밤에 일본의 숲을 밝히는 반딧불이의 마법 같은 이미지
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매년 여름, 일본 야마가타 현의 숲은 수천 마리의 반딧불이의 꿈 같은 따뜻한 빛으로 살아납니다. 사진작가 카즈아키 코세키는 이 매력적인 현상을 카메라로 포착하기로 했습니다. 숨 막힐 듯한 이미지가 그의 Summer Faeries 시리즈를 구성하는데 , 이는 동화책에서 나온 것 같은 이미지 모음입니다.
"저의 시리즈 Summer Faeries 에서 저는 여름 밤 숲을 나는 Himebotaru ( Luciola parvula ) 의 생태와 자연 환경 간의 관계를 탐구합니다 ." Koseki가 My Modern Met에 말했습니다. "일본 고유종인 반딧불이가 여름 숲을 날아다니는 광경은 하늘의 별들이 반복해서 반짝이는 장면과 같습니다. 그 광경은 밤 숲의 경외감을 잊을 만큼 환상적입니다."
사진 스튜디오를 소유한 가족에서 태어난 코세키는 이 생물에 대한 매혹도 어린 시절로 거슬러 올라갑니다. 그는 "저는 가족과 함께 집 근처의 논에 가서 겐지 보타루 (반딧불이)를 구경하고 즐기곤 했습니다. 가면서 잡았죠."라고 회상합니다. 코세키는 반딧불이를 촬영하기 위해 여행을 다녔지만, 자신이 사는 야마가타 현에서도 발견된다는 사실을 알게 되어 기뻤습니다. 그는 밤에 숲으로 모험을 떠나 반딧불이의 빛을 볼 수 있었습니다.
코세키는 자신이 사진에 담은 숲에 사는 동물은 빛을 내는 성인 수컷이며, 숲을 날아다니며 다음 세대에 빛을 전달한다고 설명합니다. (암컷은 퇴화된 날개 때문에 날 수 없습니다.)
"기간은 짧아서 초여름에는 일주일에서 열흘 정도이고, 생명의 아름다움은 반짝이는 빛에서 느낄 수 있는 생명의 연약함과 소중함에서 느껴집니다." 사진작가는 말한다. "저는 반짝이는 빛의 흔적을 예측하면서 사진을 찍는데, 그 결과 나오는 이미지는 항상 놀라움과 예측 불가능함으로 가득 차 있습니다. 제가 사진을 찍을 때마다 빛의 흔적이 똑같은 경우가 없기 때문입니다. 그래서 계속해서 매료되는 이유 중 하나입니다."
코세키에게 가장 큰 과제는 초여름에 숲이 빛나는 계절적 지속 시간이 제한적이고, 밤에는 빛의 강도가 낮아서 빛의 변화가 단조롭다고 말하는 것입니다. 그는 "달빛조차 없는 밤에는 육안으로는 보이지 않는 어둠 속에서 촬영이 이루어집니다."라고 말합니다. 반딧불이를 보호하기 위해 의도적으로 인공 조명을 사용하지 않습니다.
사진작가는 자신의 사진이 지역 반딧불이의 처지를 알리기를 바랍니다. "그들은 오랫동안 사람이 살지 않는 깊은 숲에서 살았습니다." 코세키가 말했습니다. "특히 지난 100년 정도의 근대화 과정에서 이러한 숲의 많은 부분이 다양한 이유로 베어져 인간 활동의 영향을 받지 않는 곳이 없습니다. 그들은 현대의 끊임없는 위협 속에서 살고 있습니다. 저는 우리 주변에 항상 많은 이웃이 살고 있으며, 지구라는 이 행성에서 모두 함께 공존하고 있다는 것을 모든 사람에게 상기시키고 싶습니다."
“사랑의 밝은 갑옷 2”, 2024
초현실적인 초상화로 유명한 영국의 유명 화가 Mary Jane Ansell 이 뉴욕시의 Arcadia Contemporary 에서 삶의 도전으로부터 자신을 보호하고 강화하는 데 감정을 어떻게 사용할 수 있는지 강조하는 강력한 작품 컬렉션을 선보입니다. Loves Bright Armor 에는 이상한 나라의 앨리스에서 영감을 받은 새로운 유화 와 17세기와 18세기 미니어처 초상화에서 영향을 받은 작품이 포함됩니다.
여성 인물은 전시의 주인공으로, 많은 작품에서 용기와 힘을 얻은 모습으로 서 있습니다. 이 그림들은 종종 이 여성들을 정면과 중앙에 등장시켜, 뒤에서 전투가 벌어지는 동안 행동할 준비가 된 것처럼 보입니다. 다른 그림에서는 다가올 폭풍으로부터 보호해 줄 수 있는 배들이 있습니다. 세부 사항과 상징주의로 가득한 이 그림에서 관람객의 눈은 패널 안에 숨겨진 모든 메시지를 흡수하기 위해 작품을 가로질러 돌아다니지 않을 수 없습니다.
"저는 항상 스토리텔링과 상징주의에 매료되어 왔고, 이 전시를 통해 보호와 권한 부여라는 개념을 더 깊이 파고들 수 있었습니다." 앤셀이 공유합니다. " 사랑의 밝은 갑옷 이라는 개념은 모든 형태의 연결을 찬양하는 사라 윈먼의 Still Life를 읽은 후 저에게 공감을 불러일으켰습니다 . 이 전시는 이러한 유대감이 어떻게 우리를 혼란으로부터 보호하고 어려운 시기에 힘을 제공하는지 보여줍니다."
제목 작품인 Love's Bright Armor 는 혼돈 속에서 함께 서 있는 한 쌍의 커플을 보여줌으로써 이 개념을 완벽하게 보여줍니다. 단결된 전선으로, 그들은 인생이 제시하는 모든 도전에 맞설 준비가 된 것처럼 보입니다. 반면에 앨리스는 젊은 금발 여성이 앉아 거의 의심스러운 듯 시청자를 바라보면서 믿을 수 없을 정도로 취약한 모습을 보여줍니다. 손에 컵케이크를 들고 옆에 열쇠를 둔 그녀는 모험에서 방금 돌아온 것일까요? 미스터리한 분위기로, 답은 완전히 명확하지 않습니다.
앤셀의 세계에 푹 빠질 수 있는 이런 능력은 아마도 그녀의 그림이 그녀에게 많은 찬사를 받은 이유 중 하나일 것입니다. 사실주의와 판타지의 완벽한 결합은 우리를 그녀가 창조한 여정에 참여하도록 초대합니다.
Love's Bright Armor 는 현재 Arcadia Contemporary에서 2024년 9월 29일까지 전시 중입니다.
“앨리스,” 2024
“사랑의 밝은 갑옷,” 2024
“폭풍의 눈,” 2024
“아르테미스,” 2024
"헌트리스," 2024
“갤리온 2호,” 2024
“갤리온 1호,” 2024
“템페스트,” 2024
“러버스 아이,” 2024
“러버스 아이 4,” 2024
정물화 라고 하면 폴 세잔 의 과일 그림이나 빈센트 반 고흐 의 해바라기 를 떠올릴 것입니다 . 하지만 정물화 전통은 이러한 거장들보다 훨씬 오래 전부터 수세기 동안 이어져 왔으며, 오늘날에도 여전히 번창하고 있습니다.
우리 주변의 일상적인 사물은 예술가에게 훌륭한 소재가 됩니다. 기술을 연마할 뿐만 아니라 순간을 포착할 수도 있습니다. 플로리다주 탤러해시에 사는 노아 베리어 는 정물화 장르를 살리고 있는 현대 예술가 중 한 명입니다. 그는 현대의 정크푸드를 풍부하고 광택이 나는 오일로 그려서 고전주의 거장들의 스타일을 떠올리게 하는 걸작을 만들어냅니다.
맥도날드 해피밀부터 땅콩버터와 젤리 샌드위치까지, Verrier의 그림은 대중적인 갈망을 가치 있는 예술 작품으로 바꿔놓았습니다. 심지어 코카콜라, 펩시, 마운틴 듀 캔조차도 Verrier의 캔버스에 영원히 새겨져 있으며, 앞으로도 수년간 상징적인 물건으로 격상되었습니다.
Verrier의 그림은 오래된 것과 새로운 것을 혼합하여 향수에 이끌리는 예술 애호가들을 사로잡았습니다. 라즈베리 필링이 흘러내리는 Smucker's Uncrustable이 등장하는 한 작품은 최근 경매에서 4,999달러에 팔렸습니다. 그의 독특한 스타일은 Dunkin' Donuts, Popeyes, Little Caesars, Philadelphia Cream Cheese와 같은 브랜드의 주목을 끌었으며, 이들은 모두 자사 제품의 맞춤형 유화를 의뢰했습니다.
Verrier에게 이 작업은 단순히 브랜드 거래를 확보하는 것이 아니라 일상용품에서 아름다움과 의미를 발견하는 것입니다. 그는 "이러한 물건에 줄 수 있는 사랑스러운 보살핌이 있습니다." 라고 말합니다 . "주제는 중요하지 않지만, 이 wet-on-wet, alla prima 기법과 제스처를 통해 어떤 종류의 감정을 주입할 수 있다는 생각이 있습니다. 비록 촌스럽더라도 그 작품에 자신을 쏟는 것이고, 그래서 효과가 있는 것입니다."
"사과의 검은 점에 집착한 소녀", 2024년. 리넨에 오일과 잉크.
첫개인전을 위해 아티스트 마크 퍼그는 기술적 기술을 보여줄 뿐만 아니라 서사적 역량을 강조하는 일련의 유화 20점을 모았습니다. 네 딸에게서 영감을 받은 각 그림은 동화 속 세계를 엿볼 수 있는 기회를 제공합니다. 퍼그가 제목으로 우리를 안내하는 동안, 그는 시청자가 전체 이야기를 쓸 수 있도록 합니다.
"각 그림은 자체적인 작은 이야기를 전달하지만, 각 그림에 대한 완전한 내러티브를 제공하기보다는, 시청자가 스스로 해석하고 이야기를 완성하고 개인화할 수 있을 만큼만 제공하고 싶었습니다."라고 Pugh는 설명합니다. "저는 주로 어린이를 제 작품의 주제로 사용하지만, 더 깊고 성숙한 주제와 병치하는 경향이 있습니다."
사과의 검은 반점을 면밀히 살피는 소녀부터 얼굴을 가리고 거울을 들여다보는 다른 소녀까지, Pugh의 작품은 고전적인 초상화가 아니다. 각 소녀는 자신의 세계에 빠져 있는 듯하며, 종종 시청자의 시선을 모른 채이다. 이는 Pugh가 자신의 스토리텔링 능력의 한계를 넓히기 위해 의도적으로 선택한 것이다.
"인물 그림은 종종 얼굴에 초점을 맞춥니다. 스토리텔링의 많은 부분이 얼굴에서 나오기 때문에 얼굴을 완전히 숨기고 어떤 스토리를 전달할 수 있을지 탐구하고 싶었습니다." 그는 American Art Collector 에서 자신의 그림 Girl with an Ornate Mirror and Brush에 대해 이야기하면서 이렇게 말했습니다 . "드레스부터 거울, 배경의 장미에 이르기까지 그림 전체가 그녀를 아름다움으로 감싸고 있지만, 저는 모든 초상화에서 가장 흥미로운 부분을 숨겼습니다."
Pugh는 그의 놀라운 그림 그리기 및 드로잉 기술로 시청자를 끌어들여 그의 인물을 정확한 세부 묘사로 표현합니다. 그러나 동시에 Pugh는 순수함, 호기심 및 지식의 각성이라는 보편적인 주제에 초점을 맞추어 시청자의 상상력을 사로잡습니다. 기술과 창의성 사이의 이 멋진 춤은 예술가로서의 Pugh의 작업에 대한 찬사입니다.
올해 초 뉴욕시의 아카디아 컨템포러리 에서 전시되었던 Pugh의 솔로 쇼 The Girl and the Empty Mailbox and Other Stories 에서 더 많은 작품을 보려면 아래로 스크롤하세요 .
"소녀와 빈 우편함", 2024년. 리넨에 오일과 잉크.
"화려한 거울과 붓을 든 소녀", 2024년. 리넨에 유화와 잉크.
"가위를 든 소녀와 수상 경력에 빛나는 장미 덤불", 2024년. 리넨에 오일과 잉크.
"바람이 특별히 부는 날 초상화를 그리며 앉아 있는 소녀", 2024년. 리넨에 유화와 잉크.
"인디언 썸머," 2024. 린넨에 오일과 잉크.
"겨울 열매를 든 소녀", 2024년. 린넨에 유화와 흑연.
"수확기", 2024. 린넨에 오일과 잉크.
"졸린 소녀와 시끄러운 새", 2024년. 리넨에 오일과 잉크.
"새를 스케치하는 젊은 예술가", 2024. 리넨에 유화와 흑연.
"꼬기를 한 소녀(겨울밤)", 2024년. 리넨에 유화와 잉크.
"임박한 폭풍 소리를 조용히 듣는 소녀", 2024년. 리넨에 오일과 잉크.
“깨지지 않는 흑요석”
아티스트 팀 오카무라는 약 10년 전에 온나-부게이샤 또는 "여전사"인 토모에 고젠에 대해 처음 들었지만 , 그 이야기는 그때 이후로 그에게 계속 각인되어 있었습니다. 그는 My Modern Met에 "여사무라이가 남성과 함께 싸우고 동일한 책임과 기대를 가졌다는 사실이 저에게 깊이 공감되었습니다."라고 말했습니다. 이 그림에서 그는 창조적 엔진을 발견했고, 유색인종 여성이 디스토피아적 가까운 미래에서 일어나 승리할 준비가 된 온나-부게이샤 라는 제목의 강력한 일련의 그림을 탄생시켰습니다.
오카무라는 다양한 친구들과 함께 자랐고, 방문한 갤러리와 박물관에서 본 초상화에서 대표성이 부족했기 때문에 소외된 커뮤니티의 여성을 묘사하고 싶어했습니다. 그는 "저는 특히 박물관에서 사라진 사람들, 유색인종, 그들의 이야기가 캔버스에 큰 주의와 경의를 담아 포착되어야 할 사람들의 학문적 전통에 기반한 초상화를 만드는 데 의식적으로 집중해야 한다고 느꼈습니다."라고 말합니다.
그의 그림에서 여성들은 화려한 기모노와 전통 의상을 입고 있지만, 카타나를 들고 있는 그들의 눈빛은 도전적입니다. 매우 사실적인 접근 방식은 오카무라가 그들의 표현에서 빛과 그림자를 능숙하게 사용하는 것을 넘어섭니다. 그는 팔의 혈관과 멍, 그리고 자연스러운 머리카락의 질감을 능숙하게 묘사합니다. 손은 화가들에게 끊임없는 도전이었지만, 오카무라는 그들을 손쉽게 묘사하는 듯하며, 심지어 다른 포즈로 그리는 것을 즐깁니다.
“북부의 사절들”
이 작가는 항상 얼굴을 그리는 도전과 캔버스에 인간의 이야기를 담는 것을 좋아했으며, 이는 그의 스타일에 영향을 미쳤다고 공유합니다. "개인으로서 그들을 찬양하고 인간적 상태에 대한 더 큰 은유를 가리키는 방식으로 누군가를 묘사하는 것은 항상 저에게 중요했습니다. 따라서 저는 항상 사실주의 방식으로 작업했습니다. 저는 제 기술이 시간이 지남에 따라 더 많은 임파스토(더 두꺼운 페인트), 질감, 페인트 표면에 더 많은 밀고 당기기가 있고, 배경에서 추상화 또는 미세 추상화를 더 많이 탐구하는 방식으로 발전했다고 생각합니다."
그의 그림에 묘사된 여성들은 모두 그가 개인적으로 아는 실제 여성들이며, 그들의 긍정적인 에너지를 칭찬합니다. 오카무라는 "진부하게 들릴지 모르지만, 내 주제를 선택할 때 내면의 빛이 밖으로 투사되는 것을 중요한 고려 사항으로 봅니다. 그림이 그들에 대한 것인지, 아니면 그들이 역할을 하는지, 예를 들어 온나-부게이샤 시리즈에서처럼 여성 사무라이인지 여부입니다."라고 말합니다. "저는 작품의 정신과 과정에 참여한 여성들과 그렇게 훌륭한 일치를 찾을 수 있어서 매우 운이 좋다고 생각합니다. 에너지적인 연결을 갖는 것이 가능한 한 최고의 작품을 만드는 데 중요하다고 생각합니다."
전 세계적으로 여성의 권리가 위협받고 있다는 사실을 알고 있던 오카무라는 두려움 없는 영웅 그룹을 만들어야겠다고 생각했습니다. 그는 "저는 예술가의 역할이 대안적이고 건설적인 경로로의 길을 열고 고상한 서사를 통해 새로운 비전을 확립하는 것이라고 생각합니다."라고 결론지었습니다. " Onna-Bugeisha 시리즈가 시청자에게 차별과 편견의 진흙탕에서 벗어나도록 영감을 주고 더 나은 미래를 위한 영감을 제공하기를 바랍니다. 여성 전사는 건설에서 중요한 역할을 할 것입니다."
“귀멸의 칼날 야야”
“기대하는 경비원”
“치명적인 크레인”
“치명적인 벌새와 황금 여우”
“발광”
“도관_도체”
“등대 화재”
“자연의 법칙”
“격려의 말(오모이야리)”
“이브타이드(자유의 노래)”
“안전한 공간”
에두아르 마네는 한때 정물을 "회화의 시금석"이라고 불렀습니다. 무감각에 대한 관심으로 특징지어지는 이 예술 장르는 운동 , 문화, 시대를 거쳐 인기를 얻었으며 폴 세잔 과 파블로 피카소 와 같은 주요 인물은 인상파 예술가 의 관점을 공유했습니다 .
여기서 우리는 오랜 역사를 지닌 이 장르를 탐구하고, 역사를 추적하며 잘 알려진 작품을 살펴보며 '정물화란 무엇인가? 그리고 시간이 지나면서 어떻게 발전해 왔는가?'라는 질문에 답을 얻고자 합니다.
정물화 (프랑스어 제목인 nature morte 로도 알려짐) 는 무생물을 주제로 한 작품입니다. 일반적으로 이러한 품목은 테이블 위에 놓이며 과일과 꽃과 같은 유기적 품목과 유리 제품 및 직물과 같은 가정용품을 포함합니다.
"정물화"라는 용어는 16세기에 유명해진 네덜란드어 s tilleven 에서 유래되었습니다 . 이 시기에 정물이 장르로 인정을 받았지만, 그 뿌리는 고대로 거슬러 올라갑니다.
Jacopo da Empoli, "정물", 1625년경(사진: Wikimedia Commons , 퍼블릭 도메인)
대부분의 정물화는 꽃, 연회 또는 아침 식사, 동물, 상징이라는 네 가지 범주 중 하나에 속합니다 . 이러한 유형의 대부분은 자체 설명이 가능하지만 꽃 작품은 만개한 꽃다발이나 꽃병에 초점을 맞추고 연회 작품은 다양한 식품을 특징으로 하지만 상징적인 정물화는 크게 다를 수 있습니다.
대부분의 경우 상징적 그림은 더 깊은 의미나 서사를 전달하기 위해 다양한 사물을 사용합니다. 이는 아마도 바니타스 그림 에서 가장 잘 예시됩니다. 바니타스 그림은 삶의 덧없음에 초점을 맞춘 정물 장르입니다.
“멘나의 무덤에서 발견된 정물화” (사진: Wikimedia Commons를 통한 Yorck Project , 퍼블릭 도메인)
가장 오래된 정물화는 기원전 15세기에 이집트인들이 만들었습니다. 작물, 생선, 고기를 포함한 음식의 장례 그림이 고대 매장지에서 발견되었습니다. 가장 유명한 고대 이집트 정물화는 멘나의 무덤 에서 발견되었는데 , 이 무덤의 벽은 일상 생활의 매우 자세한 장면으로 장식되어 있었습니다.
고대 그리스인과 로마인도 무생물에 대한 비슷한 묘사를 만들었습니다. 그들은 주로 정물 소재를 모자이크 로 남겨두었지만, 폼페이 의 1세기 벽화인 과일과 꽃병이 담긴 유리 그릇이 있는 정물과 같은 프레스코화 에도 사용했습니다 .
“과일과 꽃병이 담긴 유리 그릇이 있는 정물화”, 서기 63-79년(사진: Wikimedia Commons를 통한 The Yorck Project , 퍼블릭 도메인)
“클레베스의 캐서린의 시간”, 1440년
중세 시대에 예술가들은 종교적 목적으로 정물화를 각색했습니다. 그들은 성경 장면을 묘사하는 데 상징적 배열을 통합하는 것 외에도 조명이 들어간 사본을 장식하는 데 사용했습니다. 동전, 조개, 과일 부셸과 같은 물체가 이러한 책의 테두리에서 발견될 수 있으며, 15세기의 정교하게 장식된 클레베스의 캐서린의 시간표 도 포함됩니다.
Jan Brueghel the Elder, “나무 그릇에 담긴 꽃”, 1606 – 1607 (사진: Wikimedia Commons를 통한 Google Art Project , 공개 도메인)
북부 르네상스 예술가들은 꽃 그림 으로 정물화 도상학을 대중화했습니다 . 이 작품들은 일반적으로 "한 꽃병에 다른 나라와 다른 대륙에서 온 화려한 꽃을 한 순간에" ( 메트로폴리탄 미술관 ) 보여주며 종종 다른 주제를 다루지 않습니다. 이 그림들은 북부 르네상스 예술가들이 일상 용품에 대한 사실적인 연구를 만드는 데 점점 더 관심을 갖게 된 17세기 초에 유명해졌습니다 .
Pieter Claesz, “Vanitas – 정물”, 1625(사진: Wikimedia Commons를 통한 네덜란드의 기억 , 공개 도메인)
네덜란드 황금기 예술가들은 바니타스 그림으로 세부적인 꽃 예술 에 대한 관심을 한 단계 더 발전시켰습니다 . 바니타스 그림은 라틴어 이름이 "당신은 죽어야 한다는 것을 기억하라"는 뜻인 그림 장르인 메멘토 모리 에서 영감을 받았습니다. 메멘토 모리 묘사 와 마찬가지로 이 작품들은 종종 인간의 두개골, 시들어가는 양초, 뒤집힌 모래시계와 같은 물체와 함께 절화를 사용하여 삶의 덧없는 본질에 대해 언급합니다.
그러나 메멘토 모리 예술 과는 달리 바니타스 그림에는 "세속적 쾌락과 재화의 허무함을 명확히 상기시켜주기 위해 악기, 와인, 책과 같은 다른 상징도 포함됩니다 . "( 테이트 )
빈센트 반 고흐 , "해바라기", 1889년(사진: 위키미디어 커먼즈를 통한 국립 미술관 , 퍼블릭 도메인)
정물화는 많은 현대 미술 운동에서 인기 있는 특징으로 남아 있었습니다. 피에르 오귀스트 르누아르 와 같은 인상파 예술가들이 이 장르에 손을 대었지만 , 빈센트 반 고흐가 꽃병을 주제로 삼고 세잔이 뒤집힌 탁자 위에 놓인 사과, 와인 병, 물 주전자를 특징으로 하는 유명한 일련의 정물화를 그렸던 후기 인상파 시대 에 주요 현대 데뷔를 했습니다 .
폴 세잔, 사과 바구니(ca. 1895) (사진 출처: Wikimedia Commons Public Domain)
세잔의 일부 묘사는 두개골을 사용함으로써 바니타스 장르에 경의를 표하기도 합니다.
폴 세잔, "두개골이 있는 정물", 1895년경 – 1900년경 (사진: 위키미디어 커먼즈를 통한 아트워크 전용 , 퍼블릭 도메인)
후기 인상파 화가들 외에도 입체파의 거장인 파블로 피카소와 조르주 브라크, 팝 아트의 선구자인 로이 리히텐슈타인도 과일 그릇에서 기술적 발명품에 이르기까지 일상용품을 선호했습니다.
조르주 브라크, "메트로놈이 있는 정물", 1909년(사진: Wikimedia Commons를 통한 메트로폴리탄 미술관 , 퍼블릭 도메인)
Tjalf Sparnaay, “건강한 샌드위치”, 2013
오늘날 많은 예술가들이 현대 음식과 사물의 정물화를 하이퍼리얼리즘 스타일로 그려서 시대를 초월한 전통에 현대적인 변화를 주고 있습니다. 영감을 주는 작품과 마찬가지로, 이러한 고화질 그림은 가장 평범한 사물조차도 걸작으로 만들 수 있음을 증명합니다.
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