 이란 사진가로인간과 도시 풍경 사이의 섬세한 상호 작용을 탐구하는 작업을 하고 있습니다.
시각적 스토리텔링에 대한 열정으로 Saman의 렌즈는 길가의 사색부터 가장 친밀한 인물 사진까지 보편적으로 울려 퍼지는 진정으로 강력한 순간을 포착합니다.

그의 사진 여행은 당시 무의식적이었던 영화에 대한 매력에 이끌려 첫 카메라를 구입한 22세 때부터 시작되었습니다.
그가 설명하듯이, 영화는 그의 관점을 근본적으로 형성하여 그의 창의적인 열정을 불러일으켰습니다.
"어느 날 이미지를 만들어야 한다는 생각이 나를 사로잡았고, 그 이후로 나는 렌즈를 통해 순간들을 쫓고 있었습니다.
"라고 Saman은 말합니다.

그가 가장 좋아하는 장르인 거리 사진과 인물 사진은 인간 표현과 일상의 아름다움에 대한 그의 깊은 관심을 반영합니다.
그의 말에 따르면:

«거리에서 음악을 듣는 소녀이든, 신문을 읽는 데 푹 빠져 있는 노부인이든, 작지만 중요한 순간의 본질을 포착하려고 노력합니다.
»

이란에서의 생활은 그의 예술을 근본적으로 형성했으며 그를 성장시키는 도전을 제시했습니다.
이러한 경험은 그가 자신의 뿌리와 깨지지 않는 유대를 유지하면서 자신의 나라 국경을 넘어 다양한 문화를 기록하도록 영감을 주었습니다.

아날로그 사진에 전념하는 Saman은 아날로그 사진의 진정성과 깊이를 높이 평가하는 동시에 이를 디지털 기술과 능숙하게 결합합니다.
이러한 이중성을 통해 그는 감정이 담긴 인물 사진부터 건축물의 매혹적인 선, 클래식 자동차의 빈티지한 매력까지 다양한 주제를 탐구할 수 있습니다.

Saman의 이미지는 평범한 순간에 존재하는 특별한 아름다움을 상기시켜줍니다.
그의 예술은 국경을 초월하여 인간 삶의 풍요로움을 찬양하는 동시에 보편적 진리를 이야기합니다.

그레고리 크루드슨(Gregory Crewdson)과 영화 같은 그의 사진들

친구

옛날 옛적에The Speedies라고 불리는뉴욕 의 많은펑크 록밴드 중 하나에서 연주한 사람이 있었는데 , 그들의 주력 곡 중 하나는Let me take your photo였으며그 사람은Gregory Crewdson이었습니다 . 수백 장의 사진을 찍은 이후 계속 연주해 왔으며무대 사진의 가장 위대한 지수 중 하나가 되었습니다 .

그의 사진은 호퍼를사랑하는 사람이라면 누구나 거부할 수 없는 작품이며 , 영화광이라면데이비드 린치, 스티븐 스필버그 와 같은 감독에 대한 언급 과영화 세트장에 걸맞은 준비와 구성으로 인한 그의 사진의 완벽함을 높이 평가할 것입니다.

단 한 장의 사진을 위해 Gregory가 40명의 실제 제작진을 참여시켜 자신의 작품에서 영화와 사진의 연결이 두 예술의 융합에 거의 도달할 정도로 희미해진다는 것을 이해했다고 생각해 보십시오.

여기 저기에 몇 마디 추가할 것이 많지 않습니다.
아름다움,안절부절 못함,조명이너무 완벽해서 거의 울고 싶을 정도입니다.

사진술개념적 사진

Nik Paustovskiy의 렌즈는 영혼을 똑바로 바라보고 있습니다.

장비, 백만장자 예산, 완벽한 세트로 스스로를 정의하는 사진작가들이 있습니다.
그리고불필요한 모든 것을 잘라내 사진의 본질을 탐구하기로 결정한예술가Nik Paustovskiy가있습니다 .모스크바에서 태어나 유럽과 아시아 사이에서 자란 Nik은 할 말이 있다고 느낄 때만 사진을 찍습니다.
이것은 그의 선언문입니다: 강요된 포즈를 취하지 않고, 쓸모없는 샷을 하지 않습니다.
이야기의 핵심입니다.

모스크바는 그의 집이자 고통이기도 하다.
“떠나면 그리워요. 너무 오래 있으면 서운해요." 이 이분법은 그의 작품에 반영되어 있습니다.
즉, 대조되는 감정으로 가득 찬 원시 샷입니다.
그러나 도쿄는 그 정신의 나머지 절반입니다.
대학 시절 그를 사로잡은 일본 문화는 그의 스타일에 가장 강력한 영향을 미쳤습니다.
여기에는 혼돈과 질서가 공존하며 Nik은 자신의 이미지에 이를 혼합하는 방법을 배웠습니다.

Nik 카메라를 사용하여 그는 사람들의 영혼을 불멸화시키는 데 성공했습니다.
그의 사진은감정, 두려움, 꿈, 그림자 등인류와의 대화입니다. "저는 내성적인 사람이에요. 하지만 사람들과 그들의 감정, 감정, 동기를 탐구하는 걸 좋아해요." 그리고 그는 베일 없이 진실을 포착하는 데 성공하는데, 이는 아라키 노부요시(Nobuyoshi Araki)와 유에르겐 텔러(Juergen Teller)와 같은 그에게 영감을 준 대가들뿐만 아니라 그를 훈련시킨 일본 사진가들의 감수성 덕분이기도 합니다.

Nik Paustovskiy의 이미지를 보는 것은 마치 텅 빈 방에서 속삭이는 소리를 듣는 것과 같습니다.
시간은 멈추고 남는 것은 감정의 파편, 디테일, 그림자뿐이다.
화려한 이미지로 가득 찬 세상에서 Nik은 아름다움은 말하지 않은 것, 불완전한 것, 실생활에서 발견된다는 점을 상기시켜 줍니다.

당신은요?당신의 영혼을 똑바로 들여다보는 렌즈에 자신을 담을 준비가 되셨나요?

피에르조르조 소르게티(Piergiorgio Sorgetti)의 시간적 탐구

사진작가Piergiorgio Sorgetti(1988) 의 연구는일종의 시각적 고고학으로서 끊임없이 진화하는 형태의 물질적 기억을 탐구하는 것을 목표로 합니다.
그의 사진 작업은 이미지의초현실적인 잠재력에 중점을 두고 자연 요소와 문화적 요소 사이의 상호 작용을 조사합니다.
Sorgetti는 사진의 원래 의미에 의문을 제기하기 위해 사진을 수집하고 각 이미지를 동시대의 복잡성에 대한 탐구 여정의 단계로 변환합니다.
그의 시리즈 중 오늘 우리는전통적인 시간 개념에 도전하고 아직이 아닌 것과 더 이상 아닌 것 사이의 긴장을 성찰하는 새로운 프로젝트인Not Yet – No More에 초점을 맞췄습니다.
Sorgetti는 현재 상황에 대한 파격적인 분석을 통해 동시대성의 맥락을 탐구하면서시간에 대한 친밀한 성찰에 몰입합니다 .

Not Yet – No More는시청자가우리가 살고 있는 시대를 평가하도록유도하고 시사의 진부한 표현을 버리고 현대를 특징짓는 시대에 뒤떨어진 것, 폐기된 것, 시대에 뒤떨어진 것에 초점을 맞춥니다.
정지된 공간을 만들어내는 우연과 모순의 단편,긴 시대착오의 느낌을 담아낸다이 공간에서 Sorgetti는개인과 공동체 사이의 지속적인 긴장 속에서 긴급성과 지연 사이를 오가며 구조적 변화를 겪는전체 세대를묘사합니다.
Sorgetti는시간적 선형성에 도전하여시간이 예측할 수 없는 방식으로 나타나며아직 아닌 것과 더 이상 아닌 것사이에서 논쟁을 벌이는 차원을 드러냅니다 .

사진술개념적 사진

Emanuele Di Mare, 인물 사진에서 거리 사진까지

한 가지 장르만을 전문적으로 다루거나, 한 가지 주제만을 촬영하기로 결정한 사진가들이 꽤 있습니다.
일부는 풍경을 선호하고 다른 일부는 인테리어를 선호하며 일부는 황량한 시나리오를 선호하고 다른 일부는 모든 것을 사람에게 집중합니다.
그러다가 때로는 한계를 두지 않는 예술가를 만나게 됩니다.
그 중 한 명은밀라노에 거주하며 작업하고 인물 사진과 거리 사진을 모두 시도할 수 있는 젊은 사진작가Emanuele Di Mare 입니다.

Emanuele Di Mare와 사진의 관계는 몇 년 전인 2015년에 시작되어 풍경에 전념했습니다.
그러나 얼마 지나지 않아 후자에서도시의 맥락과 환경으로 변화가 일어났다 . 거리를 걷는 사람들을 관찰함으로써 Emanuele은 대도시에서 느낄 수 있는 모든 움직임과 광란을 담을 수 있는 순간을 영원히 포착합니다.

그러나 앞서 언급했듯이 에마누엘레는 자신에게 한계를 두지 않았고 친구들부터 시작하여초상화의 세계에 들어갔습니다 . 오늘날 그의 모든 사진은 모델의 선택부터 그녀의 특징적인 특징인 빛에 이르기까지 세심하고 세심한 작업의 결과이다.

실제로 거리, 옆모습, 군중 또는 클로즈업 등 그의 각 사진에서 우리는 분명히 자연스러운빛과 그것이 피사체에 주는 색상에 특별한 관심을 기울이는 것을 볼 수 있습니다.

웹사이트와 인스타그램 프로필에서 Emanuele Di Mare의 작업을 보고 발견한 후가장 놀라운 점은 그의 기술과 선택이 매뉴얼과 분명히 인터넷. 인터넷이 그의 여정에서 근본적으로 중요했기 때문에 Emanuele는 1년 동안 자신의YouTube 채널에서 놓쳐서는 안 될 조언과 미니 레슨을 제공하고 있습니다 .

Emanuele Di Mare는9월 24일부터 30일까지ImageNation Milan에 전시되는 사진작가 중 한 명입니다 . 자세한 내용을 알아보려면공식 웹사이트를 방문하고콘텐츠와 사진작가와의 인터뷰를 계속해서 팔로우하세요!

Anya Kostenko의 사진은 우리의 에로틱 한 꿈입니다

당신이 사진작가이면서 동시에 Onlyfanser라면,예술과 섹스사이의 경계는 매우 얇아집니다.
이것은그녀의 몸을 그녀의 샷의 확실한 주인공으로 만드는Anya Kostenko의 경우입니다 .사진가이자 Onlyfanser인 Kostenko는과거에 인터뷰한AnitaDadà의 경우와 마찬가지로성생활과 일상생활의 가장 친밀한 측면을 장난스럽게 다루었습니다.
그의 사진에는 섬세함, 재미, 달콤함이 얽혀 있습니다.
모두가 그의 이미지에몽환적인 모습을선사하는복고풍 아우라에 둘러싸여 있다 .집착과 변태를활용해 대중에게 과감하게 말하는감각적인 꿈. 발이 중심이 되는 시리즈가 그 예이다.
비록 부분적으로만 존재하기는 하지만 인간의 모습을 중앙에 배치하는 에로틱한 수단입니다.
Anya Kostenko 사진의 힘은 사진가가 세부 사항,성적 편견, 형태와 색상의 고양 에 부여하는 중요성에서 찾을 수 있습니다. 각 사진에 담긴 소셜 사진적 접근 방식과 미시적 내러티브는 대중과의 대화를 즉각적이고 이해하기 쉽게 만들어 보는이의 상반된 감정을자극합니다 . 설렘과 당혹감, 호기심과 혐오감.우리의 개인적인 에로틱한 꿈을발견하기 위한 친밀한 탐구입니다.

안야 코스텐코 제공

우리는 텔레비전과 어떤 관계를 갖고 있나요?

몇 달 전, 8월의 어느 저녁, 나는 Avantiun Altro!동안Canale 5를만났습니다.
. 나는 믿을 수 없다는 표정으로 영원처럼 그 광경을 바라보았고, 내 옆에 있던 친구는 파올로 보놀리스의 농담에 산만하게 웃었습니다.
어렸을 때부터 아무도 나에게 그런 프로그램을 보도록 허락한 적이 없었고, 자라면서 나는 그런 유형의 텔레비전 제품에 전혀 관심을 갖지 않았습니다.
이제 거의 서른 살이 된 내 친구가Avanti un Altro를 비웃는 모습을 지켜보고 있습니다!, 나는 상반되고 대조되는 두 가지 감정을 느꼈습니다.
첫 번째는 본능적으로 기쁨의 느낌이었습니다.
보놀리스의 표정이 하나도 웃기지 않아서 기뻐요. 그러나 두 번째는 매우 강한 슬픔의 느낌으로만 거슬러 올라갈 수 있습니다.
이탈리아 텔레비전의 상태에 대한 슬픔은 슬프게도 간단한 수단으로 청중을 창출하도록 강요했습니다.
어떤 의미에서 나는 내 옆에 있는 친구가 내가 겪고 있는 감각에 실제로 관여하지 않는 그 경쾌함을 부러워하기도 했습니다.
내 것으로 만들 수 없는 진정한 초연함이 주는 여유로움.

텔레비전: 이탈리아 텔레비전에 관한 스테파노 데 루이지의 책

Stefano De Luigi가 제작하고 Laura Serani가 편집하고L'Artiere가 출판한사진집Televisiva를읽었을 때나는 그 여름 저녁과 그 감각을 기억했습니다.
De Luigi 이미지의 강점은 실비오 베를루스코니(Silvio Berlusconi)의 초기부터 이른바Bunga Bunga 시대까지 30년이 넘는 텔레비전 혁명의 산물을 되돌아보게 합니다 .

Televisiva에서 수집한 이미지와 함께 Pietro Grossi가 쓴 텍스트도 있습니다.
이 텍스트는문자 그대로 독자에게 텔레비전, 특히 이탈리아 텔레비전에 대한 우리의 인식이 표면으로 드러나는 이 공개 여정에 동행함으로써 도전합니다.
De Luigi의 세심한 작업은 더 이상 교육 매체가 아닌 TV가 어떻게 수년에 걸쳐 극도로 피상적인 것이 되어 민주주의와 정치에 대한 토론에 영향을 미치는지 보여줍니다.
확실히 극단적인 그의 입장은 내가Avanti un Altro에서 Bonolis를 보면서 느꼈던 것과 똑같은 혐오감을 상기시켜주었습니다 !– 나의 반응은 어쩌면 과장되었을 수도 있지만 어떤 식으로든 무시할 수는 없었습니다.

따라서 Televisiva는 우리가 충분히 자주 생각하지 않는 것, 즉 Silvio Berlusconi가 수행한 텔레비전 혁명이 가져온 영향(아마도 파괴적)에 대해 우리가 반성하게 만듭니다.
그러나 사진집에 담긴 사진은 모두 미디어세트 스튜디오에서 나온 것이 아니라 라이(Rai)와 텔레롬바르디아(Telelombardia) 같은 방송사 세트에서 나온 것이다.
이 혁명의 영향력이 얼마나 침략적이었는가를 증언합니다.
우리에게 도전하는 De Luigi와 Televisiva 구축 팀의 작업은 더 깊은 상처를 드러내는 것을 목표로 합니다.
우리나라를 영원히 변화시킨 것. 어떤 의미에서 텔레비전의 세계는 우리의 일부이며 우리는 계속해서 그것에 매료되고 때로는 혐오감을 느낄 것입니다.

Ana Hell의 사진에 담긴 국경 없는 세상

국경이 없고 차별이 없는 세상을 상상해 보세요. 모든 사람은 어디에나 속하며 유일한 규칙은 자연에 의해 결정됩니다.
어떤 사람들에게는 이것이 유토피아처럼 보일 수도 있지만,Ana Hell에게는 이것이 그녀의 어린 시절을 상징합니다.

“나는 “아무데도 없는 아이들인 우리가 세상에서 우리의 자리를 찾는 마법의 현실을 상상합니다.

스페인 사진작가가 "Como un Pez"("Like a fish") 프로젝트를 만들도록영감을 준것은 바로 유목민 종교 공동체에서 자란 그녀의 독특한 성장이었습니다 .사진을 통해 Ana는 자신에게 "집"이라는 개념이 얼마나 덧없고 감지할 수 없는 것인지, 집은 모든 장소에 있었고 동시에 사람이 아니었음을 말하고 싶어합니다.
그녀 자신도 오늘날에도 한 곳을 집으로 인식하기 위해 애쓰고 있음을 인정합니다.

그러면 사람은 어떻게 형성됩니까? 개인의 정체성은 어떻게 형성되는가? 이러한 질문에 대한 답은익명성, 정체성, 인간 관계의 복잡성과같은 주제를 탐구하는 그의 사진입니다.

국가 정체성에서 시작하여 개인을 정의하는 세계와 사회에 삽입된 Ana Hell은 자연의 경계만이 가능한 환상의 세계를 상상합니다.

우리 몸을 되찾자

그녀의 사진을 통해 Danae Charalabidou는 사회적 규범에 도전하고 여성성에 대한 대화를 넓힙니다.

We Get Our Bodies Back, 우리 몸을 되찾자. 이것은그리스 사진작가 다나 에차랄라비두(Danae Charalabidou)의 인스타그램 약력으로, 그녀의 사진 연구를 예상하고 요약하는 직접적이고 결단력 있는 발언입니다.
실제로 Danae는 자신의 사진을 통해 사회적 규범에 도전하고 여성성에 대한 대화를 넓힙니다.
여성의 신체, 정체성, 자연 세계를 모두 페미니스트의 시각으로 바라본 강력한 탐구인 그녀의 최신 프로젝트(De)Landscaping The Feminine Form에 대해 구체적으로 이야기해 보겠습니다 .

(De)Landscaping 의 비전여성스러운 형태

Danae Charalabidou의 프로젝트(De)Landscaping The Feminine Form은시각적 선언문으로 서 있습니다.
다나에(Danae)는욕망, 정체성, 그리고 여성성에 부과된 엄격한 규범에서 벗어나려는 필요성에 대한 현대적 대화를진전시키려고 노력합니다. 그녀는 자연으로 돌아가 그것을 배경이자 은유로 사용함으로써 사회적 기대의 층위를 벗겨내고 여성이 처음부터 자신만의 방식으로 자신의 정체성을 창조할 수 있도록 하는 것을 목표로 합니다.
그녀의 작품에서 다나에는여성의 경험에 내재된 회복력과 취약성을 강조하기 위해 대조되는 자연 요소를 사용하여인간의 형태를 다양한 풍경과 대조합니다 . 다양한 질감, 표면, 자연 환경을 통해우리의 불완전함을 포용하는 데 내재된 힘과종종 소외되고 고립시키려는 가부장적 사회에서 연대의 중요성을상기시킵니다 .

포용성은 Danae Charalabidou의 핵심입니다.

Danae Charalabidou 작업의 핵심 요소는포용성입니다. 그녀의 구성은 다양하며다양한 배경, 신체 유형 및 정체성을 지닌 여성을 등장시키며 모두 깊은 존경심과 진정성을 가지고 묘사됩니다. 이러한 방식으로 그녀는 주류 미디어에서 자주 지속되는 아름다움과 여성성에 대한 좁은 정의에 도전합니다.
대신, 여성적이라는 것이 무엇을 의미하는지에 대한 더 넓고 포괄적인 비전, 즉 차이를 없애기보다는 이를 기념하는 비전을 제공합니다.

다나에의 작품은나체를 자연에 노출시키는 경험을 탐구하는데, 이는 문자적이고 상징적인 주제입니다.
그것은 사회적 규범을 버리고 불완전한 자신의 진정한 자아를 포용하는 과정에 관한 것입니다.
이러한 노출 행위는 신체를 재생하는 것이며, 자연이나 우리 안에 있는 어떤 것도 "동일"하거나 "완전"하지 않다는 선언입니다.
이는 여성 경험의 다양성을 인식하고 축하하기 위한 초대입니다.

의례 Danae Charalabidou

Sara Hini의 사진은 신체를 축하합니다.

가장 순수하고 가장 확실한 형태의 남성과 여성의 신체는 사라 히니의 예술적 연구 의 중심에 있는 주제입니다.

사라 히니(Sara Hini)는 알제리에서 태어나 어린 시절 내전으로 인해 조국을 떠난 젊고 재능 있는 사진작가입니다.
프랑스에서 짧은 기간을 보낸 후 그녀는 캐나다, 특히 몬트리올로 이주했으며 현재도 그곳에서 거주하며 일하고 있습니다.

그녀의 개인적인 이야기를 통해 그녀는 어렸을 때부터 자신의 외모가 불편하고 다르다는 것이 무엇을 의미하는지 직접 경험하게 되었습니다.
이러한 느낌에서 일종의 복수이자 다양성이 독특함을 상징하는 그의 샷이 탄생하게 되었습니다.

이것이 그의 사진의 주요 주제가 몸, 즉 벌거벗고 튼살, 흉터, 여분의 킬로그램 등 모든 독특함을 드러내기로 결정한 사람들의 몸인 이유입니다.
과도한 노출과 섹슈얼리티는 Sara Hina 연구의 주요 주제이며 젊은 사진작가가 5년 전 친구이자 사진작가인 Cassandra Cacheiro와 함께 시작한 프로젝트의 중심이기도 합니다.
제목인The Womanhood Project는 여성이 되고 여성처럼 느껴진다는 것이 무엇을 의미하는지 보여주는 친밀한 초상화로 정의되는 것을 반환합니다.

우리는 Sara Hini의 사진 중 일부만 선택했지만Instagram에서그녀를 팔로우하여 그녀의 다른 작품을 모두 찾아보세요.