Nick Mauss와 Angela Miller는 저서 "Body Language"에서 Stonewall이 등장하기 수십 년 전에 예술가 그룹이 어떻게 퀴어 이미지 문화 네트워크를 형성했는지 보여줍니다.
George Platt Lynes, Demus , 1937년
인디애나 대학교 Kinsey Institute 컬렉션 © George Platt Lynes 사유지
리뷰 - 2024년 6월 18일
매튜 레이프하이트 ( Matthew Leifheit)
Nick Mauss와 Angela Miller의 저서 Body Language: The Queer Staged Photographs of George Platt Lynes and PaJaMa (2023)는 미국 모더니즘의 퀴어성 표현에 대한 새로운 비판적 담론을 가져옵니다.
"사진의 순간 정의"라는
시리즈의 일부인 이 책에는 Anthony W. Lee의 소개와 함께 풍부한 삽화가 포함된 두 편의 에세이가 포함되어 있습니다.
Mauss는 주로 1930년대와 1940년대 남성 누드 사진으로 알려진 사진작가 George Platt Lynes의 광범위한 작업을 평가합니다.
Miller는 이름을 조합한 PaJaMa라는 이름으로 Lynes와 동시에 작업한 Paul Cadmus, Jared French 및 Margaret Hoening French의 공동 사진에 대해 글을 씁니다.
두 에세이 모두 이 이미지가 퀴어 예술가 집단 사이에서 유포되었을 때 수행한 사회적 역할과 대중 매체와의 관계를 탐구하고, 참가자가
만든 다른 예술 작품에 정보를 제공했을 뿐만 아니라 미국과 미국의 퀴어 문화 네트워크를 어떻게 반영했는지 탐구합니다.
두 번의 세계 대전.
안젤라 밀러(Angela Miller)의 에세이 "파자마 드라마(PaJaMa Drama)"는 이 획기적인 퀴어 사진 공동작업의 작업에 대한 심층적인 학술 저술의 첫 번째 출판물입니다.
PaJaMa는
매사추세츠 주 파이어 아일랜드(Fire Island)와 프로빈스타운(Provincetown)과 같은 퀴어 천국의 해변에서 고도로 연출된 비유적인 사진을 찍었습니다.
뉴욕 그리니치 빌리지에 있는 친구들의 아파트에서; 그리고 나중에 Nantucket 해안에 도착했습니다.
그들의 협력은 1937년에 시작되었고, 그들은 1955년까지 공식적인 집단으로 일하면서 수천 개의 네거티브 네거티브를 제작했지만, 그들은 1980년대까지 남은 생애 동안 비공식적으로 서로 사진을 찍었습니다.
사진은 전시용으로 제작된 것이 아니라 친구들 사이에 유포되고, 편지로 전달되고,
만찬에서 나눠지는 '선물 이미지'였다.
또한 그림의 참조 이미지로도 사용되었습니다.
특히 파자마(PaJaMa)라는 라벨은 1970년대 사진이 처음 전시되었을 때 트리오 중 가장 유명한 예술가인 카드무스(Cadmus)의 공동 작업 이미지에만 적용되었습니다.
Margaret과 Jared는 모두 그 이름을 싫어했습니다.
Courtesy DC Moore Gallery, New York
사진은 협력자들 사이의 복잡한 역동성을 극적으로 표현합니다.
Paul Cadmus와 Jared French는 Jared가 1937년에 Margaret French와 결혼하기 전까지 8년 동안 깊은 연애 관계를 유지했으며
그 후에도 계속 그렇게 지냈습니다.
마가렛은 부유한 뉴저지 가문 출신이었습니다.
그녀는 Jared에게 헌신했고 그를 재정적으로 지원했습니다.
밀러는 마가렛과 폴이 "만약 조심한다면 사랑스러운" 우정을 누렸다고 썼습니다.
두 사람 모두 Jared를 사랑했기 때문입니다.
오늘날 우리는 이것을 폴리아모리라고 설명할 수 있지만, PaJaMa의 친구와 연인 네트워크 내에는 꼬리표와 성적 범주가 없고 사물의 이름이 지정되지 않은 성격 속에 일종의 자유가 존재했습니다.
밀러에게 있어서 빛의 의미에서 종종 불길한 예감이 들고 항상 조각상 같은 구도를 지닌 이 사진들은 격렬하고 유동적인 개인적인 삶 속에서도 여전히 정박지점을 제공했습니다.
그녀는
사진에서 이중으로, 그림자가 있는 자아의 반복되는 모티브를 융의 원형과 아니마와 아니무스의 양면에 대한 Jared French의 관심에 돌립니다.
Miller는 또한 PaJaMa의 멤버들이 1940년대 할리우드 필름 느와르, 특히 멜로드라마의 미학에 영향을 받았다고 주장합니다.
Miller의 인용 목록을 읽어보면 그녀가 경작하고 있는 새로운 영역을 알 수 있습니다.
그녀는 Cadmus와 프랑스인들이 Yale University의 Beinecke Rare Book and Manuscript Library 및 Smithsonian American Art에 남긴 광범위한 서신과 개인 문서 외에도 경매 카탈로그,
상대적으로 적은 수의 PaJaMa 작품 전시회에 대한 신문 리뷰, 웹사이트를 인용합니다.
박물관.
솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕 © George Platt Lynes 사유지
Nick Mauss는 뉴욕 휘트니 미술관에서 열린 2018년 전시회 Transmissions에서 Lynes와 PaJaMa의 사진을 선보인 시각 예술가이자 작가입니다 . 그의 에세이 "사진의 사용"에서 그는 George Platt Lynes의 사진이 공개적으로나 개인적으로 유통되는 다양한 방식에 대해 논의합니다.
그는 초상화가, 패션 및 댄스 사진작가, 남성 누드의 열정적인 지지자로서 Lynes의 활동이 서로 얽혀 있는 성격을 보여줍니다.
Mauss의 연구는 1981년에서 1994년 사이에 Twelvetrees Press가 발표한 출판물 에 대한 대위법을 제공합니다.
이 출판물은 Lynes의 작품을 광범위한 청중에게 소개했지만 그의 예술 작품을 세 가지 별도의 예술 장르로 분류했습니다.
그러나 Mauss의 연구는 이러한 소스를
뛰어넘어 Lynes가 서신, 개인 스크랩북, 인쇄된 하루살이의 형태로 남긴 엄청난 양의 보관 자료를 조사하여 시각 예술가의 감성에 고유한 연결을 만듭니다.
점들을 연결하기 위해 그는 Lynes가 남기고 싶지 않은 작품, 즉 그가 마지못해 생계를 위해 만들었고 죽기 전에 네거티브를 태워 없애려고 했던 그의 패션 사진도 포함시켰습니다.
Mauss에게는 다행스럽게도 그 내용은 출판물로 널리 유포되었으며 지울 수 없었습니다.
PaJaMa의 친구와 연인 네트워크 내에는 꼬리표와 성적 범주가 없고 사물의 이름이 지정되지 않은 성격 속에 일종의 자유가 존재했습니다.
Mauss는 Lynes의 예술적 결과물의 다양한 장르에 걸쳐 개체와 모델을 추적하여 상호 연결성뿐만 아니라 서로에게 영향을 미치고 활력을 주는 방법도 보여주었습니다.
한 예에서 그는 Lynes의
세계 내에서 사진의 진화를 보여줍니다.
1937년에 촬영된 수영복 광고를 위해 Lynes는 벽화 크기의 해변 풍경 사진을 배경으로 카바나처럼 보이는 세트를 만들었습니다.
공개된 이미지에는 수영복을 입은 여성을 바라보고 있는 세 남자의 경직된 구도가 담겨 있다.
Lynes가 에로틱한 작업을 위해 근무 시간 외 상업 세트를 재사용했다는 것은 오랫동안 의심되어 왔으며 Mauss는 Demus라는 제목의 Lynes 사진 중 하나의 형태로 증거를 제공합니다.
같은 바다 경치를 배경으로 같은 카바나로 향하세요. Mauss는 여기서 설정이 Jean-Hippolyte
Flandrin의 유명한 1836년 그림을 연상시키기 위해 변형되었다고 썼습니다 . 그의 또 다른 "슬픈 청년"의 모습은 "동성애자가 사회로부터 고립되는 전형적인 암호"가 되었습니다.
Jerome Robbins 댄스 부문, 뉴욕 공립 도서관 © George Platt Lynes 소유
Keith de Lellis 갤러리 제공 © George Platt Lynes 부동산
이 계시를 바탕으로 Mauss는 패션 광고의 남성 모델 중 한 명을 Lynes의 빈번한 주제 중 하나이자 New York City Ballet의 창립 멤버인 미국 발레 댄서 Nicholas Magallanes로 식별합니다.
George Balanchine과 Jerome Robbins의 발레 Jones Beach 를
위해 제작된 Lynes의 1950년 사진은 비슷한 초자연적인 해변 세트를 사용했으며 Magallanes가 댄서 Tanaquil Le Clercq를 안고 있는 모습을 담고 있는데, 그의 포즈는 Demus 의 모델과 놀랍도록 유사합니다 . 마지막으로 Mauss는 이 댄스 이미지를 Lynes가 Jones Beach 이미지 와 같은 세트에서,
아마도 같은 날에 촬영한 화려한 남성 누드와 연결합니다.
여기서 남성 모델은 동일한 포즈를 취하지만 거꾸로 뒤집혀 카메라를 향해 회전합니다.
Mauss는 "직장의 노골적인 봉헌"이라고 묘사합니다.
텍스트 앞부분에서 Mauss는 다음과 같이 묻습니다.
“Lynes의 작업은 상업 이미지와 전위적인 미학을 융합하고 사진가 스튜디오의 수행적 잠재력을 열어준 새로운 형식으로 볼 수 있습니까?
라인스를 스튜디오 사진작가라고 부르는 것보다 카메라를 사용하는 예술가라고 부르는 것이 더 정확하지 않을까요?” 사진작가들은 두 번째 질문에 곤혹스러울 수도 있지만, 이는 Lynes의 작업이 1980년대 후반에 널리 퍼진 개념적 사진의 중요한 선례임을 확인합니다.
Miller가 PaJaMa에 대한 에세이에서 썼듯이, 카메라 장면의 연출은 "사진을 자기 퍼포먼스와 역할극의 도구로 사용하는 예술가를 향한 포스트모던한 전환을 예고했습니다.
" PaJaMa의 연출된 사진에서 사람들은 Gregory Crewdson의 타블로에 있는 움직이지 않는 인물들의
멀리서 응시하는 전조를 보기 시작합니다.
또는 Miller가 지적한 것처럼 Cindy Sherman을 포함한 Pictures Generation의 예술가들이 말입니다.
프린스턴 대학교 미술관
신체 언어는 2019년부터 뉴욕의 퀴어 모더니즘에 대한 두 개의 동시 쇼인 링컨 커스타인(Lincoln Kirstein)의 현대 미술관 , 뉴욕 현대 미술관과 The Young and The Young and David Zwirner 갤러리의 Jarrett Earnest가 큐레이팅한 Evil . 이후 게이 사진 역사가 Allen Ellenzweig는 Lynes의
광범위한 전기 The Daring Eye (2021)를 출판했으며, 아트 디렉터 Sam Shahid는 Hidden Master: The Legacy of George Platt Lynes (2024)라는 제목의 Lynes에 관한 다큐멘터리를 발표했습니다.
예술가들은 또한 특히 무대 사진을 통해 사랑과 욕망이라는 유사한 주제를 묘사해 왔습니다.
이 프로젝트에는 Ian Lewandowski의 복잡하고
빛나는 퀴어 커뮤니티의 접촉 프린트와 PaJaMa 및 Lynes의 빈티지 프린트와 대화를 나누는 최근 독학 사진작가 Kris Mendoza의 사진을 담은 브루클린 Brick Aux 갤러리의 Communion 전시회가 포함됩니다.
PaJaMa와 연결”.
우정이나 공유된 퀴어성을 표현하는 것 외에 즉각적인 목적이 없는 예술 작품인 "선물 이미지"의 개념은 예술과 예술 교육이 과도하게 전문화된 지금, 특히 고려하는 것이 중요합니다.
Mauss는 선물 이미지의 기능을 “연애 편지, 18~19세기 영국과 미국의 친구, 연인, 가족 사이에 그려진 초상화 미니어처의 유통, 또는 새겨진 부채 그림의 교환과 다르지 않다”고 생각합니다.
19세기 화가, 시인, 그리고 그들의 뮤즈들 사이의 시를 통해.” 아티스트는 더 많은 팬을 거래해야 합니다.
예술가들끼리 공유할 수 있는 것으로서의 이 책은 그러한 교류의 가능성을 보여준다.
Body Language Note 의 저자인 Lynes는 책의 비문으로도 사용되는 "미래 예술사"를 만드는 데 전념했습니다.
어떤 의미에서 선물 이미지 그 자체인 바디 랭귀지는 이 퀴어 예술가들이 남긴 수수께끼의 작품에 대해 매혹적이고 깊이 연구된 배경을 제공하여 다음 세대를 위한 그들의 기여를 조명하는 데 도움을 줍니다.
자넬레 무홀리, 만지 1세 , 2022
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2024년 6월 14일
예술가 제공
켈리 코넬: 카리스를 위한 사진 (2024)
Pictures for Charis 에서 Kelli Connell은 퀴어 여성 예술가의 현대적 시각을 통해 Charis Wilson의 삶과 Edward Weston과의 협력에서 영감을 얻었습니다.
1930년대와 40년대에 걸쳐 Wilson은 Weston의 파트너이자 모델이자 공동 작업자였으며 사진 작가와 함께 그의
가장 상징적인 이미지를 작업했습니다.
Connell은 자신의 파트너인 Betsy Odom과 함께 80여년 전 두 사람이 함께 사진을 찍은 미국 서부 지역을 여행하면서 Wilson과 Weston이 공유한 유산에 초점을 맞췄습니다.
윌슨의 유령을 쫓는 과정에서 코넬은 변화했지만 자연, 예술가, 욕망, 영감에 대한 동일한 신화에 여전히 빠져 있는 문화적 풍경을 탐색하면서 공동 작업 듀오와 새로운 친밀감을 찾는 자신의 이야기를 들려줍니다.
Connell의 사진과 글을 Weston의 고전적인 인물 연구 및 풍경과 함께 결합한 Pictures for Charis는 21세기 사진,
성별 및 초상화에 대한 중요한 질문을 제기합니다.
예술가 제공
낸 골딘: 성적 의존의 발라드 (2021년판)
낸 골딘(Nan Goldin)의 상징적인 비주얼 일기 The Ballad of Sexual
dependencyency는 1970년대와 80년대에 친구, 가족, 연인 사이의 친밀감과 이해를 위한 투쟁을 기록합니다.
골딘의 솔직하고 본능적인 사진은 삶으로 들끓는 세상을 포착했으며, 검열에 도전하고, 성별 고정관념을 무너뜨리고, 에이즈 위기에 대한 중요한 가시성과 인식을 가져왔습니다.
1986년 Aperture에서 처음 출판된 Ballad는 사진 및 기타 미적 영역에 계속해서 큰 영향을 미치고 있으며, 현대 고전으로서의 위상이 확고히 자리 잡았습니다.
Goldin은 Aperture의 2021년판 업데이트된 후기 에서 다음과 같이 회상했습니다 . “저는
향수가 결코 내 과거를 물들일 수 없도록 이 책에 사진을 찍었습니다.
누구도 고칠 수 없는 내 인생의 기록을 만들고 싶었어요.”
작가 제공
에단 제임스 그린: 젊은 뉴욕 (2019)
Young New York은 뉴욕의 밀레니얼 장면 제작자들의 인상적인 초상화를
선보입니다.
Ethan James Green은 다양한 모델, 예술가, 나이트라이프 아이콘, 퀴어 커뮤니티를 통해 새로운 세대의 아름다움과 정체성을 재정의합니다.
고(故) 데이비드 암스트롱(David Armstrong)의 멘토링
하에 그린은 섬세하면서도 자신감 넘치는 스타일을 발전시켰습니다.
3년 동안 그는 종종 Lower East Side의 Corlears Hook Park에서 가까운 친구들과 공동체의 사진을 찍었습니다.
그가 피사체와 형성한 강렬한 연결을 반영하는 Green의 흑백 사진은 본질적으로 인본주의적인 접근 방식을 보여줍니다.
이는 Diane Arbus의 성별 비순응주의자에 대한 20세기 중반 연구를 연상시킵니다.
"그린의 주제는 청소년기에서 성인기로의 전환 또는 성별 전환 등의 과도기 상태에 있는 경우가 많으며, 상부 수술 흉터나 싹이 트는 가슴에서 볼
수 있습니다.
"라고 Michael Schulman은 New Yorker 에 썼습니다 . "전환은 사람들을 취약하게 만들지 만 Green의 주제는 자신있게 아름답고 스타일과 태도의 대가입니다.
"
예술가 제공
라일 애쉬튼 해리스: 오늘은 무슨 일이 있어도 심판하지 않겠습니다 (2017)
1980년대 후반과 90년대에 급진적인 문화 장면이 전 세계 도시에서 등장하여 뉴욕, 런던, 로스앤젤레스, 로마의 갤러리, 나이트클럽, 침실에서 표현되었습니다.
당시 다양한 예술 매체를 실험하던 젊은 예술가였던 라일 애쉬튼 해리스(Lyle Ashton Harris)는 낸 골딘(Nan Goldin), 스튜어트 홀(Stuart Hall), 벨훅스(Bell Hooks), 캐서린 오피(Catherine Opie), 그리고 말론 리그스. 해리스의 사진은 한 시대를 정의하고 오늘날까지 계속해서 울려 퍼지는 문화 및 정치 공동체의 생생한 실제 초상화를 제공합니다.
2017년판 Today I Shall Judge Nothing That Occurs 에서는 예술가의 35mm Ektachrome 이미지 아카이브가 개인 일지 항목 및 예술 및 문화 인물의 추억과 함께 제공됩니다.
이 작품은 해리스(Harris)가 “예술계의 엄청난 변화, 다문화주의의 출현, 에이즈 운동의 제2의 물결, 초기 세계화.” 해리스의 사진과 일기는 그의 개인적인 역사와 예술가로서의 여정을 스케치할 뿐만 아니라 이 획기적인 예술과 문화 시대에 대한 친밀한 시각을 제공합니다.
Peter Hujar Library, LLC 제공; 페이스/맥길 갤러리(뉴욕); 프렌켈 갤러리(샌프란시스코)
피터 후자르: 삶의 속도 (2017)
Peter Hujar는 1987년 에이즈로 사망했으며 복잡하고 심오한 사진을 남겼습니다.
1970년대와 80년대 뉴욕 시내 문화 현장의 선두주자였던 Hujar는 사람, 동물,
풍경을 그린 초상화로 존경을 받았습니다.
50년대 상업 사진가로 경력을 시작한 Hujar는 곧 이 분야를 버리고 좀 더 개인적인 예술 활동을 추구하기로 결정했습니다.
초상화로 가장 잘 알려진 그는 Susan
Sontag, William S. Burroughs, David Wojnarowicz 및 Andy Warhol을 포함하여 뉴욕의 유명 예술가 및 작가들의 상징적인 이미지를 만들었습니다.
Antonio Huertas Mejías는 Speed of Life 소개에서 다음과
같이 썼습니다 . "Hujar의 흑백 사진은 특유의 단순한 스타일로 그의 작품을 동시에 깊은 감동과 감동을 선사합니다.
"
후자르는 주류로 편입된 사람들과 긴밀한 연관이 있음에도 불구하고 지하 전설의 지위를 유지하면서 당대의 명성의 변두리에서 살았습니다.
이제 그는 사라진
도심 예술계의 존경받는 아이콘이 되었습니다.
Peter Hujar: Speed of Life (2017)는 Hujar의 삶과 예술적 실천에 대한 철저한 역사를 만들기 위해 Philip Gefter, Steve Turtell 및 Joel Smith의 텍스트와 함께 그의 아카이브에서 사진을 수집합니다.
아티스트 제공
Zanele Muholi: Somnyama Ngonyama, 어둠의 암사자 만세, 2권 (2024)
남아프리카의 예술가 Zanele Muholi는 우리 시대의 가장 강력한 시각 운동가 중 한 명입니다.
Muholi는 LGBTIA+ 커뮤니티를 기록한 2006년 시리즈 Faces and Phases 로 처음으로 인지도를 얻었으며 , 시각적 역사를 구축하고 흑인 퀴어 삭제를 해결하려는 시도로 야심차게 대담한 초상화를 만들었습니다.
거기에서 Muholi는 카메라를 안쪽으로 돌리기 시작하여 일련의 연상적인 자화상을 시작했습니다.
Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness, Volume II (2024)는 비평가들의 극찬을 받은 Muholi의 자화상을 담은 첫 번째 타이틀 의 후속작입니다 .
자넬레 무홀리(Zanele Muholi)는 암시적인 자화상에서
흑인성(Blackness)의 개념과 자아의 무수한 가능성을 탐구하고 확장합니다.
무홀리는 자신의 환경, 특정 사건 또는 실제 경험을 참조하는 다양한 재료나 발견된 물건을 바탕으로 오늘날 글로벌 사회에서 흑인으로서 자신의 이미지와 타고난 가능성을 대담하게 탐구하고 동시대 및 역사적 인종차별에 대응하여 단호하게 말합니다.
Muholi는 2018년호 인터뷰에서 “저는 커뮤니티의 개인들이 공간을 차지할 만큼 용감하고, 비방당할 염려 없이 창조할 수 있을 만큼 용감하도록 격려하기 위해 이 사진 문서를 제작하고 있습니다.
”라고 말합니다 . "사람들에게 우리 역사에 대해 가르치고,
역사가 무엇인지 다시 생각하고, 역사를 스스로 되찾고, 사람들이 카메라와 같은 예술적 도구를 무기로 사용하도록 장려하는 것입니다.
"
작가 제공, DOCUMENT, 시카고; 팀(갤러리, Inc.), 뉴욕; 빌메터 로스앤젤레스
Paul Mpagi - Paul Mpagi 의 최고
Paul Mpagi Sepuya의 스튜디오 초상화는 흑인의 퀴어 시선을 통해 전통적인 초상화에 도전하고 해체합니다.
콜라주, 레이어링, 단편화, 거울 이미지를 통해 세푸야는
각 이미지에 대한 다원적인 내러티브 읽기를 장려합니다.
2020년에 Aperture와 St. Louis 현대 미술관은 Sepuya의 작품이 최초로 널리 출판된 출판물을 공동 출판했으며, 올해 말 Aperture는 Dark Room A–Z (2024년 가을)에서 아티스트와 함께 두 번째 책을 출시할 예정입니다.
Sepuya에게 사진은 촉각적이고 공동체적인 경험입니다.
그의 다층적인 장면들은 그의 스튜디오에서 친구들, 동료 예술가들, 그리고 그 자신과의 협업을
통해 하나로 합쳐집니다.
현대 초상화의 매끄러운 기교에서 벗어나 Sepuya의 프레임은 지문과 얼룩부터 거울 표면의 먼지에 이르기까지 사진 촬영의 인간적 요소로 가득 차 있습니다.
Sepuya는 우리가 스튜디오 환경 내부를 직접 볼 수 있도록 초대하는 동시에 주관성 구성도 고려함으로써 이를 더욱 발전시킵니다.
작가 제공
Shikeith: 유출에 대한 참고 사항 (2022)
흑인 남성의 취약성, 기쁨, 영성에 대한 본능적이고 잊혀지지 않는 탐구인 Notes to Becoming a Spill 은 저명한 멀티미디어 아티스트 Shikeith의 첫 번째 논문입니다.
Deana Lawson, Paul Mpagi Sepuya, Mickalene Thomas와 같은 현대 초상화가들의 서정적인 예술적 표현을 따라 Shikeith는 명상, 기도, 황홀경의 다양한 상태에 있는 그의 주제를 상상합니다.
작품에서 그는 Shikeith의 피험자들의 얼굴과 몸이 욕망의 표현과 증거로 땀과 눈물로 반짝반짝 빛나고 "기묘한 것에 기대어 있는 것"으로 묘사합니다.
이 황홀함은 비평가 안트와운 사전트(Antwaun Sargent)가 “다른 세계에 대한 구체적인 가능성을 주장하는 이상적이고 따뜻한 묘사”라고 평가한 것입니다.
유출이 되기 위한 노트는 신성한 공간에 대한 개념을 재정의하고 취약성, 부드러움 및 기쁨에 대한 투자로 식별되는 퀴어 윤리를 위치시킵니다.
작가 제공
혁명은 사랑이다: 흑인 트랜스젠더 해방의 해 (2022)
2020년 6월, 활동가인 퀸 진(Qween Jean)과 조엘라 리베라(Joela Rivera)는 1969년 현대 동성애자 권리 운동을 촉발한 폭동이 일어난 역사적인 스톤월 인(Stonewall
Inn)으로 돌아와 스톤월 시위(Stonewall Protests)로 알려진 주간 활동을 시작했습니다.
다음 해에 Black Lives Matter 운동 내에서 흑인 트랜스젠더와 퀴어의 삶을 중심으로 삼아야 한다는 긴급한 요구에 따라 커뮤니티와 사회 운동 전반에 걸쳐 수천 명의 사람들이 연대, 저항, 친교를 나누었습니다.
운동 내에서 24명의 사진작가들의 작품을 모아 놓은 Revolution Is
Love 는 뉴욕시의 현대 운동가 운동에 대한 강력하고 기념적인 시각적 기록이자 운동, 옹호, 지역 사회에서 사진의 지속적인 힘에 대한 감동적인 증거입니다.
Qween Jean은 이 책의 인터뷰 에서 다음과 같이 회상합니다 . “우리는 역사의 모든 순간에 있었고, 모든 싸움과 모든 사회 정의 운동에 있었습니다.
우리는 존재했습니다.
”
작가 제공
미칼린 토마스: 뮤즈 (2015)
미칼린 토마스(Mickalene Thomas)의 대규모, 다양한 질감의 가정집 인테리어와 인물 사진은 남성의 시선을 전복시키고 아름다움에 대한 새로운 정의를 제시합니다.
토마스는 코네티컷주 뉴헤이븐에 있는 예일 대학교 학생 시절 처음으로 자신과 어머니의 사진을 찍기 시작했습니다.
이것은 예술가로서 그녀의 창의적인 표현에 중추적인 경험이 되었습니다.
그 이후로 그녀의 작업 전반에 걸쳐 토마스의 이미지는 개인적 해체와 재전유의 행위로 기능해 왔습니다.
그녀의 사진 중 다수는 1970년대 여성의 "Black
Is Beautiful" 이미지부터 Édouard Manet의 오달리스크한 인물, James Van Der Zee와 Malick Sidibé의 미장센 스튜디오 초상화에 이르기까지 다양한 문화적 아이콘을 그립니다.
그러나 아마도 가장 중요한 것은 토마스의 초상화와 무대 장면 컬렉션이 매우 개인적인 영감의 공동체, 즉 자신, 어머니, 친구 및 연인을 포함하는 뮤즈 컬렉션을 반영하여 예술 제작의 공동체적, 사회적 측면을 강조한다는 점입니다.
그리고 그녀의 작품에 스며드는 창의성.
David Wojnarowicz 사유지 및 뉴욕 PPOW 갤러리 제공
David Wojnarowicz: 사회 환경의 산불 (20주년 기념판, 2015)
“역사는 특정 계층의 사람들에 의해, 그들을 위해
만들어집니다.
어떤 손에 든 카메라는 대체 역사를 보존할 수 있습니다.
” David Wojnarowicz는 1991년에 썼습니다.
그의 경력 전반에 걸쳐 Wojnarowicz의 사진 활용은 특별했으며, AIDS 위기, 동성애 혐오증, 검열에 대한 끊임없는 투쟁을 다루는 전례 없는 방식과 마찬가지로 Wojnarowicz의 사진 활용도 탁월했습니다.
1992년 AIDS 관련 합병증으로 사망하기 전, Aperture는 1994년에 출판된 랜드마크인 Brush Fires in the Social Landscape 에서 아티스트와 협력하기 시작했습니다 .
Brush Fires는 Wojnarowicz가 자신의 "부족" 또는 커뮤니티라고 부르는 곳에 참여했으며 Nan Goldin, Kiki Smith, Vince Aletti, Davide Cole(Donald Wildmon과 그의 소송에서 그를 대리한 변호사)과 같은 예술가이자 작가 친구들의 기여를 특징으로 합니다.
1990년 미국가족협회). 처음 출판된 지 20년 후, Aperture는 Wojnarowicz의 심오한 영향력, 용기 및 유산에 대한
새로운 관점을 제공하는 확장 및 재설계된 Brush Fires 에디션을 출시했습니다 . “그의
반응은 독특하고, 철저하게 느껴지며, 긴급한 필요성에 의해 추진되었습니다.
그의 시대에 그의 작품은 매우 감동적이었습니다.
정말 놀랐습니다.
” Lynne Tillman은 확장판의 에세이에서 이렇게 썼습니다.
“그 아주 어두운 순간에는 다시는 그 때와 같은 경험을 할 수 없을 것입니다.
”
Avion Pearce는 현실과 꿈 사이의 세계를 창조합니다.
2024년 Aperture Portfolio Prize의 우승자인
Pearce는 시간과 신체 사이의 상호 작용을 매핑합니다.
아비온 피어스, 타마라 , 클린턴 힐, 2023
와 협력하여
2024년 Aperture Portfolio Prize는 MPB의 후원을 받습니다.
루시 맥케온 2024년 5월 14일
그녀의 시 "생존을 위한 기도"에서 Audre Lorde는 자신의 생존이 보장되지 않을 뿐만 아니라 적극적이고
의도적으로 위협을 받는다는 사실을 알고 살아가는 위태로운 경험에 대해 이야기합니다.
Avion Pearce는 자정 시간의 가능성에 대한 찬사인 In the Hours Between Dawn (2022–24) 시리즈의 제목으로 Lorde의 대사를 빌렸습니다 . Pearce가 촬영한 브루클린의 퀴어 및 트랜스 유색 인종 커뮤니티의 경험은 Lorde의 말을 입증하는 증거입니다.
반쯤 가려져 있지만 끈질긴 생존은 부드럽기도
하고 강하기도 한 형태로 나타날 수 있습니다.
8x10 및 중형 카메라를 사용하는 Pearce는 사진이 정체성과 역사에 대한 아이디어를 어떻게 형성하는지 고려합니다.
Pearce는 최근 나에게 “나는 이러한 아이디어를 구성하는 데 사용된 몇 가지 도구를 보고 있었습니다.
”라고 말하면서 형식이 우리가 세상을 보고 이해하는 방식에 영향을 미치는 방식을 다루기 위해 오래된 사진 방법을 사용하려는 그들의 욕구를 설명했습니다.
Pearce의 사진에는 영화 스틸, 포스터, 할렘 재즈 클럽 밖에서 정장을 입은 남성을 보여주는 배경과 같은 다른 사진 문서의 존재도 주목할 만하며 이미지의 힘, 약속 및 위험을 말하는 것 같습니다.
아비온 피어스, 캐러밴 , 클린턴 힐, 2023
Avion Pearce, 제품, 양방향 , 2022
아날로그 기법과 정치적 목적, 시적 감성을 결합한 피어스는 현실과 꿈 사이 어딘가에서 작동하는 시각적 영역을
창조합니다.
의도적으로 보이지 않는 것을 표현하는 방법은 무엇입니까? 최근 이 나라에서 대담해진 트랜스젠더와 퀴어 권리에 대한 공격은 가시성에 대해 생각하는 새로운 방식을 요구한다고 피어스는 말했습니다.
피어스는 퀴어 사진과 관련된 특정 미학, 즉 피사체가 직접적이고 인지하기 쉬운 방식으로 묘사된다는 점을 설명했습니다.
"그 작업은 정말 중요하고 필요하지만, 이 특별한 순간에는 가시성이 필요한지, 그리고 그것이 해로운지에 대해 생각하는 것도 중요하다고 생각합니다.
" 일부 이미지의 경우 Pearce는 밤에
사진을 찍었고, 다른 이미지에서는 밤에 가까운 낮-밤 기술을 사용하여 프레임 내에서 선택적 노출을 허용하고 나머지는 어둠 속에 두었습니다.
최근 이 나라에서 대담해진 트랜스 더와 퀴어 권리에 대한 공격은 가시성에 대한 새로운 사고방식을 요구합니다.
브루클린 플랫부시에서 가이아나 부모 사이에서 태어난 피어스는 현재 코네티컷 주 뉴헤이븐에 살고 있습니다.
자라면서 이들의 부모는 피어스와 남동생의 가족 사진을 많이 찍었습니다.
사진작가는 친구 사진을 찍기 위해 중학교에 아버지의 35mm 카메라를 가져갔던 것을 기억합니다.
세계를 건설하고 마술적 사실주의에 대한 매력은 아름다움, 디테일, 공간 경작에 대한 관심을 공유한 어머니로부터 물려받은 것입니다.
Pearce는 Parsons School of Design에서 사진, 상업 사진, 광고를 전공한 후 Yale에서 MFA를 취득했습니다.
Pearce는 Abelardo Morell의 카메라 옵스큐라 사용에서 영감을 얻었는데, 이는 Pearce의 특히 인상적인 이미지 중 하나에 배치되었습니다.
인물은 어두운 침대에 누워 있고 브루클린 스카이라인은 꿈처럼 머리 위 벽에 거꾸로 떠 있습니다.
가시화되었습니다.
수세기 동안 화가들이 사용했던 카메라 옵스큐라 기법은 이미지 전반에 걸쳐 빛과 그림자, 초점과 분위기를 인상적으로 사용했던 Pearce의 인상주의적 사용을 상기시킵니다.
다른 영향으로는 빛, 움직임, 분위기로 혁신을 이룬 사진가인 Ming Smith , Roy DeCarava, Graciela Iturbide와 왕가와이(Wong Kar-wai)와 라이너 베르너 파스빈더(Rainer Werner Fassbinder)의 영화가 있습니다.
Pearce의 시리즈는 또한 브루클린, 특히 그 자체로 캐릭터인 Crown Heights와 함께 주택 불안과 이주에 대한 이야기를
들려줍니다.
시간, 몸, 지역의 변화 사이의 상호작용을 도표화하는 사진의 잠재력을 탐구하는 Pearce의 표현은 사실뿐만 아니라 감정에도 많이 의존합니다.
In the Hours Between Dawn은 현재의 모습과 미래의 비전에 대한 문서인 여러 기록부에 거주합니다.
Lorde의 "A Litany for Survival"에서와 같이 Pearce의
시야는 확장되어 "안과 밖을 바라보며 / 이전과 이후를 동시에 / 번식할 수 있는 현재를 추구합니다 / 미래."
Lorde 외에도 Pearce의 사진에는 뚜렷한 문학적 특성이 있습니다.
"Toni Morrison은 빛을 묘사하고, 분위기를
묘사하고, 평범한 것을 묘사하는 정말 아름다운 방법을 가지고 있습니다.
" Pearce는 말했습니다.
최근 Beloved 를 다시 읽은 Pearce는 특히 124 Bluestone에 있는 집을 채우는 맥동하는 붉은 빛에 대한 Morrison의 묘사에 매료되었습니다.
비러브드의 유령이 어머니에게 돌아가는 길.
Pearce는 초월적인 색상이 느낌, 감각, 심지어 기억까지 어떻게 전달할 수 있는지 고려하면서 “나는 그것이 이미지를
만드는 과정으로 어떻게 해석될 수 있는지 정말 알고 싶었습니다.
”라고 설명했습니다.
“빛이나 색 같은 것을 이용해 누군가를 공간이나 시간으로 이동시키는 것이 가능할까요?”라고 그들은 덧붙였습니다.
<새벽 사이의 시간> 의 빛나는 각인은 사람의 눈이 작가의 세계를 떠난 후에도 오랫동안 남아 있습니다.
Avion Pearce, T , 크라운 하이츠, 2023
Avion Pearce, Van , Shirley Chisholm Park, 2022. 시리즈의 모든 사진 In the Hours Between Dawn , 2022–24
작가 제공
Avion Pearce는 2024년 Aperture Portfolio Prize 의 우승자입니다 . 그들의 작품에 대한 개인전은 2024 년 6월 26일부터 7월 26일까지 뉴욕 카메라 클럽의 Baxter St에서 열릴 예정입니다.
여성 사진작가의 필수 포토북 12선
Wendy
Red Star의 페미니스트, 원주민 관점부터 Kelli Connell의 Edward Weston에 대한 재고까지, 여성 예술가의 영향력을 연대순으로 기록한 필독 제목을 소개합니다.
크리스틴 포터, 미디엄 , 2017
2024년 3월 6일
© 다이앤 아버스 사유지(The Estate of Diane Arbus)
다이앤 아버스 계시록 (2022)
그녀 세대의 가장 잘 알려진 이미지 제작자 중 한 명인 Diane
Arbus는 1971년 48세의 나이로 사망했을 때 이미 사진계의 전설이었습니다.
그녀의 상당한 영향력에도 불구하고 그녀의 사진 중 상대적으로 적은 수만이 그녀의 사진에 포함되었습니다.
당시 널리 알려졌습니다.
Diane Arbus Revelations는 뉴욕 현대 미술관에서 열린 Arbus의 사후 1972년 회고전 50주년 기념과 Diane Arbus: An Aperture Monograph 동시 출판에 발표되었습니다 .
피사체에 대한 Arbus의 솔직한 태도와 매체의 본질적인 힘에
대한 믿음은 종종 충격을 주는 순수함과 사물을 있는 그대로 꾸준히 기념하는 사진을 탄생시켰습니다.
Revelations는 Arbus의 완전히 독창적인 비전의 기원, 범위 및 열망을 탐구합니다.
Arbus의 전체 경력에 걸친 200장의 전체 페이지 이중톤 사진을 특징으로 하는 이 책은 상징적인 이미지의 맥락에서 잘 알려지지 않았거나
이전에 출판되지 않은 그녀의 사진을 다수 제시하여 미묘하지만 지속적인 세계관을 드러냅니다.
아티스트 제공
미리암 불로스: 우리의 것 (2023)
혁명 중인 도시와 사회에 대한 그녀의 신랄하고 일기적인 설명에서
미리암 불로스(Myriam Boulos)는 젊음, 퀴어함, 항의에 대한 친밀한 초상화를 만듭니다.
그녀의 데뷔 논문인 What's Ours 는 10년이 넘는 이미지를 모아 2019년 레바논에서 시작된 혁명과 정부 부패 및 긴축에 반대하는 시위부터 2020년 8월 베이루트 항구 폭발의 여파까지 단호한 시선을 던집니다.
에너지와 친밀감이 넘치는 친구와 가족의 사진을 찍는 Boulos는
공공 장소의 신체를 방치와 폭력에 대한 취약성과 저항의 강력한 상징으로 묘사합니다.
"Boulos의 렌즈는 피사체에게 영감을 주고 유혹합니다.
"라고 Mona Eltahawy는 함께 에세이에서 썼습니다.
"그들은 자신의 친밀감을 비밀리에 공유하고 나머지 우리와 공유하는 동맹자가 있다는 것을 알고 있습니다.
"
Myriam Boulos: What's Ours 의 특별 서명 도서 및 인쇄 번들을 수집하세요 .
작가 제공
켈리 코넬: 카리스를 위한 사진 (2024)
Pictures for Charis 에서 Kelli Connell은 퀴어 여성 예술가의 현대적 시각을 통해 Charis Wilson의 삶과 Edward Weston과의 협력에서 영감을 얻었습니다.
1930년대와 40년대에 걸쳐 Wilson은 Weston의 파트너이자 모델이자 공동 작업자였으며 사진 작가와 함께 그의 가장 상징적인 이미지를 작업했습니다.
Connell은 자신의 파트너인 Betsy Odom과 함께 80여년 전 Weston
부부가 함께 사진을 찍은 미국 서부 지역을 여행하면서 Wilson과 Weston이 공유한 유산에 초점을 맞췄습니다.
윌슨의 유령을 쫓는 과정에서 코넬은 변화했지만 자연, 예술가, 욕망, 영감에 대한 동일한 신화에 여전히 빠져 있는 문화적 풍경을 탐색하면서 공동 작업 듀오와 새로운 친밀감을 찾는 자신의 이야기를 들려줍니다.
Connell의 사진과 글을 Weston의 고전적인 인물 연구 및 풍경과 함께 결합한 Pictures for Charis는 21세기 사진, 성별 및 초상화에 대한 중요한 질문을 제기합니다.
Pictures for Charis 에서 Kelli Connell의 한정판 인쇄물인 Doorway II , 2015를 수집하세요 .
아티스트 제공
라토야 루비 프레이저: 가족의 개념 (2014)
수상 경력에 빛나는 LaToya Ruby Frazier의 첫 번째 사진집인 The Notion of Family 는 그녀의 고향인 펜실베이니아주 브래독에서 구현된 것처럼 미국 작은 마을의 인종차별과 경제적 쇠퇴의 유산에 대한 예리한 탐구를 제공합니다.
지역 사회와 자신의 가족 전반에 걸쳐 이러한 영향을 조사하면서 Frazier는 지역의 역사와 이야기에 개입합니다.
할머니 Ruby, 그녀의 어머니, 그리고 자신의 3대에 걸쳐
이야기를 전개하는 Frazier의 발언은 개인적이면서 정치적이기도 합니다.
가족의 개념 에서 프레이저는 가족, 특히 어머니의 참여를 유도하면서 고전적인 흑백 다큐멘터리 사진의 전통을 인정하고 확장합니다.
이러한 공동 작업을
통해 Frazier는 예술과 이미지 제작이 변형적이라는 아이디어를 강화하고 가족과 커뮤니티 전체의 전통적인 권력 역학과 내러티브를 재설정하는 수단으로 삼았습니다.
예술가 제공
낸 골딘: 성적 의존의 발라드 (2021년판)
낸 골딘(Nan Goldin)의 상징적인 비주얼 일기 The Ballad of Sexual dependencyency는 1970년대와 80년대에 친구, 가족, 연인 사이의 친밀감과 이해를 위한 투쟁을 기록합니다.
골딘의 솔직하고 본능적인 사진은 삶으로 들끓는 세상을 포착했으며, 검열에 도전하고, 성별 고정관념을 무너뜨리고, 에이즈 위기에 대한 중요한 가시성과 인식을 가져왔습니다.
1986년 Aperture에서 처음 출판된 The Ballad는 사진과 기타 미적 영역에 계속해서 큰 영향을 미치고 있으며, 현대 고전으로서의 위상이 확고히 자리 잡았습니다.
Goldin은 Aperture의 2021년판 업데이트된 후기 에서 다음과 같이 회상했습니다 . “저는 향수가 결코 내 과거를 물들일 수 없도록 이 책에 사진을 찍었습니다.
누구도 고칠 수 없는 내 인생의 기록을 만들고 싶었어요.”
작가 제공
파오 후아 허: 할아버지가 호랑이로 변했고…그리고 다른 환상들 (2024)
Pao Houa Her의 데뷔 논문은 집과 소속감의 기본 개념에 대한
깊이 있는 개인적인 탐구를 보여줍니다.
2023-24 Next Step Award를 수상한 그녀는 몽족 디아스포라 공동체의 전통과 현대적 은유를 바탕으로 설득력 있고 개인적인 이야기를 만들어냅니다.
그녀의 이미지 전반에 걸쳐 아티스트는 출처를 알 수 없는 가족 설화, 아티스트와 그녀의 커뮤니티의 초상화, 라오스를 대표하는 미네소타와 북부 캘리포니아의 재구상된 풍경 등 무수한 출처에서 그림을 그립니다.
호랑이로 변한 할아버지는 “진실이기를 원한다면 사진은 진실”이라고 진품과 모방의 경계에 대한 예리한 시각을 반영한 작가의 주요 시리즈 4편을 한자리에 모았습니다.
작가 제공
Rinko Kawauchi: Illuminance (2021 Edition)
예리하게 관찰된 몸짓과 디테일을 통해 카와우치 린코는 일상
세계의 가장자리에 있는 신비롭고 아름다운 영역을 드러냅니다.
가와우치에게 사진을 찍는다는 행위는 일상의 현실을 지칭하는 방식이라기보다는 사물 사이의 경계가 흐려질 때 존재하는 빛나는 개방성을 불러일으키는 것입니다.
Kawauchi는 “나는 사진에 상상력을 원합니다.
사진은 프롤로그와 같습니다.
당신은 '무슨 일이 일어나고 있는 거지?'라고 궁금해합니다.
뭔가 일어날 것 같은 느낌이 들잖아요.”
처음 출판된 지 10년이 지난 2021년, Aperture는 Kawauchi의
사랑받는 사진집의 새 버전을 출판했습니다.
이 사진집은 Kawauchi의 영향력에 대한 새로운 맥락과 관점을 제공하는 David Chandler, Masatake Shinohara 및 Lesley A. Martin 의 새로운
텍스트와 함께 아티스트의 원래 시퀀스를 유지했습니다.
일하다.
저스틴 컬랜드: 소녀 사진 (2020)
북미 국경은 로맨스, 반항, 탈출, 자유의 지속적인 상징입니다.
동시에 그것은 카우보이, 무법자, 비트 시인 등 남성적인 신화이기도 합니다.
미국의 풍경과 주변 지역사회에 대한 목가적인 이미지로 유명한 사진작가 Justine Kurland는 지금은 상징적인 시리즈인 Girl Pictures 를 통해 이 공간을 되찾고자 했습니다 . 1997년에서 2002년 사이에 제작된 Kurland의 사진은 10대 소녀들이 가상의
도망자로 등장하는 장면을 무대에 올려 공동체와 페미니즘에 대한 급진적인 비전을 제시합니다.
Kurland는 이 소녀들을 두려움이 없고 자유롭고 부드러우면서도
맹렬한 소녀로 묘사합니다.
그들은 사냥하고 탐험하며, 서로의 머리를 땋아주고, 햇볕이 잘 드는 물웅덩이에서 수영합니다.
Kurland는 무법천지이자 유토피아적인 세계, 야생의 에덴동산을 상상합니다.
“나는 소녀들 사이의 친교를 가시화하고 그들의 경험을 일차적이고 반박할 수 없는 것으로 강조하고 싶었습니다.
나는 소녀들 사이의 연대가 더 많은 소녀들을 낳을 수 있는 세상을 상상했습니다.
”라고 Kurland는
썼습니다 . “카메라 뒤에 있으면서 나도 그 앞에 있는 것 같았어요. 그 중 한 명, 다른 소녀들에 의해 강해진 소녀였죠.”
Justine Kurland: Girl Pictures 의 특별 사인 도서 및 인쇄 번들을 수집하세요 .
아티스트 제공
디아나 로슨: 조리개 논문 (2018)
Deana Lawson은 친밀한 초상화와 의식 및 의식에 대한 인상적인
설명을 통해 정체성을 설명하는 환상적인 언어를 만들었습니다.
Lawson은 중형 및 대형 카메라를 사용하여 미국, 카리브해 및 아프리카 전역의 모델과 협력하여 시선을 사로잡는 고도로 구조화되고 의도적으로 연극적인 장면을 구축합니다.
Lawson 작품의 시그니처는 집안 인테리어의 침구와 가구부터 극적인 배경이 되는 무성한 식물과 에덴 정원에 이르기까지 절묘한 색상 범위와 세부 사항에 대한 관심입니다.
Aperture는 2018년에 아티스트의 첫 번째 책인 Deana Lawson: An Aperture Monograph를 출판했습니다.
2020년에 Lawson은 Hugo Boss Prize를 수상한 최초의 사진 작가가 되었습니다 . 그녀 세대의 가장 주목받는 사진작가 중 한 명인 Lawson은 개인적이고 강력한 인물을 묘사합니다.
"로슨 초상화 밖에서 당신은 세 가지 일을 하면서 머리를 물 위로 유지하고 어려움을 겪을 수도 있습니다"라고 Zadie Smith는 책에 대한 에세이에서 썼습니다.
“그러나 그녀의 틀 안에서 당신은 아름답고, 오만하고, 깨지지 않고, 타락하지 않은 존재입니다.
”
특별한 슬립케이스와 맞춤형 팁이 달린 C 프린트가 포함된 한정판 Deana Lawson: An Aperture Monograph를 수집 하세요 .
작가 제공
안미 레: 경쟁이 치열한 지형에서 (2020)
30년의 경력 동안 An-My Lê는 사진을 사용하여 자신의
개인 역사와 미국 군사력의 구조 및 유산을 조사해 왔습니다.
Lê는 1960년 사이공에서 태어나 1975년에 가족과 함께 미국으로 대피했습니다.
분쟁이 오랫동안 미국의 역사와 정체성에 어떤 영향을 미쳤는지 탐구하기 위해 풍경 사진의 관습을 적용한 예술가 계보의 일부인 Lê의 작업은 그녀에게 전쟁 훈련이나 재현을 위해 예약된 공간인 이전 전장과 현역 군인의 비전투 역할을 촬영합니다.
On Contested Terrain 은 Lê의 경력에 대한 최초의 포괄적인 조사로, 그녀의 잘 알려진 시리즈인 Small Wars , 29 Palms 및 Events Ashore를 포함하며 미국-멕시코 국경에서 찍은 작가의 최신 사진을 함께 제공합니다.
“Lê의 사진은 관객에게 사색의 기회를 제공하는 균형 잡히고 조용하며 미묘한 예술 작품입니다.
”라고 Dan Leers는 썼습니다.
“그녀는 전쟁에 대한 우리 자신의
인식과 개입이 단순하거나 명확하지 않은 것으로 우리에게 조사하도록 초대합니다.
”
작가 제공
크리스틴 포터: 다크 워터스 (2023)
Kristine Potter의 어둡고 우울한 사진은 19세기와 20세기의
"살인 발라드"에 대한 대중적인 상상에서 불러일으킨 미국 남부의 남부 고딕 풍경을 반영합니다.
미국의 살인 발라드(컬트적인 관심을 불러일으키고 오늘날에도 계속 재녹음되고 있음)에서 강 풍경은 종종 범죄 현장으로 두 배가 됩니다.
Murder Creek, Bloody Fork, Deadman's Pond와 같은 장소에는 Potter가 불러내는 세계의 승자와 폭력이 모두 출몰합니다.
아티스트의 매혹적이고 풍부하게 상세한 흑백 이미지는 이 노래의
배경과 성격을 전달하여 풍경을 포착하고 이 이야기의 중심에 있는 이름이 알려지지 않은 여성들의 모습을 연상시키는 초상화를 만들어냅니다.
그 결과물인 Dark Waters는 오늘날의 문화계에 만연해 있는 여성에 대한 폭력에 대한 대중적 미화를 반영합니다.
Potter는 다음과 같이 말합니다.
“초기 살인 발라드부터 Wild
West 쇼, 영화와 TV의 현대 풍경에 이르기까지 폭력적인 노출증의 흐름을 봅니다.
문화적으로 우리는 그것을 요구하는 것 같습니다.
”
Dark Waters 에서 크리스틴 포터의 한정판 프린트 Pearl, 2019를 수집하세요 .
웬디 레드 스타: 위임 (2022)
그녀의 역동적인 사진에서 Wendy Red Star는 재치와 솔직함,
페미니스트와 원주민의 관점으로 역사적 이야기를 재구성합니다.
Red Star(Apsáalooke/Crow)는 상상력이 풍부한 자화상, 생생한 콜라주, 아카이브 개입, 장소별 설치를 통해 아메리카 원주민의 삶과 물질 문화를 중심으로 다루고 있습니다.
19세기 까마귀 지도자, 1980년대 펄프픽션, 박물관 소장품, 가족 사진 등을 언급하면서 그녀는 원주민 표현을 형성하는 데 있어 사진가의 역할에 대해 끊임없이 질문합니다.
아티스트의 첫 번째 주요 논문인 Delegation은 아메리카 원주민 문화의 요소를 수집하여 오늘날의 세계와 미래에 대한 비전을 불러일으키는 Red Star의 영향력 있는 활동의 복잡성에 대한 생생한 증거입니다.
흑인의 삶과 예술적 비전을 강조하는 13개의 사진집
Awol Erizku와 Deana Lawson의 논문부터 패션, 커뮤니티, 권력에 대한 컬렉션까지, 이번 흑인 역사의 달을 읽는 데 꼭 필요한 제목이 여기에 있습니다.
아월 에리즈쿠, 대나무 귀걸이를 한 소녀 , 2009
2024년 2월 2일
아티스트 및 JM.PATRAS/PARIS 제공
As We Rise: 검은 대서양의 사진 (2021)
1997년에
Kenneth Montague 박사는 아프리카계 예술가들의 작품을 수집하고 전시하기 위한 노력의 일환으로 토론토에 Wedge Collection을 설립했습니다.
As We Rise는 컬렉션의 100개 이상의 작품을 선보이며 캐나다, 카리브해 지역, 영국, 미국, 남미 및 아프리카의 예술가들을 한자리에 모아 대서양 양쪽에서 흑인 정체성을 적시에 탐구합니다.
Jamel Shabazz의
결정적인 거리 초상화부터 Lebohang Kganye의 남아프리카 공화국의 자신, 어머니, 가족 역사를 모호하게 표현한 As We Rise는 공동체, 정체성, 권력이라는 렌즈를 통해 흑인 생활에 대한 다면적인 아이디어를 살펴봅니다.
Teju Cole은 서문에서 다음과 같이 설명합니다.
“대규모 문화에서 우리는 절망, 고통 또는 잔혹한
고립의 태도를 취하는 흑인의 이미지를 너무 자주 봅니다.
As We Rise는 이를 부드럽게 거부합니다.
사람들이 항상 축하하는 태도를 취하는 것이 아니라(아니, 그것은 반대이지만 이에 상응하는 거짓이 될 것임) 오히려 그들이 인간으로서 존재하고, 신뢰할 수 있고, 자신의 세계에 완전히 참여하고 있다는 것입니다.
”
특별 비닐 LP인 As We Rise: Sounds from the Black Atlantic을 수집하세요. 이 LP 에는 디아스포라 전반에 걸쳐 만들어진 클래식 및 현대 흑인 음악 기념 컬렉션이 포함되어 있습니다.
아티스트 제공
다우드 베이: 비가 (2023)
작가의 최신작 인 Elegy 에서 Dawoud Bey는 풍경에 초점을 맞춰 미국 내 초기 아프리카계 미국인의 모습을 그려냈습니다.
할렘 거리 장면과 표현력이 풍부한 초상화로 유명한 Bey는 아프리카계 미국인의 역사를 탐구하는 지속적인 작업을 계속하고 있습니다.
Aperture와 버지니아 미술관이 공동 출판한 Elegy는 Bey의 풍경 시리즈 중 세 가지인 Night Coming Tenderly, Black (2017); 여기 이곳에서 (2021); 및 Stony the Road (2023) — 미국 지리에 여전히 묻혀 있는 깊은 역사적 기억을 조명합니다.
Bey는 아프리카인들이
경매 구역으로 행진했던 버지니아의 역사적인 리치몬드 노예 트레일(Richmond Slave Trail)로 시청자를 안내합니다.
그들이 일했던 루이지애나의 농장으로; 그리고 도망자들이 자기 해방을 추구했던 오하이오주 지하철의 마지막 단계를 따라. Bey는 이러한 작품을 세 가지 동작으로 하나의 비가로 엮어 역사를 불러일으킬 뿐만 아니라 시청자가 생생한 경험을 보고 상상하는 것을 넘어서도록 도전하는 역사적 기반의 이미지를 통해 역사를 다시 이야기합니다.
Bey는 New York Times에 이렇게 말했습니다 . “이것은 조상의 작품입니다.
"예술적 맥락, 프로젝트 맥락에서 벗어나 현대 대화에 우리 조상을 계속 현존시키는 작업입니다.
"
예술가 및 로스앤젤레스 필립 마틴 갤러리 제공
콰메 브래스웨이트: 검은 것이 아름답다 (2019)
1950년대와
60년대 Kwame Brathwaite의 사진은 우리가 흑인성을 정의하는 방식을 변화시켰습니다.
Brathwaite는 자신의 사진을 사용하여 "Black Is Beautiful"이라는 슬로건을 대중화했으며 유색인종 여성을 배제했던 당시 주류 미용 기준에 도전했습니다.
2023년에 세상을 떠난 Brathwaite는 브루클린에서 태어났으며 2세대 할렘 르네상스의
일부였습니다.
Brathwaite와 그의 형제 Elombe Brath는 AJASS(African Jazz-Art Society & Studios)와 Grandassa Models를 설립했습니다.
AJASS는 예술가, 극작가, 디자이너, 무용가들의 집단이었습니다.
Grandassa Models는 흑인 여성을 위한 모델 에이전시였습니다.
Brathwaite는 이 두 조직과 협력하여 모델이 직접 디자인한 의상을 선보이는 패션쇼를 조직하고 재즈 유명인의 멋진 초상화를 만들었으며 Max Roach, Abbey Lincoln 및 Miles Davis를 포함한 흑인 예술 커뮤니티의 비하인드 스토리 사진을 포착했습니다.
Black Is Beautiful 은 흑인 문화와 자유에 대한 Brathwaite의 마음을 사로잡는 메시지를 보여주는 그의 작품의 최초의 논문입니다.
Tanisha C. Ford는 이렇게 썼습니다 . “'흑인을 생각한다'는 것은 정치적으로 의식하고 흑인 공동체가 직면한 문제에 관심을 가질 뿐만 아니라 복장과 자기 표현을 통해 자신에 대한 인식을 반영하는 것을 의미합니다.
. . . [그들은] 그들 세대의 깨어 있는 사람들이었습니다.
”
어니스트 콜 가족 신탁 제공
어니스트 콜: 트루 아메리카 (2024)
1967년 아파르트헤이트의
공포를 다룬 획기적인 책 House of Bondage ( 2022년 Aperture에서 재발행 ) 를 출판하기 위해 남아프리카를 탈출한 후 Ernest Cole은 "금지된 사람"이 되어 뉴욕에 정착했습니다.
Ford Foundation의 지원을 받아 Cole은 할렘과 맨해튼 주변의 일상 생활을 기록하면서 도시의 거리를 광범위하게 사진을 찍었습니다.
1968년에 그는 시카고, 클리블랜드, 멤피스, 애틀랜타, 로스앤젤레스, 워싱턴
DC를 포함한 도시와 남부 시골 지역을 여행하며 몇 달 동안의 활동주의와 감정적 성향을 포착했습니다.
마틴 루터 킹 주니어의 암살 이후 이 사진들은 Cole이 미국에서 경험한 새로운 자유와 그가 목격한 체계적인 인종차별에 점점 더 환멸을 느끼면서 불평등에 대한 사진가의 예리한 눈을 모두 반영합니다.
Cole은 살아있는
동안 이 작품의 이미지를 거의 공개하지 않았습니다.
완전히 사라진 것으로 생각되었던 Cole의 미국 사진의 네거티브는 2017년 스웨덴에서 다시 표면화되어 Ernest Cole Family Trust에 반환되었습니다.
True America는 이 사진들이 주요 간행물에 함께 포함된 최초의 기록입니다.
이전에 게시되지 않은 260개 이상의
이미지가 포함된 이 편집물은 Cole의 작업 범위를 재정의합니다.
작가 제공
아월 에리즈쿠: 신비한 시차 (2023)
Awol Erizku의
학제간 작업은 힙합 언어에서 네페르티티에 이르기까지 아프리카계 미국인과 아프리카의 시각 문화를 참조하고 재구성하는 동시에 영성과 초현실주의의 전통을 고수합니다.
Mystic Parallax 는 떠오르는 예술가의 경력을 추적하는 최초의 주요 논문입니다.
10년이 넘는 기간 동안의 이 책에는 Solange, Amanda Gorman, Michael
B. Jordan과 같은 흑인 문화 아이콘의 개념적 초상화를 포함하여 그의 스튜디오 작업과 수요가 많은 편집 사진가로서의 작업이 혼합되어 있습니다.
그의 작업
전반에 걸쳐 Erizku는 종종 표준 예술 작품의 현대 재구성에서 흑인 주제를 캐스팅함으로써 서양 예술에 지속적으로 질문하고 재상상합니다.
“나는 항상 내 작업을 별자리로 생각하며, 새로운 작품은 우주 속의 또 다른 별일 뿐이라고 생각합니다.
” 책에 포함된 큐레이터 Antwaun Sargent와의 광범위한 대화에서 그는 단언합니다.
“이것은 흑인 상상력의 연속체라는 아이디어로 돌아갑니다.
내 차례가 오면 이미지 메이커이자 시각적 전문가로서 개념을 재정의하고 새로운 톤, 새로운 모습, 새로운 시각적 형태를 부여하는 것은 나에게
달려 있습니다.
”
작가 제공
디아나 로슨: 조리개 논문 (2018)
Deana Lawson은
친밀한 초상화와 의식 및 의식에 대한 인상적인 설명을 통해 정체성을 설명하는 환상적인 언어를 만들었습니다.
Lawson은 중형 및 대형 카메라를 사용하여 미국, 카리브해 및 아프리카 전역의 모델과 협력하여 시선을 사로잡는 고도로 구조화되고 의도적으로 연극적인 장면을 구축합니다.
Lawson 작품의 시그니처는 집안 인테리어의 침구와 가구부터 극적인 배경이 되는 무성한 식물과 에덴 정원에 이르기까지 절묘한 색상 범위와 세부 사항에 대한 관심입니다.
Aperture는
2018년에 아티스트의 첫 번째 책인 Deana Lawson: An Aperture Monograph를 출판했습니다.
2020년에 Lawson은 Hugo Boss Prize를 수상한 최초의 사진 작가가 되었습니다 . 그녀 세대의 가장 주목받는 사진작가 중 한 명인 Lawson은 개인적이고 강력한 인물을 묘사합니다.
"로슨 초상화 밖에서 당신은 세 가지 일을 하면서 머리를 물 위로 유지하고 어려움을 겪을 수도 있습니다"라고 Zadie Smith는 책에 대한 에세이에서 썼습니다.
“그러나 그녀의 틀 안에서 당신은 아름답고, 오만하고, 깨지지 않고, 타락하지 않은 존재입니다.
”
특별한 슬립케이스와 맞춤형 팁이 달린 C 프린트가 포함된 한정판 Deana Lawson: An Aperture Monograph를수집
작가 제공
아티스트 제공
뉴 블랙 뱅가드: 예술과 패션 사이의 사진 (2019)
The New Black Vanguard 에서 큐레이터이자 평론가인 Antwaun Sargent는 오늘날 패션과 예술 분야에서 일어나고
있는 급진적인 변화에 대해 이야기합니다.
이 책은 표현의 가능성을 다시 생각 하는 15명의 현대 흑인 사진가들의 작품을 강조합니다 . 흑인 사진가들을 기념하는 디지털 플랫폼을 설립 한 Campbell Addy와 Jamal Nxedlana ; 그리고 Nadine Ijewere는 초기 시리즈 제목인 The Misrepresentation of Representation 이 모든 것을 말해줍니다.
미디어에서
흑체의 역할부터 예술, 패션, 문화 사이의 교차 수분, 그리고 역사적으로 흑인 사진가들에게 장애물이었던 제도적 장벽에 이르기까지 The New Black Vanguard는 비판적인 대화를 시작하는 동시에 훌륭하게 재구상된 작품을 제안합니다.
미래. “종종 이 문화에서 우리는 흑인 예술가들의 작품에 대해 생각할 때 '젊은 흑인 예
가들을 어떻게 기념할 것인가?'에 대해 거의 생각하지 않습니다.
그리고 저는 그것을 바꾸고 싶었습니다.
”라고 Sargent는 말합니다 . “저는 지금 이 젊은 예술가들에게 일어나고 있는 일이 중요하다고 말하고 싶었습니다.
이는 우리의 문화를 변화시켰고, 사진에 대한 우리의 생각을 변화시켰으며,
이미지를 촬영하는 사람도 바뀌었습니다.
”
예술가 및 Stevenson 갤러리(케이프타운/요하네스버그) 및 Yancey Richardson 갤러리(뉴욕) 제공
자넬레 무홀리: Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2018)
남아프리카의
예술가 Zanele Muholi는 우리 시대의 가장 강력한 시각 운동가 중 한 명입니다.
Muholi는 LGBTIA+ 커뮤니티를 기록한 2006년 시리즈 Faces and Phases 로 처음으로 인지도를 얻었으며 , 시각적 역사를 구축하고 흑인 퀴어 삭제를 해결하려는 시도로 야심차게 대담한 초상화를 만들었습니다.
거기에서 Muholi는 카메라를 안쪽으로
돌리기 시작하여 2018년 논문 Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness 에 모인 일련의 연상적인 자화상을 시작했습니다 .
무홀리의
자화상은 정체성, 인종, 저항에 대한 급진적인 표현입니다.
Muholi는 주변 환경에서 발견된 소품과 재료를 사용하여 동시대 및 역사적 인종차별에 직접적으로 반응하는 동시에 자기 발견을 위한 플랫폼을 제공하는 극명하게 대조되는 프레임을 제작합니다.
Muholi는 “저는 지역 사회의 개인들이 공간을 차지할 만큼 용감하고 비방을 당할 염려 없이 창작할 수 있을 만큼 용감하도록 격려하기 위해 이 사진 문서를 제작하고 있습니다.
” 라고 말합니다 . "사람들에게 우리 역사에 대해 가르치고, 역사가 무엇인지 다시 생각하고, 역사를 스스로 되찾고, 사람들이 카메라와 같은 예술적 도구를 무기로 사용하도록 장려하는 것입니다.
"
작가 및 런던 웨버 갤러리 제공
조라 J 머프: 트루 컬러(또는 위기 상황에서의 확언) (2022)
Zora J Murff의
사진은 자신과 자신의 공동체를 위한 공간을 만들기 위해 노력하는 젊은 흑인 예술가의 투쟁과 깨달음을 예리하고 자서전적으로 재구성합니다.
머프가 10년
전 사진을 추구하기 위해 사회 사업을 떠난 이후, 그의 작업은 광경, 상품화, 인종의 역사에서 매체가 연루된 연루 문제와 지속적으로 씨름해 왔으며 종종 자신의 사진을 발견하고 차용한 이미지와 의뢰받은 텍스트로 맥락화했습니다.
True Colors(또는 위기 속의 긍정)는 기억의 행위와 자기 정치를 조사하면서 이 대화를 계속합니다.
Murff는 이를 "흑인 애국심의 이중성과 나를 위해 만들어지지 않은 장소에서 소속감을 찾는 도전, 즉 창조의 이중성"이라고 설명합니다.
위기의 순간에 나 자신을 내 모습으로 재구성하는 법을 배우면서 긍정하는 것입니다.
”
아티스트 및 Aperture 제공
밍 스미스: 조리개 논문 (2020)
Ming Smith의
시적이고 실험적인 이미지는 20세기 아프리카계 미국인의 삶을 상징합니다.
Smith는 유치원 때부터 부모님의 브라우니 카메라로 반 친구들의 사진을 찍으면서 사진 실험을 시작했습니다.
그녀는 워싱턴 DC에 있는 하워드 대학교에 진학하여 계속 연습했고, 결국 1970년대에 뉴욕으로 이주했습니다.
Smith는 Wilhelmina와 같은 에이전시의 모델링으로 자신을 지원했으며 거의 동시에 Kamoinge Workshop에 합류했습니다 . 1979년 스미스는 뉴욕 현대 미술관에 작품을 소장한 최초의 흑인 여성 사진작가가 되었습니다.
Smith는
경력 전반에 걸쳐 할렘에서 평범한 하루를 보내는 어머니와 아이들의 사진부터 극작가 August Wilson에 대한 찬사 사진 , Sun Ra의 장엄한 공연 스타일에 이르기까지 다양한 형태의 흑인 공동체와 창의성을 촬영해 왔습니다.
그녀의 트레이드마크인 서정성, 뚜렷하게 흐릿한 실루엣, 역동적인 거리
장면으로 인해 Smith는 오늘날 활동하는 최고의 예술가이자 사진작가 중 한 명으로 자리매김했습니다.
Yxta Maya Murray가 New Yorker 에 다음과 같이 썼습니다 . “Smith는 풍부한 아이디어와 아무것도 없는 오늘날과 같은 시대에 흑인 여성의 삶을 보존한 덕분에 표준에
속하는 놀라운 사진 체계에 자신의 열정과 지성을 가져왔습니다.
당연하게 여겨질 수도 있다.
"
작가 제공
행크 윌리스 토마스: 모든 것은 평등하다 (2018)
행크 윌리스
토마스(Hank Willis Thomas)의 다작 및 학제간 경력 전반에 걸쳐 그의 작업은 표현, 인식 및 미국 역사의 문제를 탐구해 왔습니다.
그의 작업의 핵심은 특히 인종, 성별, 문화적 정체성에 관심을 갖고 미국 문화를 구성하는 이미지의 흐름을 분석하고 비판적으로 분석하는 능력입니다.
그의 첫
번째 출판물인 Pitch Blackness (Aperture, 2008) 이후 Thomas는 현대 미술에서 중요한 목소리로 자리매김했습니다.
그의 공동 프로젝트로는 흑인 남성 간의 대화를 촉진하기 위해 비디오를 사용하는 트랜스미디어 프로젝트인 Question
Bridge 와 아티스트 집단인 For Freedoms가 있습니다.
2018년에 Aperture와 포틀랜드 미술관은 아티스트의 폭넓은 경력에 대한 최초의 심층 개요인 All Things Being Equal을 공동
출판했습니다.
그의 작품 중 250개 이상의 이미지가 포함된 이 책은 광고 및 브랜딩, 민권 및 아파르트헤이트 시대 사진, 조각에서부터 공공 예술 프로젝트 등에 이르기까지 토마스의 다양한 시각적 접근 방식과 매체를 강조합니다.
아티스트 제공: Lehmann Maupin(뉴욕 및 홍콩) 및 아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕
Mickalene Thomas의 뮤즈 (2015)
미칼린 토마스(Mickalene
Thomas)의 대규모, 다양한 질감의 가정집 인테리어와 인물 사진은 남성의 시선을 전복시키고 아름다움에 대한 새로운 정의를 제시합니다.
토마스는 코네티컷주 뉴헤이븐에 있는 예일 대학교 학생 시절 처음으로 자신과 어머니의 사진을 찍기 시작했습니다.
이것은 예술가로서 그녀의 창의적인 표현에 중추적인 경험이 되었습니다.
그 이후로
그녀의 작업 전반에 걸쳐 토마스의 이미지는 개인적 해체와 재전유의 행위로 기능해 왔습니다.
그녀의 사진 중 다수는 1970년대 여성의 "Black Is Beautiful" 이미지부터 Édouard Manet의 오달리스크한 인물, James Van Der Zee와 Malick Sidibé의 미장센 스튜디오 초상화에 이르기까지 다양한 문화적 아이콘을 그립니다.
그러나 아마도 가장 중요한 것은 토마스의 초상화와 무대 장면 컬렉션이 매우 개인적인 영감의 공동체, 즉 자신, 어머니, 친구 및 연인을 포함하는 뮤즈 컬렉션을 반영하여 예술 제작의 공동체적,
사회적 측면을 강조한다는 점입니다.
그리고 그녀의 작품에 스며드는 창의성.
Aperture 223: “비전과 정의 ”(2016년 여름)
미술사학자이자
큐레이터이자 작가인 Sarah Elizabeth Lewis는 Aperture 의 2016년 여름호 “Vision & Justice”를 게스트로 편집했습니다.
이 잡지의 기념비적인 판은 시민권, 인종 및 사회 구성에서 사진의 역할에 대한 전국적인 대화를 촉발시켰습니다.
정당성. 이번 호에는 Awol Erizku, LaToya Ruby Frazier, Lyle Ashton Harris,
Deana Lawson, Jamel Shabazz, Hank Willis Thomas, Carrie Mae Weems 및 Deborah Willis와 같은 아티스트의 다양한 사진 프로젝트가 포함되어 있습니다.
Vince Aletti, Teju Cole 및 Claudia Rankine을 포함하여 미국 문화에서 가장 영향력 있는 목소리의 에세이와 함께. “인종의 관계를 이해하고 이 나라에서 완전한 시민권을 추구하려면 특히 혼란스러운 시기에 고도의 시각적 능력이 필요합니다.
”라고 Lewis는 썼습니다 . “변화에 영향을 미치고 역사를 바꾸며 지속적인 관심을 끌 수 있는 방식으로 스포트라이트를 비추기 위해 어떤 이미지를 보아야 하는지 아는 사람은 예술가입니다.
” 2019년에 Aperture는 Lewis와 협력하여 시민 공간과 기념관부터 인종, 기술, 정의의 교차점에 이르기까지 다양한 주제에 대한 31개의 텍스트를 포함하는 무료 시민 커리큘럼을 만들었습니다 . 국가를 위한 새로운 비전을 창조하는 그림의 변화시키는 힘에 관한 Frederick Douglass의 획기적인 남북 전쟁 연설 "그림과 진보"(1861)에서 개념적 영감을 얻은 이 커리큘럼은 인종을 위한 시각적 활용 능력의 역사적 뿌리와 현대 현실을 모두 다룹니다.
그리고 미국 시민 생활의 정의.
나빌 하브, 알레그라 , 2020
포트폴리오
Nabil Harb는 플로리다 중부에서 미스터리와 커뮤니티를 추구합니다.
사진가의 퀴어와 무슬림 정체성은 그에게 뚜렷한 관점을 제공합니다.
하지만 그는 “나도 이 곳의 일부입니다”라고 말합니다.
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조리개 253
마이클 아드노 2024년 1월 12일
플로리다주 포크 카운티의 Nabil Harb는 황혼 무렵 빛이 녹색으로 변하는 밤, 봄에는 그림자가 파랗게 보이는 밤, 기온이 100도에 도달하면 매미가 윙윙거리기 시작하는 시간을 중심으로 달력을 정리합니다.
여기서 산다는 것은 7월의 이불처럼 감싸는 습기의 느낌을 아는 것입니다.
어떤 참나무 해먹에서 5월에 피는 나비 난초를 발견할 수 있는지 알아보세요. 그리고 8월에 번개가 치고 천둥이 칠 때까지의 시간을 초 단위로 계산합니다.
5개 이상이면 괜찮을 겁니다.
그러다가 9월이 되면 포크 카운티의 개울과 강, 그리고 흘러내리는 단물 가지가 솟아오르게 됩니다.
카운티 북쪽 가장자리에 있는 녹색 습지(Green Swamp)는 오후 폭풍의 잔재물을 모아서 그 물이 멕시코 만으로 향하는 피스 강(Peace River)으로 남쪽으로 이동합니다.
Harb의 경우 554개의 호수와 함께 Polk 카운티를 흐르는 수맥은 그가 평생 동안 추적해온 지도를 형성합니다.
그는 가상의 Yoknapatawpha 카운티의 William Faulkner, Hale 카운티 의 William Christenberry 또는 옆집 Orange 카운티의 Zora Neale Hurston 처럼 카메라를 사용하여 자신만의 지도를 그리기 시작했습니다
.
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Harb는 세 번이나 고향을 떠나 보스턴, 뉴욕, 뉴헤이븐에 거주했습니다.
그리고 많은 남부 사람들과 마찬가지로 그는 탬파 베이의 도시적 확장과 올랜도 바로 남쪽의 에버글레이즈 상류 가장자리 사이에 지분을 놓고 세 번이나 집으로 돌아왔습니다.
"나는 내 걱정거리에서 그렇게 멀리 떨어져 있는 것을 좋아하지 않기 때문에 다시 돌아왔습니다.
"라고 그는 말했습니다.
종종 사람들은 그에게 “당신은 게이예요. 뉴욕으로 이사해야 해요.” 마치 집에 혼자 있을 수 없는 것처럼요. “나는 그게 싫다”고 그는 말한다.
이곳에서는 모든 것이 늘 그렇듯이 녹색으로 자라고 있습니다.
살아있는 참나무는 고대의 것으로 조약, 린칭, 농산물 판매 장소였습니다.
강의 굴곡은 원주민 역사, 고고학, 식민주의를 불러옵니다.
Harb는 사진을 찍으면서 얼마나 젖었는지, 모기의 안개, 땅에서 피어오르는 안개를 느끼기를 바랍니다.
그는 사람들이 한때 농촌의 모습과 현재의 모습을 더 잘 이해하고, Bartow에는 좋은 것과 나쁜 것이 있고, Eloise에는 과묵하고 퀴어가 있고, Frostproof에는 이것저것이 있다는 것을 알기를 원합니다.
그는 “고정관념이나
쉬운 비유가 아닌, 이곳을 실제로 볼 수 있기를” 바란다.
국회의원들의 정치적 야망에 의해 생성된 헤드라인 아래, 플로리다에서 가장 취약하고 가장 중요한 소수자를 대상으로 하는 정책을 넘어, Harb는 복잡하면서도 희망적인 사람들로 가득 찬 이곳, 이곳의 깊은 신비의 우물에 고개를 끄덕였습니다.
나빌 하브, 알레그라 , 2019
나빌 하브, 펄스 외부(레이크랜드) , 2019
나사렛을 떠난 팔레스타인인 그의 부모는 플로리다 주 레이크랜드에서 함께 살았지만, 그곳에서 자란 하브에게는 이제 길과 강이 그의 뼈 속에 얽혀 있는 것처럼 보입니다.
플로리다 중부에서 갈색 인종, 이슬람교도, 퀴어로 자란 그는 착한 늙은이들과 달랐지만, 그는 부드럽게 "나 역시 이 곳의 일부입니다"라고 말합니다.
2016년 올랜도의 펄스 나이트클럽 에서 49명이 살해된 지 1년 후 , Harb는 레이크랜드에 있는 지역 게이 바의 사진을 찍기 시작했습니다.
그곳에서 그가 만든 작업은 질문의 산물, 즉 질문하는 방식이었다.
그러나 그가 설명하듯이, 당신은 한 가지 질문을 가지고 도착하고 또 다른 질문에 사로잡혀 떠나게 됩니다.
6년 전에 본격적으로 시작된 이 사진들은 고의적이지는 않지만 오늘날 플로리다와 미국 전역에서 일어나고 있는 일들과 불가분의 관계를 맺고 있습니다.
그리고 그가 Polk 카운티 전역에서 찍은 사진에서처럼(예를 들어 Green Swamp의 황혼 무렵의 벌레, 진흙으로 칠해진 트럭 운전석에 있는 그의 친구 Clay) 그는 바 내부의 더 조용한 세부 사항에 초점을 맞춰 몸짓을 포착했습니다.
, 인생이 살고 축하받는 느낌. 그의 삶. 여기에는 공연의 중심을 형성한 여왕들이 있었지만, 여기에는 또한 바 뒤에 앉아 있던 사람들, 그의 친구들, 이 건물과 미국의 이 지역에 그 성격을 빌려준 사람들도 있었습니다.
그가 나에게 말했듯이, “사람들을 봐야 합니다.
”
나빌 하브, 다니 , 2018
나빌 하브, J & J , 2019
나빌 하브, Vape , 2021
나빌 하브, 노스사이드 , 2020
나빌 하브(Nabil Harb), 파이썬(Python) ,
2022
모든 사진 제공: 작가
나빌 하브, 카터 로드 , 2
보여지는 것의 역동성을 고려하는 여성 사진작가들
여성들이 점점 자신의 신체에 대한 통제력을 잃어가고 있는 지금, 자기표현은 저항의 한 형태가 될 수 있을까?
소피 툰(Sophie Thun), 야생의 밤(desnuda)(Y82,3M18,3D- 70F8T12m10,- 153CA3B450) , 2018
© 아티스트 및 제공 Sophie Tappeiner, 비엔나
에 추천
조리개 253
아만다 매독스 2024년 1월 3일
1987년쯤, 일곱 살이 되던 해에 나는 우연히 찾다가 들켰습니다.
나는 방과 후에 소파에 웅크려 볼륨을 낮추고 MTV를 시청했습니다.
그 당시 우리 집에서는 채널이 거의 금지되어 있었습니다.
어느 시점에서 마돈나의 " Open Your Heart " 비디오가 등장했는데, 마돈나
자신이 자신이 공연하는 핍쇼 극장에서 궁극적으로 탈출하는 이국적인 댄서로 등장했습니다.
스포일러 주의! 나는 즉시 매료되었습니다.
나는 부끄러워하면서도 눈을 피할 수 없어 볼륨을 더욱 낮췄다.
그리고 마돈나가 금색 젖꼭지 캡과 술이 달린 검은색 새틴 뷔스티에를 입고 스크린을 가로질러 깡충깡충 뛰고 있을 때, 어머니가 거실로 걸어 들어왔습니다.
"지금 뭘보고있어?" 그녀는 내가 우리 앞에서 펼쳐지는 성적인 연기에 매료된 것을 보고 다소 당황하면서 물었다.
내가 채널을 바꾸기도 전에 그녀는 TV를 끄고
부엌으로 갔다.
수십 년이 지난 후에도 나는 돌이켜보면 다소 길들여진 것처럼 보이는 이 뮤직 비디오를 여전히 좋아합니다.
레이건 행정부의 반포르노 캠페인 와중에 공개된 이 영상은 몇몇 채널에서 금지되었으며 페미니스트 논쟁의 피뢰침이 되었습니다.
일부 비평가들은 남성의 시선을 받는 성적인 여성에 대한 마돈나의 묘사를 역행으로 여겼습니다.
다른 사람들은 이 비디오가 시선의 계층 구조를 불안정하게 만드는 데 도움이 되었다고 믿었으며, 마돈나는 보기 흉하고 천박한 남성 후원자들의 음탕한 시선을 되돌리는 것을 두려워하지 않았습니다.
아마도 우리 집의 분열된 의견은 비평가들 사이의 분열을 반영했을 것입니다.
지금 돌이켜보면 어머니의 반응이 궁금하다.
내가 너무 어려서 에로틱한 내용이나 하위 텍스트가 포함된 내용을 볼 수 없다고 생각한 걸까요? 어린이가 여성을 성적 대상으로, 심지어는 욕망의 대상으로 생각하도록 허용해서는 안 됩니까? 그리고 나는 왜 부끄러움을 느꼈을까요? 마돈나가 나타나서 그와 함께 일몰 속으로 건너갈 때까지 극장 밖에 서성이며 핀업 포스터에 있는 누드 여성과 일방적으로 까꿍 놀이를 하는 비디오 속 순진한 "성애자" 소년과
나와 사이에 어떤 필연적인 관계가 있었습니까?
이러한 질문은 궁극적으로 더 큰 질문을 불러일으킵니다.
누가 볼 수 있는 허가를 받는가?
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나는 2016년 뉴욕에서 활동하는 예술가 Talia Chetrit의 작품을 처음 접했을 때 이와 같은 질문을 던지게 되었습니다 . AIMIA | 토론토 온타리오 미술관(AGO)에서 열린 AGO 사진상 전시회 의 오프닝 벽에는 도발적인 두 폭의 그림이 전시되어 있었습니다.
왼쪽에는 맨다리 사이에 삼각대에 올려져 있는 Chetrit의 카메라 이미지가 암시적으로
그녀의 가랑이를 향해 기울어져 있습니다.
노출된 것으로 추정되지만 프레임에는 포함되지 않음) 오른쪽에는 "보이지 않는" 청바지(사실상 절제된 데님 바지 다리 솔기가 부착된 허리밴드)를 제외하고는 허리 아래부터 벗은 하반신의 이미지가 있습니다.
나는 다른 방문객들이 그녀의 사진에 어떻게 반응하는지 보기 위해 방을 지켜보았고, 마치 성인 영화만 모아 놓은 비디오 가게에 우연히 들어간 것 같은 느낌을 받았습니다.
당황한 사람은 아무도 없었습니다.
나중에 그녀의 2019년 저서 Showcaller 에서 접한 Chetrit의 또 다른 사진인 Plastic 누드 (2016) 는 당면한 질문을 더욱 복잡하게 만듭니다.
이 이미지에서 Chetrit는 거울을 사용하여 머리부터 발끝까지 자신의 사진을 찍었습니다.
거울에 비친 그녀는 투명한 작업복을 입고 있는
것으로 나타났습니다.
Chetrit의 시스루 의류는 상상에 거의 아무것도 남기지 않지만 기본적으로 정확히 흥분하지는 않습니다.
아마도 이 이미지는 롤랑 바르트(Roland Barthes)가 묘사한 것처럼 "모순에 기초하고 있습니다.
여성은 발가벗겨지는 순간에 탈성애화됩니다.
"라고 묘사한 스트립쇼를 연상시키는 것일 수도 있습니다.
그럼 또 체트리트는 누드인가요? 플라스틱으로 싸인 몸통과 다리가 거의 보이도록 피아노에 기대어 있는 그녀의 모습을 보면 EJ Bellocq가 100년 전에 촬영한 살색 바디 스타킹을 입고 기만적으로
옷을 입은 매혹적인 여성이 생각납니다.
. 각각의 경우에 시청자는 과도한 노출이 환상인지 확인하기 위해 면밀히 관찰해야 합니다.
Tarrah Krajnak, Weston/Bertha Wardell 역의 자화상 , 1927/2020, 시리즈 Master Rituals II: Weston's 누드 , 2020
© 아티스트 및 제공 Galerie Thomas Zander, 쾰른
탈리아 체트릿(Talia Chetrit), 플라스틱 누드 ,
2016년
작가 제공; 카우프만 레페토(뉴욕); Hannah Hoffmann 갤러리, 로스앤젤레스; 및 Sies + Höke, 뒤셀도르프
Plastic 누드 에서 Chetrit의 몸은 유리 뒤에 전시된 예술 작품과 유사한 일종의 PVC
층에 싸여 있습니다.
그녀의 의상은 궁극적으로 다음과 같이 말합니다.
볼 수는 있지만 만질 수는 없습니다.
이 작품을 통해 Chetrit는 영화 이론가 Laura Mulvey가 1975년 그녀의 획기적인 에세이 " 시각적 즐거움과 내러티브 영화 " 에서 설명한 자주 인용되는 아이디어를 구현합니다 . 전통적인 노출증 역할에서 여성은 바라보는 동시에 전시되며, 외모는 강한 시각적, 에로틱한 영향으로 코드화되어 주목받는 존재임을 암시한다고 할 수 있습니다.
” 그럼에도
불구하고, 그녀는 카메라를 얼굴 앞에 들고 있는 동시에 자신이 바라보는 광경으로서 자신을 제시하는 동시에 예술가 이자 시터인 자신이 바라보는 행위에 참여하고 있음을 상기시킨다.
AGO를 방문한 이후 나는 작지만 날카로운 현대 사진작가들 사이에서 일종의 유행을 발견했습니다.
이들은 모두 41세 Chetrit에서 10년 이내에 태어난 여성들입니다.
"보이는 것"을 연습하십시오. 표면적으로 이것은 새로운 것이 아닙니다.
사진의 역사에는 특히 서양에서 여성 사진가들의 작업이 보는 구조를 파괴하는 풍부한 전통이 있습니다.
유명한 미술사학자 그리셀다 폴락(Griselda Pollock)이 1982년에 미술사에 대한 페미니즘적 재검토를 주장하면서 썼듯이, "창의성은 남성성의 이데올로기적 요소로
자리잡은 반면, 여성성은 남성의 것으로 구성되어 예술가의 부정적인 요소로 구성되었습니다.
" 20세기를 살펴보면, 여성을 보는 관습적이고 가부장적인 방식에 반대하는 자신의 사진을 찍은 게르트루트 아른트(Gertrud Arndt)와 클로드 카훈(Claude Cahun)과 같은 전후 여성 사진작가들을 찾을 수 있습니다.
이 역사에서 특히 풍요로운 순간이었던 1970년대에 조 스펜스(Jo Spence)와 한나 윌크(Hannah Wilke) 같은 페미니스트 실무자들은 여성의 대상화를 더욱 복잡하게 만들고 폴록이 "신체로서의 여성의 의미와 성으로서의 여성의
의미"라고 언급한 것을 다루는 자기 표현 작업을 만들었습니다.
” 1980년대에 등장한 또 다른 획기적인 여성 사진가들( Laura Aguilar , Jeanne Dunning, Catherine
Opie 등)은 예술사적 규범과 아름다움과 여성성에 대한 현대적 관습에서 더욱 벗어난 신체(자신의)를 묘사하는 작품을 만들었습니다.
.
여성들이 자신의 목소리를 듣기 위해 서로 대화해야 하는 경우가 종종 있는 것처럼, 우리도 다양하고 복잡한 자아 속에서 서로를 보고 싶은 지속적인 욕구가 있습니다.
오늘날 자기 표현 형식을 의식적으로 활용하는 Chetrit와 기타 중견 사진가들은 확실히 이러한 역사에서 영감을 받고 정보를 얻었습니다.
일부는 이를 형성하는 데 도움을 준 여성으로부터 정식 교육을 받기도 했습니다.
그러나 연대순으로 말하면 연속체의 일부로서 배치를 넘어서 여성 사진 자기 표현의 전통과 어떤 관련이 있습니까? 그리고 "보여질 것"을 간청하고, 환영하고, 승인하는 것처럼 보이는 이러한 추세는 그것이 펼쳐지는 현재 순간과 어떤 관련이 있습니까?
이 최신 실무자들의 물결이 경력을 시작하기 수십 년 전인 1980년대에는 페미니스트 문제와 이론이 주류에 도달했으며 미술사학자 애비게일(Abigail)이 확인한 대로 "이미지로서의 여성" 문제에 대한 비판의 초점이 강화되었습니다.
솔로몬-고도. 젠더의 표상적 정치와 외모의 권력 관계에 대한 논의가 이미 잘 진행되고 있는 가운데, 젊은 현대 사진가들이 대화의 중간 단계에 참여하여 다양한 의제를 가지고 도착했습니다.
어떤 사람들에게는 사진의 표준에 포함되고 그것이 가져오는 가시성(자신의 신체가 가장 확실하게 보일 것이라는 이해)이 자신을 사진에 담으려는 충동의 일부이자 소포입니다.
페루에서 태어나 오레곤에 거주하는 사진작가 Tarrah Krajnak 는 2020년 시리즈 Master Rituals II: Weston's 누드 에서 이러한 접근 방식을 모델로 삼았습니다.
여기서 그녀는 Edward Weston의 여성 시터로 가장하여 포즈를 취하지만 라틴 아메리카 배경을 고려하여 그녀가 설명하는 것에 도전합니다.
웨스턴의 작품과 역사적 감상의 중심이 되는 백인 여성의 아름다움에 대한 이상입니다.
” Krajnak은 Weston의 한때 아내이자 모델인 Charis
Wilson과 같은 그녀의 전임자들에 대한 직접적인 언급을 통합하여 Weston의 이미지를 그녀가 연출하는 장면에 포함시켜 궁극적으로 왜곡된 미장아빔을 생성합니다.
니디아 블라스(Nydia Blas), 내 몸은 식민지화되었습니다 , 2022
작가 제공
B. 잉그리드 올슨(Ingrid Olson), 셔틀(Shuttle) ,
2015-16
아티스트 제공
뉴욕 이타카(Ithaca)의 백인 도시에서 자란 Nydia Blas는 역사적으로 자신을 표현하는 데 방해가 되었거나 낙담했던 그녀와 같은 다인종 신체를 기념하는 공간을 만들기 위한 수단으로 사진을 사용합니다.
My Body Has Been Colonized (2022) 라는 제목의 중앙부와 허벅지 위쪽 사진에서 Blas는 스페인어(그녀가 유창하게 말할 수 없는 아버지의 언어)로 된 문신과 튼살을 드러냅니다.
그녀는 아버지의 출생지인 파나마 토종 꽃으로 덮인 손수건으로 겸손을 유지하면서 후자를 미묘하게 모호하게 한다.
“옷을 입지 않은 사진에서 섹슈얼리티 같은 것을 되찾는 것이 가능할까요?” 최근에 내가 그녀와 이야기를 나누었을 때 Blas가 물었습니다.
“어떻게 아직도 권력을 유지할 수 있습니까?” 그녀는 대답은 없지만 자기 표현을 통해 자신을 위해 무언가를 되찾는 데 힘이 있다고 인정합니다.
부분적으로는 사진가라면 누구나 알고 있듯이 자신의 사진을 찍는 것이 엄청나게 어렵기 때문입니다.
다른 두 사진작가인 Iiu Susiraja와 Whitney Hubbs는 그들의 작업에 뚜렷한 차이가 있음에도 불구하고 둘 다 여성스러운 핀업과 그 연상적 수하물의 비유를 동원하여 유머를 사용하여 이를 무력화합니다.
1977년에 태어나 뉴욕 주 시러큐스에 거주하는 Hubbs는 부분적으로 나이를 고려하여 이 페티쉬에 적응하는 자신의 능력을 조롱합니다.
보호용 무릎 패드를 착용하고 등을 대고 수박의 균형을 유지하거나 상의를 벗고 의자 패드에 받쳐 몸을 기대는 Hubbs의 무대는 그로테스크하거나 카니발 같은 것을 연상시킵니다.
Susiraja의
경우 터무니없는 소품, 간헐적인 타박상, 무표정한 스타일은 단순히 욕망하거나 소비하거나 탐내는 것이 아니라 반나체 이미지를 보는 것에 대한 기존의 기대를 혼란스럽게 합니다.
핀란드 투르쿠에 거주하며 작업하는 Susiraja에 따르면, 수용 가능성은 부분적으로 그녀의 사진이 대중에게 널리 퍼지는 데 도움이 된다고 합니다.
2022년 인터뷰에서 그녀는 자기 표현을 통해 승인을 구하는 데 대한 자신의 관심을 사람들이 소셜 미디어를 활용하는 방식에 비유했습니다.
"인스타그램에 자화상을 올릴 때 수용과 사랑을 찾는다고 믿습니다.
"
© 및 아티스트 제공
오늘날 여성 예술가들이 사용하는 자기표현 전술이 눈에 띄게 증가하는 것을 우리는 어떻게 생각해야 합니까? 셀카 문화와 그 열망하는 브랜드 미학의 결과로 볼 수 있습니까? 여기에서 논의된 많은 작업이 이루어진 지난 10년 동안 소셜 미디어가 번창했다는 점은 주목할 만합니다.
그 플랫폼은 성별과 성별뿐만 아니라 여성성과 남성성에 대한 개념을 생산하고 전파하며 검열했습니다.
2013년경, 소셜 미디어에서 여성의
가슴에 대한 검열을 허용하는 성별 기반 이중 기준으로 인해 Free the Nipple이라는 옹호 캠페인이 촉발되었습니다.
2019년부터 그녀의 시리즈 The Greek Piece 에서 도미니카계 프랑스 사진작가
Karla Hiraldo Voleau는 이러한 정책에 고개를 끄덕이며 그녀가 가슴을 노출한 다음 인쇄물에 테이프로 덮는 자화상을 만듭니다.
마찬가지로 젠더 기반 배제 관행은 그녀의 동시 프로젝트 Hola Mi Amol 과 그 시조
책 의 사진에 정보를 제공했습니다.
이 책 은 Voleau를 클로즈업하고 도미니카 공화국에서 그녀의 가상의 남성 애인과 함께 옷을 입은 모습을 보여줍니다.
그들의 몸은 거의 항상
반나체 또는 누드로 나타납니다.
Voleau는 프로젝트를 만들게 된 동기를 설명하면서 "왜 여성은 남성을 바라보는 것과 같은 방식으로 응시하고, 응시하고, 관찰하고, 욕망하고, 대상화하고, 바라볼 수 없습니까?"라고 묻습니다.
보는 사람과 보이는 광경 사이의 힘의 균형을 바꾸려는 최선의 노력에도 불구하고 Voleau는 자신의 전략의 한계를 이해합니다.
그녀는 Hola Mi Amol 에서 많은 것을 인정하면서 일부 관찰자들에게 "이미지로서의
여성"으로 남아 있습니다 . 책은 옷을 완전히 입은 채 침대에 누워 독자를 바라보는 그녀의 이미지로 마무리됩니다.
사진 아래 그녀는 “나는 내가 연기하던 캐릭터로 변신한 걸까?”라는 질문을 던진다.
할리우드 영화와 여성 관객에 관한 1987년 책인 The Desire to Desire 에서 Mary Ann
Doane은 이러한 종류의 결론을 강조합니다.
“단순히 성적인 역할을 바꾸거나 여성에 대해 긍정적이고 힘 있는 이미지를 만드는 것만으로는 충분하지 않습니다.
”라고 그녀는 썼습니다.
또 다른 가능성이 없는 쌍인 사진작가 Tokyo Rumando와 Sophie Thun은 이러한 한계를 인식하는 능력을 공유합니다.
둘 다 그들이 조롱하는 힘을 지닌 추정되는 남성 시선의 존재를 가정하고, 그들의 이미지 속에서 관객(남자로
추정)의 위치를 가정함으로써 이를 약화시키려고 노력합니다.
Tokyo Rumando, Orphée, K-1 , 2014
© 아티스트 및 제공: Zen Foto 갤러리
여성에 대한 노골적인 묘사로 널리 알려진(그리고 최근에는 공개적으로 조롱당했던) 선동가 아라키 노부요시의 모델이었던 도쿄를 기반으로 활동하는 사진작가 Rumando는 2014년에 출간된 시리즈
인 Orphée 에서 주제의 입장을 다시 밝혔습니다 . 하지만 여기서는 Rumando가 자신의 대표권을 장악합니다.
그녀는 자신의 모습을 직접적으로 반영하지 않는 둥근 거울(카메라 렌즈의 대용물) 옆에 자신을 묘사합니다.
대신, 거울은 환상, 욕망, 그리고 추억. 루만도는 2017년 공개된 인터뷰에서 “거울과 나는
정면으로 마주하고 있는 것이 아니다.
즉 그 만남은 대결이 아니라는 뜻이다.
오히려 멀리서 지켜보는 것 같다”고 말했다.
그녀는 화면 속에서 관객의 역할을 맡아 프레임 너머에 존재하는 추가적인 관객의 시선을 대체하거나 방향을 바꾸려고 시도한다.
집합적으로 펀하우스 거울의 반사처럼 기능하는 루만도에 대한 다양한 묘사들 사이에서 우리는 어디로 주의를 기울여야 할까요?
비엔나에 기반을 둔 Thun은 공연 기간 동안 자신이 사용하는 호텔 방을 활용하여 남성 아티스트를 지원하는 일을 하며 진행 중인 시리즈 After Hours를 제작합니다 . 이 전제를 통해 Thun은 "이 예술가들은 기술적인 면에서 나에게 의존하고 나는 재정적으로 그들에게 의존하기 때문에 계층 구조와 상호 의존성"에
대한 개념을 풀 수 있게 되었습니다.
라고 그녀는 말합니다.
그녀는 밤에 이 방을 임시 스튜디오로 바꾸어 나체 사진을 찍고, 가장 결정적으로 종종 자신의 사진을 콜라주하여 구성에 두 번 등장하는데, 대개 그녀가 자신과 섹스를 하고 있음을 암시하는 자세로 나타납니다.
여기에 언급된 거의 모든 다른 사진가들과 마찬가지로 Thun은 필름 카메라를 사용하고 케이블 릴리스를 사용하여 자신의 사진을 찍습니다.
그녀의 기술적 능력과 그에 따른 그녀의 권위를 전달하기 위해서는 그녀의 장치에 대한 가시성이 필수적입니다.
이것이
바로 지식과 통제의 모습입니다.
그것들은 능동적이고, 욕망의 수동적인 대상의 미술사적 역할을 거부하는 그녀의 몸도 마찬가지이다.
관객들은 그녀의 작품을 감상하면서 흔들리지 않는 시선으로 툰의 카메라를 바라보는 툰과 그녀의 분신을 마주하게 된다.
그러나 Doane을 다시 호출하려면: 현상 유지를 폭로하거나 방해하는 데 충분한 파워 플레이가 있습니까?
Karla Hiraldo Voleau, Carlos ,
2019
아티스트 제공
휘트니 허브스, 퍼니, 하하 #4 (부분), 2022
© 아티스트 및 제공: M+B, 로스앤젤레스
시선을 유도하고 특정 "보여지는 것"을 명령하는 작업의 질이 신체의 성별에 대한 본능을 적극적으로 방해한다면 어떨까요? 사진 속 신체 형태가 남성, 여성, 논바이너리라는 범주 내에서 식별을 거부한다면 어떻게 될까요? 자신을 여성으로 정의하지만 첫 번째 이니셜이 제공하는 중성적 가능성과 신비함을 높이 평가하는 시카고 출신 예술가 B. Ingrid Olson의 사진은 이러한 지형을 탐구합니다.
팟캐스트 Modern Art Notes 와의 인터뷰에서 그녀는 “이미지 속 자신을 볼 수 있는 이미지를 만들거나,
이미지 앞에서 자신이 신체임을 더욱 자각할 수 있는 이미지를 만드는 것”을 고백한다.
그러나 그녀는 자신의 작품을 자화상으로 분류하는 것을 거부합니다.
실제로 솔로몬-고도(Solomon-Godeau)가 지적했듯이 자기 표현이 항상 자기 초상화인 것은 아닙니다.
올슨의 얼굴은 그녀의 사진에 전혀 나타나지 않는 반면, 그녀의 나머지 인물은 너무 파편화되어 낯설고 거의 알 수 없게 됩니다.
그녀가 촬영한 틈새, 구멍, 팔다리가 무엇인지 정확히 찾아내기는 어렵습니다.
당신이 보고 있는 것을 이해하려면 계속해서 살펴보아야 합니다.
“보는 것도 괜찮고 보는 것을 좋아하는 것도 괜찮습니다.
” 내가 마돈나 비디오와 함께 했던 오래전 순간에 대해 이야기한 후 Whitney Hubbs가 이렇게 말했습니다.
“(1983년 영화) <플래시댄스 >를
보면서 비슷한 반응을 보였습니다 . 자극적이었어요.” 이 인정은 오늘날 Hubbs와 다른 사람들이 만들고 있는 자기 대표 사진의 경솔함 뒤에 있는 또 다른 잠재적 근거를 반영하고 있다는 생각이 들었습니다.
여성이 자신의 목소리를 듣기 위해 서로 대화해야 하는 경우가 종종 있는 것처럼, 지속적인 필요성도 있습니다.
우리의 다양하고 복잡한 자아 속에서도 서로를 볼 수 있기를 바랍니다.
여성이 자신의 신체에
대한 통제력을 점점 잃어가고 있는 정치적 환경에서 이러한 스스로 만든 가시성은 특히 유용한 기능을 수행합니다.
그들은 페미니즘과 음란물에 관한 책인 Caught Looking 의 저자들이 "우리 페미니스트 비전에 필수적인 성욕과 그 표현에 대한 자유로운 토론"이라고 정의한 것을 장려합니다.
그들은 우리가 생각하지 않고 섭취하는 것을 드러냅니다.
그것들은 우리가 계속 찾고 싶게 만듭니다.