아티스트가 감동적인 손으로 조각한 동물 형태를 통해 신뢰라는 주제를 탐구합니다.
0
"Trust Me"의 세부 정보
정치적, 사회적 분열로 점점 더 분열되는 세상에서 예술가 베스 카베너는 그녀의 연상적 동물 조각품을 통해 연결을 재건하고자 합니다.
로스앤젤레스의 카펜터스 워크숍 갤러리 에서 열린 그녀의 전시회 Trust는 복잡한 인간의 감정이 주입된 일련의 점토 생물을 선보입니다.
Cavener의 최근 작품은 COVID-19 팬데믹과 오늘날 우리가 직면한 정치적 분열로 인해 발생한 고립감에 대한 대응입니다.
그녀는 조각품을 통해 신뢰라는 주제와 그것이 종종 "잃어버리고, 파괴되고, 배신당하고, 학대받는다"는 것을 탐구합니다.
Cavener는 동물의 형태와 인간과
같은 몸짓과 감정을 혼합하여 상징적이면서도 깊은 공감을 불러일으키는 방식으로 인간의 취약성, 욕망, 갈등을 포착합니다.
각 작품은 작은 모형으로 시작해서, 카베너는 6~8개월에 걸쳐 실물 크기의 점토 조각품으로 바꿉니다.
카베너는 "제가 만드는 조각품은 맥락과 합리성을 제거한 인간 심리에 초점을 맞추고, 동물과 인간의 형태를 통해 표현합니다.
"라고 말합니다.
"표면적으로
보면, 이 인형들은 긴장의 순간에 갇힌 야생적이고 가축적인 개체일 뿐입니다.
표면 아래에는 공격성, 영토적 욕망, 고립, 무리 심리의 영향을 구체화합니다.
"
눈에 띄는 작품 중 하나인 Trust Me 라는 제목의 여우 같은 인물은 부분적으로 그림자에 가려져 조심스럽게 시청자에게 다가가는 듯합니다.
이 생물의 자세는 복종과 교활함을 모두 전달하며 공감과 불안이 뒤섞인 감정을 불러일으킵니다.
취약하면서도 교활한 본성은 시청자에게 신뢰에 대한 자신의 인식을 의심하게 합니다.
Shards 라는 제목의 또 다른 작품은 2,800파운드의
점토로 조각한 실물 크기의 수컷 사자를 묘사합니다.
한때 위엄 있는 힘의 상징이었던 사자는 머리를 숙이고 연약한 몸에서 튀어나온 뼈를 드러냅니다.
이 놀라운 조각상은 수천 개의 깨진 점토 조각으로 만들어졌으며, 희망을 회복하고 잃어버린 믿음을 회복하는 데 필요한 힘든 노력을 상징합니다.
제이슨 자크 갤러리 와 협업한 카베너스 트러스트 전시회는 2024년 9월 12일부터 11월 4일까지 로스앤젤레스의 카펜터스 워크숍 갤러리에서 열릴 예정입니다.
아래에서 전시회에 출품된 조각품 중 일부를 살펴보시고, Cavener의 웹사이트 에서 그녀의 놀라운 작품을 더 감상해 보세요 .
“나를 믿어”
"포로"
"염소"
“GOAT”의 세부 사항
“파편”
“파편”
"샤드"의 세부 사항
아티스트 브라이오니 로즈 제닝스는 잊혀진 직물 조각을 예상치 못한 예술 작품으로 변형합니다.
퍼즐을 맞추는 것처럼, 그녀는 각 직물 조각을 신중하게 선택하고 꿰매어 다채로운 동물 조각품을 만듭니다.
그 결과, 이 기발한 수제 피규어는 개성이 넘칩니다.
제닝스는 평생 예술가로 일했으며, 보석 디자인 분야에서 경력을 쌓았습니다.
그런 다음 약 14년 전, 그녀는 친구와 함께 재활용 소재만을 사용하여 패치워크 당나귀를 만들었습니다.
이 집중적인 프로젝트는 제닝스에게 새로운 창작 방향을 불러일으켰고, 그녀는 그 이후로 섬유 조각품을 만들어 왔습니다.
큰 개에서 작은 쥐에 이르기까지, 이 촉각적 생물은 다양한 모양과 크기로 제공됩니다.
대부분의 경우, 사용 가능한 소재는 대상의 모습에 영감을 주는 데 도움이 됩니다.
"저는 제가 작업하는 모든 것에 완전히 몰두하는 느낌을 좋아합니다.
속눈썹을 위한 완벽한 닳은 천 조각이나 발목이나 엉덩이를 강조할 적절한 잎 무늬를 찾는 과정에서 제 자신을 잃기 쉽습니다.
" 제닝스가 My Modern Met에 말했습니다.
"저는 사실주의를 추구하지 않습니다.
제 작업은 삶과 영혼의 느낌을 추구합니다.
동물들이 생겨나 저를 끌어들입니다.
제가 만드는 각 조각품에는 전환점이 있습니다.
개성이 나타나서 스스로 진화를 지시하기 시작하는 순간입니다.
마치 마법과도 같습니다.
"
제닝스는 조각품을 만드는 과정이 완성품만큼이나 중요하다고 생각합니다.
"제가 사랑하는 일을 하면서 생계를 유지할 수 있는 방법을 찾았다는 것은 정말 행운입니다.
그 여정은 예측할 수 없었고, 제 작업과 그것이 저를 어디로 데려갈지도 예측할 수 없습니다.
그게 바로 제가 좋아하는
방식입니다.
" 그녀는 덧붙입니다.
Jennings의 웹사이트 에서 구매 가능한 조각품을 찾아볼 수 있으며 , Instagram 에서 그녀를 팔로우하면 작가의 최신 프로젝트에 대한 최신 소식을 받아볼 수 있습니다 .
우리 중 많은 사람이 집에 오래된 열쇠, 칼, 도구, 안전핀으로 가득 찬 잡동사니 서랍을 가지고 있습니다.
그리고 우리 대부분은 그것을 뒤지는 것을 피하고 싶어하지만, 캐롤라이나에 사는 업사이클링 아티스트인 Matt Wilson(일명 Airtight Artwork )은 그 기회를 잡을 것입니다.
그는 버려진 물건과 폐금속을 사용하여 매력적인 동물 조각품을 만듭니다.
윌슨은 2017년 에 새 조각품을 만들기 시작했지만 , 그의 포트폴리오는 이제 모든 종류의 생물을 포함하도록 확장되었습니다.
고양이에서 다람쥐에 이르기까지, 각각의 정교한 조각품은 금속으로 된 실제 동물의 형태를 포착합니다.
윌슨은 미래형 로봇 곤충처럼 보이는 사마귀도 만들었습니다.
은식기로 만든 머리, 흉부, 복부, 날개와 재활용된 금속 도구로 만든 여섯 개의 가느다란 다리가 특징입니다.
윌슨은 My Modern Met에 "제가 많은 시간과 디테일을 쏟은 작품입니다.
"라고 밝혔습니다.
"저는 이 곤충에 한 달을 바쳤고, 그것이 완성된 방식이 정말 자랑스럽습니다.
"
윌슨의 금속 포유류와 곤충은 정말 인상적이지만, 이 작가의 새 조각품은 그의 전문 분야입니다.
그는 딱따구리, 파랑까치, 올빼미를 포함하여 모든 종류의 깃털 달린 친구들의 성격을 금속으로 포착할 수 있습니다.
윌슨은 숟가락 머리와 포크 갈래를 교묘하게 용접하여 깃털을 만들고, 종종 새의 발톱에
말린 금속 와이어를 사용합니다.
이 재능 있는 작가는 또한 매우 다작합니다.
윌슨은 최근 이 온라인 매장 에서 100마리의 새 무리를 출시했는데 , 거의 즉시 매진되었습니다.
윌슨은 새를 계속 만들면서 그의 스타일과 과정은 수년에 걸쳐 진화했습니다.
그는 "저는 새의 여러 측면을 동시에 작업하고 있어서 더욱 응집력 있는 컬렉션을 만들 수 있습니다.
"라고 말합니다.
윌슨은 또한 친구이자 동료 장인인 제이콥 켄트 가 수작업으로 만든 나무판에 금속 조각품을 장착하기 시작했습니다 . 윌슨은 "새가 진화함에 따라 배경도 진화하기를 바랐습니다.
"라고 설명합니다.
윌슨의 업사이클 작업은 우리의 환경과 자원을 소중히 여기는 것에 관한 것입니다.
"예술가로서 제 목표는 사람들이 본 적이 없는 예술 작품을 만드는 동시에 일상적인 재료의 정체성에서 알아볼 수 있는 작품을 만드는 것입니다.
"라고 그는 말합니다.
"저는 조각품이 다른 사람들에게
제 작품이 탄생한 단순하고 소홀히 여겨지는 품목을 감상하도록 영감을 줄 수 있기를 바랄 뿐입니다.
"
아래에서 윌슨의 폐금속 동물 조각품을 살펴보시고, 그의 웹사이트 에서 그의 포트폴리오에서 더 많은 작품을 찾아보세요 .
3차원에서 작업하는 조각가들은 역사를 통틀어 대리석, 청동, 나무 및 기타 재료를 놀라운 형태로 형상화했습니다.
우리의 초기부터 조각은 위대한
지도자의 흉상이나 윤리 원칙의 상징적 표현 등 문화와 사회를 이해하는 중요한 방법이었습니다.
역사 속 유명한 조각품을 생각해보면 그 목록은 끝이 없습니다.
팔이 없는 밀로의 비너스에서 중국 황제를 보호하기 위해 만들어진 테라코타 병사 의 거대한 군대에 이르기까지 고대 조각품의 기능은 뒤샹의 획기적인 작품을 통해 현대성으로 이동합니다.
그러나 고전은 항상 존재하며, 상징적인 자유의 여신상이든 고대 그리스 예술 에서 영감을 받은 보치오니의 20세기 초 조각품이든 마찬가지입니다 .
우리는 대중의 상상력을 사로잡은 다양한 예술 작품을 보여주기 위해 역사 전반에 걸쳐 유명한 조각품 20개를 살펴봅니다.
획기적이고, 아름답고, 종종 생각을 자극하는 이 작품들은 시간의 시험을 견뎌냈습니다.
빌렌도르프의 비너스 (BC 30,000-20,000경)
사진: MatthiasKabel via Wikimedia Commons ( GFDL 또는 CC-BY-SA-3.0 )
빌렌도르프의 비너스는 오스트리아 빌렌도르프에서 발견된 석회암으로 만든 4.4인치 높이의 작은 조각상입니다.
기원전 30,000년에서 25,000년 사이에 제작된 것으로 추정되며,
세계에서 가장 오래된 예술 작품 중 하나입니다.
이 조각상의 튀어나온 가슴, 둥근 복부, 균형 잡힌 엉덩이 때문에 많은 연구자들은 시간이 지나면서 이 조각상이 다산의 조각상 또는 "비너스 조각상"으로 의도된 것이라고 결론지었습니다.
투트모세의 네페르티티 흉상(기원전 1345년)
사진: Philip Pikart via Wikimedia Commons ( GFDL 또는 CC-BY-SA-3.0 )
베를린의 노이에스 박물관에 있는 이 석회암 흉상은 이집트 파라오 아크나텐의 위대한 왕비 네페르티티 의 아름다운 초상화입니다.
투트모세라는 예술가의 작업실에서
발견된 그의 상징적인 묘사 는 네페르티티를 수세기 동안 이상적인 여성적 아름다움의 상징으로 만들었습니다.
테라코타 전사(기원전 3세기 후반)
사진: Shutterstock 을 통한 Bule Sky Studio
테라코타 전사는 중국 시안에 있는 조각상 모음으로, 중국의 첫 번째 황제인 진시황의 군대를 묘사하고 있습니다.
전사 조각상 에는 8,000명의 군인, 130대의 전차, 670마리의 말이 있습니다.
이 조각상은 황제를 사후에 지키기 위해 만들어진 장례 예술의 놀라운 예입니다.
1974년에 농부가 우물을 파다가 황제의 무덤에서 약 1마일 떨어진 곳에서 우연히
발견했을 때야 발견되었습니다.
이 컬렉션의 일부는 종종 전 세계를 순회하는 전시회의 일부가 되며 시안에 있는 영묘는 1987년부터 세계문화유산으로 지정되었습니다.
이 작품은 3D 보도 예술 에서 피자 반죽
조각 에 이르기까지 모든 것에 영감을 주었습니다 .
라오콘과 그의 아들들 (기원전 323년경 ~ 기원후 31년)
사진: IR Stone via Shutterstock
16세기에 발굴된 이래로 라오콘과 그의 아들들은 미술사학자와 미술 애호가들의 관심을 끌었습니다.
로마의 바티칸 시국에 위치한 이 헬레니즘 조각품은 고대 그리스 신화를 바탕으로
한 액션이 가득한 장면에서 세 명의 대리석 인물을 묘사합니다.
전설에 따르면 라오콘은 트로이의 사제였으며, 두 아들 안티판테스와 팀브라이오스와 함께 신이 보낸 바다뱀에게 공격을 받았습니다.
원래 조각가는 여전히 미스터리이지만, 이 작품은 기술적 완성도와 감정적 충격으로 칭찬을 받고 있습니다.
사모트라케의 니케 (기원전 190년경)
사진: warasit via Depositphotos
루브르 박물관에 있는 사모트라케의 날개 달린 승리의 여신 또는 사모트라케의 니케 는 헬레니즘 그리스 조각의 상징적인 예입니다.
그리스의 승리의 여신인 니케를 묘사한 이 조각품은 그리스 원본이며 나중에 로마에서 복제한 것이 아닌 몇 안 되는 헬레니즘 조각품 중 하나입니다.
여신은 몸에 옷을 걸치고 마치 군대를 승리로 이끄는 배의 뱃머리에 있는 것처럼 승리감에 차서 앞으로 나아갑니다.
역사상 가장 유명한 조각품 중 하나이며, 나중에 움베르토 보치오니의 공간에서의
독특한 연속성 형태에 영향을 미쳤습니다 .
밀로의 비너스 (기원전 130년경)
사진: Bradley Weber via Wikimedia Commons ( CC BY 2.0 )
루브르 박물관에 있는 밀로의 비너스는 밀로스의 아프로디테 로도 알려져 있으며 , 그리스의 사랑의 여신 아프로디테를 묘사한 것으로 여겨진다.
이 대리석 조각상은 높이가 6피트 8인치이고 팔이 없는 것으로 유명하다.
시간이 지나면서 팔다리가 부러질 위험이 있었기 때문에 고대 조각상이 팔다리가 없는 경우가 드물지 않다.
이 세계적으로 유명한 조각상은 1820년 한 농부가
그리스의 밀로스 섬에서 두 조각으로 부러진 것을 발견했다.
이 작품은 오랫동안 예술가들에게 영향을 미쳤으며, 달리는 1936년에 서랍이 있는 밀로의 비너스를 만들었다 .
도나텔로(Donatello, 1430-1440)의 다비드
사진: Patrick A. Rodgers via Wikimedia Commons ( CC BY-SA 2.0 )
미켈란젤로의 다비드 보다
거의 100년 전 , 이탈리아 르네상스 조각가 도나텔로는 성경 이야기의 상징적인 버전을 만들었습니다.
가장 유명한 청동 조각품 중 하나인 도나텔로의 다비드는 골리앗을 막 죽인 탓에 더 젊고 사색적입니다.
사실, 도나텔로는 골리앗의 머리와 다윗의 칼을 구조물의 지지대로 교묘하게 사용합니다.
이 조각품은 당시 스캔들을 일으켰는데, 다비드는 부츠만 제외하고는 알몸이었고 너무 자연스러워서 불쾌하다고 여겨졌기 때문입니다.
이 초기 르네상스 조각품은 지지대가 없는 최초의 청동 주조 조각품이자 고대 이후로 최초의 독립형 남성 알몸이라는 특징을 가지고 있습니다.
미켈란젤로의 다비드 (1501-1504)
사진: Jörg Bittner Unna via Wikimedia Commons ( CC BY 3.0 )
원래는 피렌체 대성당의 지붕을 위해 의뢰되었지만, 미켈란젤로는 그 일을 맡았을 때 불과 26세였다.
역사상 가장 상징적인 조각품 중 하나인 미켈란젤로의 대형 다비드는 침착하고 차분하며, 어깨에 새총을 메고 자신 있게 골리앗을 상대하기를 기다리고 있다.
미켈란젤로의
기술은 다비드의 손에 튀어나온 혈관에서부터 자세에서 콘트라포스토를 능숙하게 구사하는 것까지, 세부 사항에 대한 주의에서 드러난다.
미켈란젤로의 모세 (1513-1515)
사진: Livioandronico2013 via Wikimedia Commons ( CC BY-SA 4.0 )
미켈란젤로는 다윗을 본떠 성경의 인물이자 예언자를 묘사한 모세를 만들었습니다 . 이 조각상은 모세 를 그의 특징적인 뿔과 함께 묘사하고 있으며 교황 율리우스 2세의 웅장한 무덤의 중심 장식으로 사용됩니다.
산 피에트로 교회에 위치한 모세는 미켈란젤로의 비할 데 없는 예술적 능력을 보여주며 , 대리석으로 깎아낸 얼굴임에도 불구하고 완벽하게 섞여 있고 매우 부드럽습니다.
Gian Lorenzo Bernini(1621-1622)의 프로세르피나의 강간
미국에서 자유를 상징하는 것으로 알려진 자유의 여신상은 프랑스 정부가 선물한 구리 조각상으로, 로마의 여신 리베르타스를 나타내는 약탈당한 모습을 보여줍니다.
그녀는 팔에 미국 독립 선언서 날짜가 적힌 명판을 들고 있습니다.
이 선물에 대한 아이디어는 프랑스 노예제 폐지 협회 회장인 에두아르 르네 드 라불레가 남북 전쟁에서 연방의 승리와 노예제 폐지를 기념하고 기리기 위해 생각해 냈습니다.
현재 이 유명한 조각상과 연관되는 녹색 녹청은 구리가 산화되면서 1900년 이후에야 나타났습니다.
자유의 여신상은 프레데릭 오귀스트 바르톨디가 설계하고 구스타브 에펠(1876-1886)이 건설했습니다.
사진: byvalet via Shutterstock
미국에서 자유를 상징하는 것으로 알려진 자유의 여신상은 프랑스 정부가 선물한 구리 조각상으로, 로마의 여신 리베르타스를 나타내는 약탈당한 모습을 보여줍니다.
그녀는 팔에 미국 독립 선언서 날짜가 적힌 명판을 들고 있습니다.
이 선물에 대한 아이디어는 프랑스 노예제 폐지 협회 회장인 에두아르
르네 드 라불레가 남북 전쟁에서 연방의 승리와 노예제 폐지를 기념하고 기리기 위해 생각해 냈습니다.
현재 이 유명한 조각상과 연관되는 녹색 녹청은 구리가 산화되면서 1900년 이후에야 나타났습니다.
로댕의 사상가 (1880년, 1904년 주조)
프랑스 조각가 오귀스트 로댕 의 이 걸작은 원래 시인이라는 제목이었으며 실제로는 지옥의
문 이라는 더 큰 작품의 일부가 될 예정이었습니다 . 사상가는 실제로
미켈란젤로의 조각품 Il Penseroso ( 사상가 ) 와 유사점을 발견한 주조 노동자들에 의해 제목을 변경하여 독립적인 예술 작품이 되었습니다.
이 유명한 조각품은 28개의
전신상 주조로 여러 번 주조되었지만 많은 것은 로댕의 생전에 만들어지지 않았습니다.
로댕 미술관은 종종 철학을 표현하는 데 사용되는 이 인물의 최초의 실물 크기 주조를 전시하는 영광을 얻었습니다.
Umberto Boccioni의 공간에서의 연속성의 독특한 형태 (1913, 1931년 캐스팅)
사진: Umberto Boccini via Wikimedia Commons (퍼블릭 도메인)
33세의 나이로 세상을 떠난 이탈리아 예술가 움베르토 보치오니는 예술계에 엄청난 영향을 미쳤습니다.
미래주의 운동의 미학을 형성하는 데 도움을 준 그는 형태의 역동성과 견고한 형상의 해체에 관심이 있었습니다.
현재 뉴욕 MoMA에 있는 그의 Unique Forms of Continuity in Space 는 그의 아이디어의 정점입니다.
바람에 휘날리는 움직임을 암시하는 매끈한 청동은 현대 기계를 수용하는 동시에 고대 과거에 대한 경의를 표합니다.
에너지가 넘치는 이 작품은 보치오니의 소원인 "인형을 펼쳐서 그 주변에 있는 모든 것을 그 자체로 통합하게 하자"를 충족합니다.
뒤샹의 분수 (1917)
사진: Marcel Duchamp Wikimedia Commons (퍼블릭 도메인)
마르셀 뒤샹은 레디메이드 Fountain , 도자기 소변기 로 예술 작품을 뒤집어 놓았습니다 . 다다 예술가는 처음에 뉴욕에서 열린 전시회를 위해 Society of Independent Artists에 작품을 제출했지만 거부당했습니다.
당시 이 스튜디오에서 Alfred Stieglitz 가 촬영한 원본 은 지금은 사라졌지만 뒤샹은 1960년대에 여전히 존재하는 수많은 복제품을 의뢰했습니다.
이 획기적인 작품을 통해 뒤샹은 예술 작품을 고려할 때 전통적인 장인 정신이나 미학 개념이 중요한지 여부를 생각하게 합니다.
다니엘 체스터 프렌치가 디자인하고 피치릴리 형제가 조각한 링컨 기념관(1920년)
원래 높이가 10피트로 설계되었던 미국의 16대 대통령의 대리석 조각상은 머리부터 발끝까지 19피트로 확대되었습니다.
링컨 기념관의 나머지 부분을 형성하는 웅장한 사원 구조 안에 앉아 묵상하는 링컨을 묘사합니다 . 1930년대부터 이 공간은 미국의 인종 관계의 상징으로 중요성을 얻었습니다.
에드가 드가의 14세 꼬마 댄서 (1922)
사진: Edgar Degas via Wikimedia Commons ( CC0 1.0 )
춤의 유화로 널리 알려진 에드가 드가는 조각품도 만들었습니다.
14세의 어린 무용수는 모델인 파리 오페라 발레 댄스 학교의 발레리나 마리 반 괴템의 키의 1/3 높이인 청동 조각품입니다.
이 조각품은 허리에 진짜 튜튜를 두르고 머리에 실크 리본을 두른 것이 특징으로, 흥미로운
사실주의적 측면을 더합니다.
흥미롭게도 드가는 원래 왁스로 조각품을 만들었고, 그 이후로 28개의 청동 주조 복제품이 만들어져 전 세계 박물관에 전시되었습니다.
콘스탄틴 브랑쿠시(Constantin Brancusi)의 우주 속의 새 (1923)
Bird in Space 는 루마니아 예술가 콘스탄틴 브랑쿠시 가 만든 일련의 조각품으로 , 첫 번째는 1923년에 주조되었습니다.
7개는 대리석으로 만들어졌고 9개는 청동으로 주조되었습니다.
브랑쿠시는 새의 물리적 묘사에 집중하기보다는 움직임의 느낌을 묘사하고자 했습니다.
동물의 날개와 깃털을 벗기고 부리와 몸통을 길게 하면 매끈한 형태가 나타납니다.
대칭과 조화의 걸작인 이 조각품은 2005년 경매에서 2,350만
달러에 판매되어 기록을 세웠습니다.
당시 조각품으로는 최고 기록이었습니다.
현재 원래 대리석 버전은 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관에 있습니다.
제프 쿤스의 Balloon Dog (1994-2000)
그를 좋아하든 싫어하든, 제프 쿤스는 20세기에서 가장 기억에 남는 예술 작품 중 일부를 만든 사람입니다 . 2013년, 투명한 코팅이 된 스테인리스 스틸로 만든 그의 Balloon Dog (오렌지)는 2013년 크리스티 경매에서 5,840만 달러에 팔리면서 살아있는 예술가의 기록을 세웠습니다.
장난기 어린 아이의 파티 선물을 기념비적인 조각품으로 바꾸는 시리즈의
일부인 쿤스는 또한 파란색, 자홍색, 빨간색, 노란색으로 다른 버전을 만들었습니다.
루이스 부르주아의 마망 (1999, 2001년 캐스팅)
사진: Rudy Mareel via Shutterstock
높이가 30피트가 넘는 빌바오 구겐하임 미술관의 루이스 부르주아 의 ' 마망 '은 신체적, 심리적 힘을 결합한 걸작입니다.
크기가 인상적인 이 거대한 거미 조각상은 태피스트리를 수리하던 작가의 어머니와
관련이 있습니다.
26개의 대리석 알이 든 주머니를 맹렬히 보호하는 거미는 그 크기로 두려움을 유발하지만, 언제든지 쓰러질 듯한 장대 같은 다리로 취약함을 보여줍니다.
거미는 부르주아의 작품에서 반복되는 주제로, 1947년 드로잉에 처음 등장한 후 1996년 조각품 ' 거미'를 포함하여 그녀의 경력 내내 계속되었습니다 .
아니쉬 카푸어의 클라우드 게이트 (2004)
사진: photo.ua via Shutterstock
아니시 카푸어는 지구상에서 가장 검은 페인트를 독점적으로 라이선스하여 논란을 일으키지 않을 때는 헤드라인을 장식하는
조각품으로 유명합니다.
시카고 밀레니엄 파크 의 가장 유명한 공공 예술 작품 중 하나인 클라우드 게이트는 액체 수은에서 영감을 받았습니다.
카푸어는 디자인 콘테스트에 제출한 후 의뢰를 받았고, 디자인은 논란의 여지가 있었지만(많은
사람이 이 매끄러운 디자인은 건설 및 유지 관리가 불가능하다고 믿었음) 지금은 도시의 사랑받는 부분이 되었습니다.
크고 작은 동물들이 Georgie Seccull 의 역동적인 스타일로 재창조되었습니다.
호주 출신의 이 예술가는 수많은 금속 조각을 사용하여 고양이, 새, 기타 생물의 표현력 있는 조각품을 만들어내며, 각 작품을 에너지로 가득 채우는 곡선을 만들어냅니다.
스테인리스 스틸은 세컬이 선택한 매체이지만, 그녀는 그것을 구불구불한 형태로 재형성하여 훨씬 더 유동적으로 보이게 합니다.
그녀는 "저는 단단하고 무거운 스틸을 삶과 힘의 유동적인 표현으로 엮어내며, 항상 조각들이 흐름과 결과를 지시하도록 합니다.
"라고 말합니다 . "이러한 창조의 여정을 통해, 비현현에서 현현으로, 영에서 물질로, 저는 항복의 힘과 반대 세력의 화해에 대한 신뢰에 경외감을
느낍니다.
"
각 조각품은 수십 개의 개별 금속 조각으로 구성되어 있는 것처럼 보입니다.
그들은 서로 위에 겹쳐지고, 때로는 땋은 끈처럼 서로 얽히다가 동물의 최종 형태를 이룹니다.
이 스타일에서 조각품은 가볍게 보일 뿐만 아니라, 언제든지 행동에 옮길 수 있는 것처럼 보입니다.
아래로 스크롤하여 Seccull의 더 놀라운 조각품을 감상하고, Instagram 에서 아티스트를 팔로우하여 최신 업데이트를 받아보세요.
물결치는 근육, 두꺼운 뿔, 그리고 바람을 느낄 수 있을 만큼 사실적인 털— 주세페 루메리 오는 가장 본질적인 해부학적 세부 사항으로 생생한 동물을 조각하여 나무 생물에 생명을 불어넣습니다.
이탈리아 북부의 작은 마을인 오르티세이에 자리 잡은 이 재능 있는 조각가는 숨 막힐 듯한 조각으로 목공 커뮤니티에서 이름을 떨쳤으며, 자연에 대한 그의 매혹을 분명히 표현했습니다.
그의
모든 나무 조각품은 꼼꼼하게 손으로 조각되었으며, 예술가에서 창작물로 흐르는 진정한 삶의 감각을 드러내는 복잡한 세부 사항을 보여줍니다.
루메리오가 책과 그림을 포함한 다양한 요소를 활용하여 역동적이고 생동감 넘치는 동물원을 창조함에 따라 그의 작품 각각은 독특하게 생명을 시작합니다.
루메리오는 "저는 동물을 관찰하는 데 큰 열정을 가지고 있습니다.
"라고 인정합니다.
"그래서 제 작품의 대부분은 동물을
자연스러운 스타일로 보여줍니다.
" 30년 이상의 경험을 가진 이 조각가는 그 전의 거장들로부터 단서를 얻어 기술을 미세하게 조정했습니다.
사실, 목각은 루메리오의 지역 사회에서 300년 된 전통이며, 작가 자신도 14세의 나이에 첫 번째 견습을 시작했습니다.
오늘날 그는 세계적인 명성을 얻은 거장 조각가로, 그를 둘러싸고 영감을 주는 웅장한 자연에 대한 성지 역할을 하는 작은 스튜디오에서 인상적인 작품을 만들고 있습니다.
모래 조각품에 대해 생각할 때, 성이 가장 먼저 떠오를 것입니다.
하지만 모래로 작은 건물을 짓는 것 외에도 할 수 있는 일이 많습니다.
예술가 안도니 바스타리카가 그 증거입니다.
그는 너무나 생생해서 볼 때마다 두 번이나 보게 될 사실적인 동물 초상화를 만듭니다 . 바스타리카는 환상을 만들기 위해 모래를 단단히 채워 털과 주름과 같은 질감을 위한 빈 캔버스를 만듭니다.
그는 모래를 색칠하는 돌가루와 필요에 따라 다른 재료로 사실감을 더합니다.
그 결과 동물은
바다가 보이는 땅에 누워 있는 것처럼 보입니다.
바스타리카는 2010년 여름 해변에서 딸들과 놀다가 이 독특한 조각품에 재능이 있다는 것을 깨달았습니다.
"그 순간부터 저는 이 길을 따라야 한다는 것을 분명히 알았습니다.
" 그는 My Modern Met에 이렇게 말합니다.
"가을, 겨울, 이른 봄과 같이 해변이 비어 있는 계절에
2년 동안 연습했습니다.
" 그 후, 그는 자신의 재능을 다른 사람들과 공유할 준비가 되었다고 느꼈습니다.
바스타리카가 동물을 포함한 "누드" 대상을 조각하는 것을 선호하는 데에는 이유가 있습니다.
그는 "자연 자체와 마찬가지로"라고 설명합니다.
"아무것도 직선이 없고, 모든 것이 둥글고, 모든 것이 유동적이며, 모든 것이 나선형으로 만들어집니다.
따라서 알몸을
모델링하는 데 주걱과 같은 금속 도구가 필요하지 않았습니다.
저는 제 손의 높은 민감성 덕분에 간단히 손으로 모델링할 수 있었습니다.
그리고 손으로 표현을 찾고 달성한 후, 새 깃털과 뾰족한 막대기를 사용하여 세부 사항을 파헤치기 시작했습니다.
"
바스타리카는 관객과 연결고리를 찾는 대상의 정신을 불러일으키는 데 깊은 관심을 가지고 있습니다.
그는 "사람들이 모래와 물로만 만든 조각품을 마치 실제인 것처럼 혼동할 수 있다는 사실에 매료되었습니다.
"라고 말합니다.
"제가 만든 조각품에는 생명이 있고 영혼이 있습니다.
그것은 대지모신과 같은 영혼입니다.
제 조각품은 대지모신과 가장 밀접하게 연결된 모든 동물을 대변합니다.
이를 위해 저는 자연이 전달하는 지혜, 힘, 아름다움에 초점을 맞춥니다.
"
아래로 스크롤하여 Bastarrika의 놀라운 작품을 감상하고 Instagram 에서 그를 팔로우하여 그의 다음 작업을 살펴보세요.
대지모신과 같은 영혼이죠." 바스타리카가 My Modern Met에 말했다.
"
가가 1,000년 후 고대 예술을 어떻게 볼지 다시 상상하다
고고학은 고대 유적지를 발굴하고 유물을 분석하여 과거에 대해 더 많이 알아내는 관행입니다.
하지만 우리의 후손들이 과거를 돌아보고 수백 년, 심지어 수천 년 전의 삶이 어땠는지 알아내려고 노력할 때, 고고학은 미래에 어떤 모습일까요? 이것이 다니엘 아샴이 그의 새로운 전시, VENICE 3024 에서 인류의 집단적 문화적 기억을 기리기 위해 상징적인 유물을 사용하면서 답하려는 질문입니다 .
VENICE 3024 는 이름에서 알 수 있듯이 1,000년 후의 미래로 관객을 초대하여 고전 예술과 현대 발명품을 호기심 많은 고고학자가 자신보다 먼저 살았던 사람들에 대해 더 많이 알아보려는 방식으로 관람객을 초대합니다.
처음에는 고대 조각품을 포함하여 유명한
상징의 복제품이 쇠퇴하고 기술적 변형이 이루어진 상태로 전시되어 있어 당혹스러울 수 있지만, 그러한 느낌은 Arsham이 자신의 전시를 통해 이루고자 하는 바가 거의 확실합니다.
결국 그의 거의 모든 작업은 허구적 고고학의 개념을 중심으로 전개되며, 인간이 과거, 현재, 미래의 자신의 역사에 대해 생각하게 하는 예술을 만드는 데 익숙합니다.
VENICE 3024가 들어설 갤러리는 폐쇄된 로마 가톨릭
성당 자체로, 이 건물은 인류가 문화 및 종교 기관과 끊임없이 발전해 온 관계를 보여줍니다.
고대 유물 외에도 오늘날의 상징도 많이 전시되어 있어, 구경꾼들에게 우리의 현재가 언젠가는 다른 누군가의 집단적 과거가 될 것이라는 사실을 상기시켜줍니다.
Arsham은 기능적 자동차와 모터 스포츠 차량을 개조한 경험이 있으며, 개조된 MV Augusta Superveloce 800이 그의 최신 캔버스입니다.
이 모델은 전형적인 이탈리아 모델로, 전시에 완벽하며, 1940년대에 출시된 이후로 복고풍 디자인으로 전 세계적으로 성공을 거두었습니다.
작가는 오토바이를 Eroded Blue Calcite Superveloce 800 으로 재구성 하여 노화를 암시하는 결정질 외관을 부여했습니다.
인상적인 점은 오토바이가 여전히 완벽하게 작동하며, 작가가 원한다면 갤러리에서 운전해서 거리로 나갈 수 있다는 것입니다.
Arsham은 유명한 조각가일 뿐만 아니라 재능 있는 화가이기도 하며, 그의 2차원 작품 몇 개가 VENICE 3024 에 전시되었습니다.
이러한 그림 중 하나는 고전 미술과 애니메이션의 양식화된 현대성을 융합하여 캔버스의 절반에 고대 여성 동상의 특징이 포함되었다가 젊은 애니메이션 소녀 의 얼굴로
흘러들어갑니다 . 그의 진행 중인 Fractured Idols 시리즈 에 속한 이 작품은 양쪽의 색 구성표를 교묘하게 뒤집어 애니메이션 소녀의 수평으로 닦은 갈색 배경과 갈색 톤의 동상, 그리고 동상의 그라데이션 회색 배경과 애니메이션 소녀의 회색조 색상을 병치합니다.
이는 인간의 예술이 수세기에 걸쳐 변화했지만 여전히 같은 재료로 구성되어 있다는 것을 상기시켜줍니다.
VENICE 3024는 2024년 9월 15일까지 이탈리아 베니스의 Chiesa di Santa Caterina에 전시됩니다.
Arsham과 그의 작업에 대한 자세한 내용은 그의 Instagram 과 웹사이트를 확인하세요 .