진
“ 프리다 칼로 , 멕시코 소치밀코”, 로사 코바루비아스, 1941년
선구적인 예술가 프리다 칼로는 계속해서 대중의 상상력을 사로잡는 매혹적인 삶을 살았습니다.
뉴욕시에서 열린 새로운 전시회에서는 약 50장의 작가 사진을 전시하여 그녀의
삶의 모든 측면에 대한 더 깊은 통찰력을 제공합니다.
Throckmorton Fine Art 에서 볼 수 있는
그 과정에서 우리는 그녀가 그림 앞에서 포즈를 취하는 창작 과정과 남편이자 동료 예술가인 디에고 리베라(Diego Rivera) 와의 사생활에서의 친밀한 순간을 볼 수 있습니다 . 그녀가 유아였을 때부터 죽기 직전까지의 삶을 기록한 사진은 Spencer Throckmorton의 방대한 컬렉션
중 극히 일부에 불과합니다.
Throckmorton은 1970년대부터 상징적인 예술가의 이미지를 찾기 위해 멕시코 시티를 여행했을 때부터 Kahlo의 사진을 수집해 왔습니다.
그 이후로 그의 컬렉션은 200장 이상의 사진으로 성장하여 Kahlo의 삶을 기록한 가장 완벽한 개인 컬렉션 중 하나가 되었습니다.
전시를 마무리하기 위해 갤러리에서는 여러 그림과 구아슈 원본, 작가가 착용한 블라우스도 전시했습니다.
이는 21세기 가장 영향력 있는 예술가 중 한 사람의 시각적 전기를 완성하는 데 도움이 됩니다.
프리다 칼로의 삶에 대한 새로운 통찰력을 제공하는 상징적인 예술가의 사진 50여 장을 전시한 뉴욕시 전시회.
Nickolas Muray의 "프리다 그림 '두 명의 프리다'", c. 1939년
버나드 실버스타인(Bernard Silberstein)의 “테우아나 드레스를 입은 프리다 칼로”, 1940년
"생각하는 프리다 칼로", 실비아 살미, 1944년
Bernice Kolko의 "Frida Painting, Coyoacán", 1953년
사진은 Spencer Throckmorton이 1970년대에 시작한 개인 컬렉션에서 가져온 것입니다.
니콜라스 머레이(Nickolas Muray)의 “올메카 조각상 코요아칸과 함께 있는 프리다”, 1939년
"기관 선인장 울타리 앞의 프리다, 아틀라비스타" 니콜라스 머레이, 1938년/1991년 인쇄
"마젠타 레보조 '클래식'과 함께 있는 프리다 칼로", 니콜라스 머레이, 1939년
니콜라스 머레이(Nickolas Muray)의 “프리다, 핑크/그린 블라우스, 코요아칸”, 1938년
벼룩시장, 서점, 사진 판매점을 샅샅이 뒤진 후 그는 200장이 넘는 작가의 사진 컬렉션을 모았습니다.
마틴 문카치(Martin Munkácsi)의 "디에고와 프리다", 1934년
“뉴워커 학교를 위한 벽화 “미국의 초상” 벽화에서 프롤레타리아 통일 앞의 프리다
”, 루시엔 블로흐, 1933년
니콜라스 머레이(Nickolas Muray)의 "프리다 그림 '나와 나의 앵무새'", 1930년
안토니오 칼로, <전화 앞에 앉아 있는 프리다 칼로>, 1949년
“테라스 위의 디에고와 프리다”, 워렌 J. 빈턴, 1930년 9월
프리다 칼로, Forever Yours는 2024년 9월 21일까지 전시됩니다.
Lucienne Bloch의 "Cinzano 병을 든 프리다", 1935년
머리에 냅킨을 쓴 프리다, 루시엔 블로흐, 1935년
“프리다 칼로, 카사 아술, 멕시코 코요아칸”, 레오 마티즈, 1944년
롤라 알바레즈 브라보의 “작업실의 프리다 칼로”, 1944년
니콜라스 머레이의 “프리다 칼로, 브르타뉴 초상화”, 1939년/1991년 인쇄
사진작가는 뉴욕시 위에 떠 있는 거대한 달을 포착하기 위해 단순한 환상을 사용합니다.
사진작가 Nina Wolfe는 뉴욕시의 스카이라인이 보이는 집에서 자랐고, 어릴 때부터 그 경치에서 영감을 받았습니다.
그녀는 영감을 얻기 위해 맨해튼의 거리를 자주 돌아다녔고 결국 풍경과 도시 풍경 사진과 사랑에 빠졌습니다.
하지만 그녀의 상상력을 사로잡았고 수년 동안 그녀의 뮤즈가 되어준 것은 바로 달이었습니다.
그녀의 달 사진은 이 천체가 도시 스카이라인 위나 자유의 여신상 과 같은 친숙한 기념물 뒤에 떠 있는 모습을 보여줍니다 .
특히 울프는 달의 크기를 과시하는 방식으로 사진을 찍는 것을 즐긴다.
그녀의 이미지 대부분에서 그것은 건축물을 왜소하게 만드는 거대하고 빛나는 구체처럼 보입니다.
이는 그녀의 작품에 일반적인 달 사진과 차별화되는 초현실적인 느낌을 줍니다.
“달은 대략 25만 마일 떨어져 있습니다.
당신이 지구상 어느 곳에 서든 달은 항상 같은 크기일 것입니다.
”라고 그녀는 말합니다.
“엠파이어 스테이트 빌딩과 같은 건물을 가져다가 바로 옆에 서 있으면 엄청납니다!”
그렇다면 그녀는 어떻게 환상을 성취할 수 있을까요? 생각만큼 어렵지는 않습니다.
필요한 것은 장렌즈로 촬영하는 것뿐입니다.
"그렇게 하면 건물이 정말 가까워 보일 것입니다.
짜잔, 환상을 포착하신 셈이죠!"
Wolfe는 "달이 하늘 높이 떠 있고 확대되어 달 앞을 지나가는 제트 여객기를 포착한 경우에도 이 환상을 재현할 수 있습니다.
"라고 덧붙였습니다.
모든 천체 사진 과 마찬가지로 Wolfe가 갈망하는 창의적인 기회를 얻으려면 신중한 계획이 필요합니다.
그녀는 Planit Pro 와 Ventusky 앱이 달의 위치와 기상 조건을 결정하는 데 특히 유용하다는 것을 알았습니다.
예를 들어 Ventusky는 풍속과 구름량을 표시하는데, 이는 그녀가 원하는 이미지를 얻을 수 있는지
여부를 판단하는 데 매우 유용합니다.
장소를 찾고 사진 촬영에 가장 적합한 시기를 결정하기 위한 그녀의 모든 노력이 성공했을 때, 그것은 믿을 수 없을 만큼 만족스럽습니다.
그리고 그녀는 다른 사람들이 그녀의 작품을 보고 영감을 받아 다음에 달의 멋진 풍경을 볼 때 자신의 카메라를 집어들기를 바랍니다.
“내 희망은 사람들이 내 이미지를 본 후 건물, 산, 기타 지구에 있는 물체 뒤의 지평선 가까이에서 사진을 찍을 때 달이 얼마나 거대하고 장관을 이루는지 새롭게 인식하는 것입니다.
그 거대한 달이 뜨는 것을 보는 것은 내가 이제까지 본 것 중 가장 멋진 천문 현상이다.
”
Nina Wolfe는 항상 달이 뉴욕시를 바라보는 모습에서 영감을 받았습니다.
그녀는 긴 렌즈를 사용하여 건축물 뒤에 거대한 달이 떠 있는 듯한 착각을 불러일으킵니다.
그 결과는 우리에게 이 천체에 대한 새로운 비전을 제공하는 초현실적인 이미지입니다.
"내 희망은 사람들이 내 이미지를 본 후 건물, 산, 기타 지구에 있는 물체 뒤의 지평선 가까이에서 사진을 찍을 때 달이 얼마나 거대하고 장관을 이루는지
새로운 인식을 갖게 되는 것입니다.
"
니나 울프: 웹사이트 | 인스 타 그램
My Modern Met는 Nina Wolfe의 사진을 게재할 수 있는 권한을 부여 받았습니다.
게이샤들이 화장하는 방법을 보여주는 흥미로운 영상
사진: cowardlion/ Depositphotos
일본의 게이샤 전통은 오랫동안 세계의 상상력을 사로잡았습니다.
우리 중 많은 사람들
이 유능한 호스트와 놀라운 아티스트는 많은 것으로 알려져 있지만 아마도 그들의 눈에 띄는 메이크업이 가장 돋보일 것입니다.
TikTok 계정 Facts_About_Asia 덕분에 게이샤가 변신하기 위해 준비하는 과정을 직접 확인할 수 있습니다.
3,600만 번 이상 재생된 동영상 에서 한 젊은 여성이 얼굴에 조심스럽게 화장을 하고 있습니다.
그녀는
비록 표시되지는 않았지만, 그녀는 먼저 최종 모습을 완성하는 데 도움이 되는 특수 왁스로 얼굴을 프라이밍했을 것입니다.
파우더를 사용하여 메이크업을 정돈한 후 다음 단계로 넘어갑니다.
그런 다음 작은 브러시를 사용하여 눈꼬리 부분에 레드 메이크업을 바르고 얇은 눈썹을 그린 후 레드 입술을 채워줍니다.
눈매를 강조하기 위해 블랙 아이라이너도 사용됐다.
그 시점에서 그녀는 기모노를 입었을 때 보이는 모든 것을 덮을 수 있도록 흰색 파운데이션을 충분히 바르면서 다음 단계로 이동합니다 .
마지막으로 게이샤의 화려한 헤어스타일에 가발을 착용해 룩을 완성했다.
이 비디오와 다른 여러 비디오는 게이샤의 세계를 매혹적인 모습으로 보여줍니다.
하나에서는 또 다른
이는 지역적 차이뿐만 아니라 게이샤가 마이코인지
아래로 스크롤하여 동영상을 본 다음 TikTok에서 Facts_About_Asia를 팔로우하여 게이샤에 대해 더 자세히 알아보세요.
TikTok 계정은 게이샤가 화장을 하는 방법에 대한 매혹적인 모습을 게시하고
있습니다.
비디오에는 마이코 , 즉 게이샤 기술을 배우는 견습생의 모습이 자주 등장합니다.
Fact_About_Asia는 일본 문화의 중요한 부분을 보여주는 놀라운 비디오로
가득 차 있습니다.
h/t: [ Reddit ]
선 가든(Zen Garden)이 일본 문화의 궁극적인 표현이 된 방법
사진: Valeria Cantone/Shutterstock의 스톡 사진
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일본식 바위 정원, 즉 선(禪) 정원 은 일본 문화에서 가장 잘 알려진 측면 중 하나입니다.
명상을 자극하기 위해 고안된 이 아름다운 정원( 건조한 풍경 이라고도 함 )은 자연을 본질적인 것만 제거하고 주로 모래와 바위를 사용하여 삶의 의미를 이끌어냅니다.
오늘날 젠 정원은 역사적인 일본 사원뿐만 아니라 사람들이 책상 위에 놓아두는 작은 바위 정원은 말할 것도 없고 약간의 평온함이 필요한 전 세계의 주거용 건물에도 자주 건설됩니다
. 규모에 관계없이 Zen 정원의 목적은 동일합니다.
그 형태를 통해 관객은 마음을 비우고 명상의 상태로 들어갈 수 있다.
인지도가 높은 반면, 일본식 바위 정원의 목적은 무엇입니까? 그러면 젠 정원은 어떻게 탄생하게 되었나요? 모래와 돌이 문화를 어떻게 변화시켰는지에 대한 역사와 세계 최고의 일본 암석 정원을 살펴보겠습니다.
젠 가든의 역사
일본식 바위 정원은 선불교의 등장과 함께 탄생했습니다.
선(禪) 철학은 12세기에 중국에서 일본으로 소개되었으며, 통제와 자기 수양에 초점을 맞춘 선 철학을 존경하는 사무라이와 군벌들에게 큰 인기를 끌었습니다.
사진: Slavko Sereda의 스톡 사진 /Shutterstock
14세기와 15세기, 이탈리아 르네상스 와 동시에 일어난 무로마치 시대 에 선종 사찰에는 특별한 정원이 나타나기 시작했습니다.
특히 여전히 세계에서 가장 놀라운 선종 정원이 있는 교토 에서는
승려들이 난해한 의미를 지닌 바위 정원을 설계하기 시작했습니다.
물의 특징을 제거하고 돌을 사용함으로써 그들은 형태가 거의 추상적인 시대를 초월한 풍경을 만들고 있었습니다.
중국에서는 돌로 만든 구성이 이미 흔했지만, 일본에서는 당시로서는 혁명적인 사용법이었습니다.
물은 모래를 파도 모양의 패턴으로 세심하게 긁어내는 모습으로 표현되었으며, 정원은 종종 플랫폼의 한 관점에서
볼 수 있도록 설계되었습니다.
하얀 모래는 물을 나타낼 뿐만 아니라 구성에 부정적인 공간을 제공하여 공허함을 제공합니다.
대신 바위는 섬, 산, 나무, 동물 등 전형적인 풍경의 다양한 요소를 나타내는 데 사용됩니다.
균형 잡힌(대칭은 아님) 방식으로, 종종 3개씩 그룹으로 배열된 일본식 바위 정원의 단순해 보이는 모습은 명상을 통해 복잡한 아이디어를
드러냅니다.
교토의 일본식 바위 정원
교토는 도시의 선불교 사원에서 시작된 현상과 같이 세계 최고의 선 정원이 있는 곳으로 남아 있습니다.
오늘날에도 여전히 이러한 조용한 사색의 장소를 방문하는 것이 가능합니다.
료안지
사진: cowardlion/Shutterstock의 스톡 사진
세계에서 가장 아름다운 정원 중 하나로 여겨지는 료안지 는 선(禪) 정원 디자인의 정점입니다.
정원은 백사장과 15개의 돌이 3개씩 5개 그룹으로 배열된 2,670평방피트 규모의 직사각형입니다.
각 돌 주변의 이끼 흔적은 식물의 유일한 흔적이며 매일 승려들은 모래를 조심스럽게 긁어 완벽한 패턴을 만듭니다.
“료안지 정원은 아무것도 상징하지 않으며, 더 정확하게는 오해를 피하기 위해 료안지 정원은 상징하지 않으며, 현실이나 현실에서 찾을 수 있는 자연의 아름다움을 재현할 가치도 없습니다.
신화적인 세계”라고 정원 역사가 Gunter Nitschke는 썼습니다 . “나는 그것이 공간 속의 “자연” 물체들의 추상적인 구성, 명상을 불러일으키는 기능을 하는 구성이라고 생각합니다.
텐류지
사진: javarman/Shutterstock의 스톡 사진
14세기에 지어진 이 정원은 선종 정원과 관련된 건조한 풍경으로의 전환을 보여줍니다.
배경에 있는 반사 연못은 돌과 바위로 만든 폭포, 전망대에서 바라볼 수 있는 긁힌 자갈과 대조를 이룹니다.
사이호지
사진: Ivanoff~commonswiki( CC BY-SA 3.0 ), Wikimedia Commons를 통해
이 초기 선 정원 디자인의 예는 이끼 낀 모습으로 유명합니다.
실제로 사이호지(Saihoji)는 이끼 사원(Moss Temple) 이라고도 불립니다 . 하지만 이 14세기 정원이 항상
이런 식으로 나타난 것은 아닙니다.
사원이 더 이상 사용되지 않게 된 후, 이끼가 바위와 자갈 위로 천천히 기어 들어갔습니다.
그럼에도 불구하고 이끼 호수에서 수영하는 거북이를 상징하는 정원의 바위 섬, 고요함과 고요함을 촉진하는 명상 바위, 마른 폭포를 볼 수 있습니다.
다이토쿠지
사진: Ivanoff~commonswiki( CC BY-SA 3.0 ), Wikimedia Commons를 통해
벽으로 둘러싸인 이 사원 단지에는 실제로 22개의 하위 사원이 있으며, 그 중 많은 사원에는 기억에 남는 선종 정원이 있습니다.
특히 다이센인(大山院)의 돌정원은 아름답게
조성된 것으로 유명합니다.
학자들은 이것이 삶의 여정에 대한 은유일 수 있다고 믿습니다.
그것은 탄생을 상징하는 돌폭포로 시작하여 죽음을 상징하는 열린 “바다”로 흘러가는 갈퀴 모양의 상징적 강으로 끝납니다.
긴카쿠지
사진: Thomas_HB/Shutterstock의 스톡 사진
실버 파빌리온 으로도 알려진 긴카쿠지는
놀라운 조경으로 유명합니다.
일본의 화가이자 풍경화가인 소아미(Sōami)가 운영한 긴카쿠지는 승려들이 사용하기보다는 쇼군의 은거처로 건설되었다는 점에서 다른 사찰과 다릅니다.
쇼군의 사후 사찰로 개조되었습니다.
하이라이트는 사원의 긁힌 모래 정원과 원뿔이며, 그 중 하나는 높이가 6.5피트입니다.
특히 이 원뿔은 후지산을 상징하는 것으로 여겨집니다.
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이 기사는 편집 및 업데이트되었습니다.
긴츠기: 깨진 도자기를 금으로 수리하는 수백 년 된 기술
사진: Lia_t/Shutterstock의 스톡 사진
시적으로 번역된
위장된 접착제로 세라믹 조각을 다시 결합하는 대신, 킨츠기 기술은 금, 은 또는 백금 가루를 뿌린 특수 나무 수액 래커를 사용합니다.
일단 완성되면, 눈에 띄는 세라믹 제품의 균열에 아름다운 금색
이음새가 반짝거리고, 각각의 "수리된" 작품에 독특한 모습을 선사합니다.
이 독특한 방법은 유물을 숨기거나 위장하는 대신 균열과 파손을 강조하여 각 유물의 고유한 역사를 기념합니다.
실제로 kintsugi는 수리된 작품을 원본보다 훨씬 더 아름답게 만들어 새로운 모습으로 활력을 불어넣고 제2의 생명을 불어넣는 경우가
많습니다.
여기에서 우리는 이 매혹적인 공예품을 살펴보고, 그 역사를 추적하고, 그 방법을 탐구하고, 현대 창작자들이 어떻게 이 공예품을 살아있게 유지하는지 엿볼 수 있습니다.
긴쓰기의 역사
아시카가 요시마사의 초상화, 15세기 (Photo: Wikimedia Commons , Public domain)
긴쓰기의 기원이 완전히 명확하지는 않지만 역사가들은 15세기 후반으로 거슬러 올라간다고 믿습니다.
전설에 따르면, 일본 쇼군 아시카가 요시마사가 수리를 위해 깨진
돌아왔을 때 요시마사는 그것이 보기 흉한 금속 스테이플로 고쳐져 있는 것을 보고 불쾌해했습니다.
이로 인해 현대 장인들은 미학적으로 만족스러운 대안적인 수리 방법을 찾게 되었고, 킨츠기가 탄생했습니다.
17세기에 이르러 킨츠기는 일본에서 일반적인 관습이 되었습니다.
Louise Cort(Freer Gallery of Art 및 Arthur M. Sackler 갤러리의 도자기 큐레이터)에 따르면, 한 일본 전사가 이익을 얻기 위해 악명 높은 표준 다그릇을 구입하고, 부수고, 수리한
것이 바로 이 시기였습니다.
” 이는 17세기 초까지 킨쓰기가 차용 도자기를 수리하는 동시에 장식하는 데 일반적으로 사용되는 기술이었음을 나타내는 것 같습니다.
”라고 Cort는 설명합니다 .
긴쓰기는 미적 원리로서의 역할 외에도 오랫동안 널리 퍼진 철학적 사상을 대표해 왔습니다.
즉, 이 관행은 결점이나 불완전함 속에서 아름다움을 볼 것을 요구하는
일본의
깨진 그릇 긴쓰기 방법
사진: adobe48015/ Depositphotos
킨츠기에는 크랙 방식, 피스 방식, 조인트 콜이라는 세 가지 주요 스타일과 방식이 있습니다.
각각의 경우 깨진 도자기를 고치기 위해 금, 은 또는 백금이 첨가된 에폭시가 사용되지만 기술과 완성된 결과는 다양합니다.
금이 가다
균열 접근법을 사용하여 수선된 물체는 최소한의 래커로 손질됩니다.
이것은 가장 일반적인 킨쓰기 기술이며, 예술 형식을 정의하게 된 반짝이는 정맥에서 정점에 이릅니다.
사진: photoBeard/Shutterstock의 스톡 사진
조각 방법
조각 방법으로 복원된 작품은 전체가 에폭시로 만들어진 교체 조각을 특징으로 합니다.
사진: photoBeard/Shutterstock의 스톡 사진
합동 통화
조인트콜 기법으로 고정한 조각은 다른 깨진 도자기에서 유사한 모양의 조각을 사용하여 미학적으로 다른 두 작품을 하나의 고유한 통합 제품으로 결합합니다.
긴쓰기 투데이
오늘날 일본과 해외의 많은 예술가와 공예가들이 이 고대 전통을 계속해서 이어가고 있습니다.
Tomomi Kamoshita 와 Yee Sookyung은 이 기법을 자신들의 도예 예술에 접목시켰고, Elisa Sheehan , Rachel Sussman , Tatiane Freitas는 도자기를 틀에 얽매이지 않고 예상치 못한 캔버스로 대체하여 전통적인 기법에 창의적인 변형을 가했습니다.
카모시타 토모미
일본 예술가 Tomomi Kamoshita는 발견된 도자기에 새로운 생명을 불어넣습니다.
그녀는 킨츠기 기술을 사용하여 패치워크 젓가락 받침 부터 짝이 맞지 않는 귀걸이까지
반짝이는 작품을 만듭니다.
이전의 킨츠기 예술가들과 마찬가지로 카모시타는 자신의 예술에 철학적인 접근 방식을 가지고 있습니다.
“모든 일본인 [사람]이 알고 있듯이 파도는 우리에게서 많은 것을 앗아갈 수 있지만, 우리가 파도로부터 큰 이익을 얻는 것도 사실입니다.
”라고 그녀는 말합니다.
이수경
이수경은 킨츠기 크랙 기법을 사용하여 다양한 도자기로 만든 초현실적인 조각품을 만듭니다.
24캐럿 금을 사용하여 한국의 창작자는 평범한 도자기를 특별한 우화의 두 배가 되는
“이 작품은 사람들이 고통을 극복하면서 더욱 성숙하고 아름답게 만드는 삶의 투쟁을 은유할 수 있습니다.
”라고 그녀는 밝힙니다.
엘리사 시한
"불완전함을 진정한 가치로 시각적으로
표현하고 결함을 찬양하고 아름다운 것으로 보는 곳"으로 묘사되는 이 시리즈는 섬세한 페인트 워싱, 추상적인 잉크 형태 및
레이첼 서스먼
브루클린을 기반으로 활동하는 아티스트 Rachel Sussman이 kintsugi를 거리로 선보였습니다.
그녀는 오랜 관행에서 영감을 얻은 방법을 사용하여 도시 환경에서 자연적으로 발생하는 많은 균열을 고칩니다.
타티아네 프레이타스
브라질 예술가 Tatiane Freitas는 수선에 대한 현대적인 해석을 통해 고전적인 디자인과 현대적인 디자인 사이의 경계를 모호하게 만듭니다.
아크릴 수지를 사용하여 Freitas는 부서진 목재 가구를 "수리"합니다 . 수지가 투명하더라도 수리를 위장하려는 의도는 없습니다.
대신, 변경 사항은 나무에서 대담하게 눈에 띄고 오래된 것과 새로운 것이 만나는 성명서로 정점을 이룹니다.
부케 드 브리스
네덜란드 예술가 Brooke de Vries는 조각난 도자기 조각으로 놀라운 조각품을 만듭니다.
그는 부서진 도자기를 해체된 조각품 으로 변형시킨다 . De Vries의 작품은
다양한 형태를 취하고 있지만 그 중 대부분은 킨츠기 기법을 사용하여 하나로 합쳐졌습니다.
그의 목표는 불완전함의 아름다움을 강조하는 것이며, 이는 킨츠기의 철학과 매우 잘 맞습니다.
내면의 예술가를 발굴하고 공예품을 직접 탐구하는 데 관심이 있다면 Humade 와 Mejiro Japan에서 kintsugi 수리 키트를 판매하고 A Cozy Kitchen에서는 소모품을 보유하고 있는 사람들을 위한 DIY 튜토리얼도 제공합니다.
이러한 DIY 프로젝트를 통해 깨진 도자기를 예술 작품으로 바꾸는 동시에 일본 전통의 도자기 수리 기술을 경험할 수 있습니다.
이 기사는 편집 및 업데이트되었습니다.
컬러 사진의 힘을 기념하는 1839 어워드 사진 콘테스트의 뛰어난 수상자
알렉산드레나 파커의 'Unsupervised'.
종합 전문 우승자와 전문 우승자, 개념, 사람, 스토리텔링.
“아이들이 감독 없이 거리에서 혼자 놀고 있는 광경은 점점 더 드물어지고 있습니다.
호주 아웃백을 배경으로 한 장면은 과거와 현재를 함께 엮어 풍경과 시대를 초월한 어린 시절의 본질 사이의 관계를 상징합니다.
”
사진이 처음으로 대중에게 널리 알려지게 된 해의 이름을 딴 1839 시상식은 매체를 강조하기 위해 일련의 사진 콘테스트를 개최합니다.
55개국의 사진작가들이 전문 사진작가와 비전문 사진작가 모두에게 열려 있는 컬러 사진 콘테스트에 참가했습니다.
방금 발표된 결과는 놀라웠습니다.
결국 두 가지 다른 컨셉의 시리즈가 종합상을 수상했습니다.
전문가의 경우 Alexandrena Parker가 감독 없이 밖에서 노는 아이들의 이미지로 종합 우승자로 선정되었습니다.
이는 요즘 보기 드문 광경입니다.
사진과 자수를 결합한 자신의 유산에 대한 Astrid Reischwitz 의 매혹적인 시선은 그녀에게 비전문 대회에서 최고상을 안겨주었습니다.
카테고리 우승자 중에는 숨겨진 보석이 많이 있습니다.
유쾌한 파스타 접시부터 우크라이나 전쟁에 대한 인상적인 모습까지, 이 대회는 컬러 사진이 우리의 세계관에 미칠 수 있는 영향을 강조합니다.
그러나 우승자 발표에는 논란이 없지 않았다.
기술과 기술이 매체에 미치는 영향을 따라잡기 위한 노력의 일환으로 콘테스트에는 최고의 AI 이미지를 수여하는 카테고리가 있습니다.
그러나 콘테스트 주최자가 예상하지
못한 것은 사진작가가 해당 카테고리에 일반 사진을 출품 할 뿐만 아니라 People's Vote Award를 수상하는 것이었습니다.
이후 사진작가는 해당 이미지가 AI가 아니라고 밝혀 실격 처리됐지만, 이 소식은 콘테스트에 많은 관심을 불러일으켰다.
이 이벤트는 우승자의 높은 수준과 함께 모든 사진작가에게 기술은 훌륭하지만 여전히 인간의 손길에서 나오는 창의성과 예술성에 상대가 되지 않는다는 것을 확신시켜 줄 것입니다.
아래로 스크롤하여 우리가 가장 좋아하는 수상자를 확인하고 1839 Awards 공식 웹사이트 에서 전체 갤러리를 확인하세요 .
2024 컬러 사진 콘테스트는 사진의 힘을
기념합니다.
Leo Kwok의 "용을 훈련하는
방법"입니다.
우승자, 전문가, 이벤트, 사람.
“중국 메이저우(Meizhou) 사람들은 음력 첫 번째 보름달에 등불 축제를 축하하기 위해 녹은 불꽃 같은 불꽃을 뿜어내며 불용춤을 춥니다.
이 축하 행사는 200여년 전에 거행되었으며 2008년에 중국 무형문화유산으로 등재되었습니다.
”
로빈 핀레이슨의 <다크 뷰티>.
우승자, 전문가, 풍경.
“2020년 말, 세계 최대의 모래섬인 세계유산에 등재된 크가리(K'gari)에서 산불이 발생했습니다.
그것은 87,000헥타르 이상, 즉 섬의 거의 절반을 휩쓸었습니다.
2달 넘게 불탔어요. 이 기간 동안 나는 황폐함 속에서 예상치 못한 매혹적인 아름다움을 발견했습니다.
”
소피아 로페즈 마난(Sofia Lopez
Mañan)의 '타이거(Tiger)'. 전문 준우승자 및 전문 우승자, 동물, 개념, 스토리텔링.
“아르헨티나 부에노스아이레스의 침대 위에 서 있는 호랑이. 이 이미지는 인공 건축물로서 '자연'의 개념을 탐구하는 '자연의 책' 프로젝트의 일부입니다.
1839 어워드에서 운영하는 사진 콘테스트는
전문 부문과 비전문 부문으로 구분됩니다.
Yuliy Vasilev의 "스파게티 스타일리스트". 우승자, 전문가, 정물화.
아리아나 안젤리니의 '기타노'.
우승자, 전문가, 사람들.
“저는 그 사람을 한 번 만났고, 제 길을 찾으려고 노력했어요. 내가 찾던 것은 고지대의 고독이었다.
어느 날 내가 불안한 생각에 사로잡혀 있을 때 그 사람은 허락도 없이 통나무 위에 내 옆에 앉았습니다.
”
킴 랑의 '대서양의 국가들'.
우승자, 전문가, 여행.
“Nations of the Atlantic은 문화를 연결하는 그릇으로서 바다를 탐험하고 일상생활을 바다에 의존하는 장소의 보편적인 경험에 중점을 둡니다.
이는 기후 변화에 대한 더 큰 논의에서 종종 간과되는 작은 섬나라로 관심을 옮깁니다.
”
아스트리드 라이슈비츠(Astrid
Reischwitz)의 '스핀 클럽 태피스트리(Spin Club Tapestry)'. 전체 비전문 우승자 및 우승자, 비전문가, 개념적, 기타.
“독일에 있는 우리 마을의 천 스티치를 따라가면서 나는 조상들의 삶, 즉 완벽한 패턴의 배치와 그들이 저지른 실수를 따라가게 됩니다.
내가 종이에 직접 꿰맨 패턴은 기억의 파편을 상징한다.
”
매튜 데산티스의 <부탄 야구>.
비전문 준우승자.
“부처(영감의 상징)를 배경으로 부탄의 십대들이 수도 팀푸에서 활기 넘치는 야구 경기에 참여하고 있습니다.
국가의 전통 귀족 복장을 입은 그들은 부탄을 정의하는 전통과 현대성의 조화로운 조화를 구현합니다.
”
Lenka Klicperová의
"자유의 대가". 우승자, 전문가, 포토저널리즘 .
“우크라이나는 2년 동안 러시아의 공격에 맞서 스스로를 방어해왔습니다.
수천 명의 군인과 민간인이 자유를 위해 끔찍한 대가를 치르고 있습니다.
하지만 그들은 여전히 싸우고 있다”고 말했다.
마우로 카비젤의 'The Circle'.
우승자, 비전문, 건축, 미니멀리즘.
“취리히 호수에 있는 공공 수영장인 'The Circle'의 이른 아침 장노출 사진입니다.
”
에드워드 판자이탄(Edward Panjaitan)의
『개기일식』. 우승자, 비전문가, 자연.
"두 번째 접촉(개기일식 직전의 다이아몬드 고리), 개기일식, 개기일식 직후(개기일식 직후의 개기일식의 순서."
산드라 폴의 '열정'. 우승자, 전문가, 동물.
55개국의 사진작가들이 콘테스트에 참가했으며,
여기에는 AI 사진 부문도 포함되었습니다.
로빈 핀레이슨의 '무제'. 승자, 전문가, AI.
안톤 미셴코의 <립턴 힐>.
우승자, 비전문, 포토저널리즘.
"스리랑카"
브라기 토르 요셉손의 '플레이필드'. 우승자, 전문가, 건축.
스칼렛 코튼의 'M'. 우승자,
전문가, 스토리텔링.
“M은 지중해 분지부터 트럼프의 미국과 프랑스, 현대 남성성, 자신이 누구인지 표현하려는 결심까지 탐구하는 세 가지 시리즈를 하나로 모았습니다.
도전은 이러한 독특하면서도 공유된 경험을 집단적 상상력에 도입하는 것입니다.
”
로빈 핀레이슨의 '하늘색'. 우승자, 전문가, 자연.
프로신 블라디미르(Proshin Vladimir)의 <강가의 아침>. 우승자, 비전문가, 여행.
Kari Peltola의 '북극 탐험'.
우승자, 비전문가, 미니멀리즘.
“스발바르 북극 탐험.”
2024년 모바일 사진 어워드의 창의적인 수상작
빅터 탄의 '폭죽 교향곡'. 포토 에세이 수상작.
Mobile Photography Awards는 좋은 사진이 DSLR 소유에만 국한되지 않는다는 것을 다시 한번 입증하고 있습니다.
2011년부터 이 콘테스트는 모바일 사진의 창의적인 가능성을 선보여 왔으며 제13회 연례 콘테스트도 다르지 않습니다.
상하이에 거주하는 사진작가 Yajun Hu는 모두 Xiaomi Ultra 13을 사용하여 촬영한 거리 사진 포트폴리오로 최우수상을 받았습니다.
Hu의 작업은 거울에 비친 인물이든, 교묘하게 누군가의 신체 일부를 덮고 있는 분수든, 삶의 작은 우연에 초점을 맞추고 있습니다.
Mobile Photography Awards의 창립자인 Daniel Berman은 Hu의 작품에 대한 열정을 발산하며 이 작품이 "그림자, 색상 및 모양의 독특한 상호 작용으로
구별되며 구성에 깊이와 감정을 불어넣는다"고 설명합니다.
그는 "각 사진은 더 큰 이야기의 한 부분으로 작용하여 도시 스토리텔링의 풍부한 태피스트리에 기여합니다.
"라고 덧붙입니다.
Hu 외에도 다른 사진작가들도 풍경, 인물, 건축에 이르기까지 12개 카테고리로 선정되었습니다.
각 카테고리는 접근성, 즉각성, 휴대성을 강조하면서 모바일 사진의 독특한 특성을 기념합니다.
올해에는 80여 개국의 사진작가들이 대회에 참가했는데, 이는 휴대폰 사진의 사용이 얼마나 널리 퍼졌는지를 보여줍니다.
아래로 스크롤하여 더 많은 우승자를 확인하고 카메라 휴대폰을 창의적으로 사용할 수 있는 영감을 얻으세요.
상하이를 기반으로 활동하는 사진작가 Yajun Hu는 창의적인 거리 사진으로 2024 Mobile Photography
Awards를 수상했습니다.
후야준 작가의 <깨진 초상화>. MPA 올해의 사진작가 및 우승자, 흑백. 샤오미 13 울트라로
촬영했습니다.
이미지: 후야준. MPA 올해의 사진작가. 샤오미 13 울트라로 촬영했습니다.
이미지: 후야준. MPA 올해의 사진작가. 샤오미 13 울트라로 촬영했습니다.
12개 부문의 상도 재능 있는 사진작가들에게 수여되었습니다.
Yuepeng Bao의 “Wonder Kelingking Beach”입니다.
우승자, 여행 및 교통. iPhone 14
Pro Max로 촬영했습니다.
웨이웨이의 '공허'. 건축 및 디자인 부문 우승자. Xiaomi 13 Ultra 1로 촬영했습니다.
로이 팬(Roy Pan)의 '테트리스'. 우승자, 실루엣. iPhone 13 Pro로 촬영했습니다.
퀴니 치의 <밤에 집으로 돌아오는 바이올리니스트>. 우승자, 초상화 및 자화상. Vivo
X90 Pro Plus로 촬영했습니다.
Chang Nianzu의 '놀이터'. 수상작, 거리 사진. 샤오미 13 Pro로 촬영했습니다.
Di Lu의 "황금산". 풍경 및 야생동물 부문 우승자. Oppo S6 Pro로 촬영했습니다.
2011년부터 시작된 이 상은 휴대폰 사진 분야 최장수 사진 콘테스트로 자리매김했다.
홀린 존슨의 'Beyond the Green'. 우승자, 매크로 및 세부 정보. 삼성 S22 Ultra로 촬영했습니다.
엘리엇 퍼거슨(Elliot Ferguson)의 “생도 장애물 코스(Cadet Obstacle Course)”. 우승자, 사람들. 아이폰XR로 촬영.
“멜리사 존스턴의 Forge. VisualFX 및 디지털 아트 부문 우승자. iPhone 14 Pro로 촬영했습니다.
와이잉궈(Wai Ying Kwok)의 'Light Up'. 우승자, 다크니스/느와르. 삼성 갤럭시 S23으로 촬영했습니다.
라이언 카르돈(Ryan Cardone)의 <폭포>. 승자, 물/눈/얼음. iPhone 12 Pro로 촬영했습니다.