우리는 올리비에로 토스카니에게서 무엇을 배웠고 잊었나요?

다각적이고 복잡하며 창의적으로 혁명적인 사람인 올리비에로 토스카니(Oliviero Toscani)에 대해이미 모든 것이 언급되었습니다 .
그의 사진은 재현에 국한되지 않고 피상적이지 않고 토론을 자극하고 깊은 대화를 자극하는 것을 목표로 했습니다.
Provoke는 그의 표어였습니다.
그의 이미지에 사회적 비난이라는 주제를 포함시키는 것은 베네통과의 협력의 시작과 일치합니다.
인종차별, 에이즈, 거식증: 논란을 불러일으키고 이탈리아 광고계의 한 시대를 장식한 논쟁의 여지가 있는 주제입니다.
오늘 우리는 그의 캠페인의 유산과 사진가이자 아트 디렉터로서의 그의 작업에 대해 자문해 봅니다.
집단기억 속에 무엇이 생생하게 남아 있고, 그러나 잊혀진 것 같은 것은 무엇인가?

집단 기억 속에 생생하게 남아 있는 것은 가장 도발적이고 상징적인 이미지입니다.
1973년 Jesus Jeans 캠페인은나를 사랑하는 사람은 나를 따르세요라는유명한 슬로건이 바닥에 인쇄되어 이미 화제를 불러일으켰고 사람들이 토스카니에 대해 이야기하게 만든 이미지입니다.
도발 기술의 대가로서; 백색, 검정색, 노란색이라는 단어가 새겨진 인간의 세 심장 사진, 신부와 수녀의 포옹, 말기 에이즈 환자, 유명한 놀리타의 거식증 반대캠페인 등이 있습니다.

특히 후자는 극도로 마른 문화에 대한 강력한 비난 행위였습니다.
캠페인의 주인공은 거식증을 앓고 있는 이사벨 카로(Isabelle Caro)였습니다.
여론을 뒤흔들고 패션이 부과하는 미적 기준에 의문을 제기한 이미지입니다.
토스카니의 사진은 시간의 시험을 견뎌낸 이미지로 커뮤니케이션 역사와 집단적 상상력의 필수적인 부분이 되었습니다.

그러나 우리가 잊어버린 것 같은 것은 이러한 캠페인이 촉발시키려는 심오한 반성입니다.
그들의 목표는 관심을 끄는 것뿐만 아니라 대중이 편견과 사회적 금기에 맞서도록 유도하는 것이었습니다.
오늘날, 이미지와 빠른 콘텐츠가 지배하는 시대에는 메시지보다 시각적 충격이 만연하여 캠페인을 단순한 미학적 연습으로 축소하고 원래 의미를 망각할 위험이 있습니다.
이러한 상실 앞에서 우리가 할 수 있는 일은 사진의 세계뿐만 아니라 일상생활에서도 도발의 중요성을 잊지 않는 것입니다.

아말리아 세라피마키(Amalia Serafimaki) 사진 속의 빛, 몸, 자연

줄리아 귀도

아말리아 세라피마키는시간을 멈추는 능력을 가지고 있습니다.
그의 사진, 특히 수중 사진에서 우리는 언제 어디서나 있을 수 있지만, 언제, 어디서는 더 이상 중요하지 않습니다.

아테네를 기반으로 활동하는이 사진작가는모든 사진에서 인간의 연약한 아름다움과 대조되는 자연의 광대함과 강인함을 포착하려고 노력합니다.
우리는 젊은 여성의 몸이 날카로운 바위와 합쳐지고 나뭇잎 사이에 숨어 더 이상 아무것도 의미가 없는 바다 표면 아래로 잠수할 때까지, 모든 것이 더 느리고 더 조용하며 세상과 멀어지는 세계로 동행합니다.

Amalia Serafimaki는 9월 24일부터 30일까지 Luciana Matalon Foundation에서 열리는ImageNation Milan에 전시되는 사진작가 중 한 명입니다 .
그 기회에 우리는 그녀에게 몇 가지 질문을 할 수 있었고 사진에 대한 그녀의 열정이 어떻게 시작되었는지, 그녀가 사진을 통해 무엇을 말하고 싶은지, 그리고 우리가 전시회에서 무엇을 찾을 것인지에 대해 이야기할 수 있었습니다.

어떻게 사진에 입문하게 되었나요? 특별히 기억나는 순간이 있나요?

저는 10살 때 처음으로 카메라를 보고 매료되었던 기억이 납니다.
그 순간부터 나는 내 렌즈를 통해 세상을 발견하고 싶은 큰 열망을 갖게 되었습니다.
사진에 대한 열정이 없었던 때는 없었던 것 같아요. 즉석카메라를 사서 촬영하다가 길을 잃었던 기억이 납니다.
세상은 추상적이고 비언어적인 관점을 통해 쉽게 처리되었습니다.
색상과 질감을 통해 나만의 컨셉과 경험을 소개할 수 있었고, 자라면서 한 번도 그 일을 멈추지 않았습니다.

당신의 사진 스타일을 설명해주세요. 어떻게 경력을 쌓으면서 이 지경에 이르렀나요?

내 사진에서는 자연광만 사용합니다.
나는 장면의 방향성과 자연의 예측 불가능성을 결합하는 것을 목표로, 내가 사진을 찍을 것에 대해 명확한 선입견을 갖고 있는 경향이 있습니다.
자연광을 조작하면 지금의 상태가 가능해집니다.
나는 자연에 대한 깊은 존경심에서 비롯된 자연 채광 조건에 유연하게 적응하기 위해 일합니다.
수년간의 실험, 시행착오, 관찰 끝에 저는 독학을 했고, 예술적 정체성을 확인하는 유일한 열쇠는 성찰이라고 생각합니다.

우리는 다른 예술가들의 작품, 많은 영감의 원천, 그리고 우리를 산만하게 하고 솔직히 우리가 개별 예술가로서 제공해야 하는 것에서 멀어지게 할 수 있는 다양하고 매력적인 사고 방식에 둘러싸여 있습니다.
나는 운이 좋게도 내 미학에 귀를 기울이면서 개인적인 스타일을 발전시킬 수 있었고, 그것이 바로 나를 지금의 위치에 있게 해준 것입니다.
이 실험 과정에서 이러한 인식은 물론 돌이켜볼 수 있는 부분이자 나의 작업 과정을 정의하는 요소 중 하나입니다.

당신의 사진을 통해 무엇을 말하고 싶나요?

자연은 언제나 영감의 훌륭한 원천이었습니다.
나는 인간의 형태가 자연 요소와 대조되고 조화를 이룬다고 믿습니다.
우리가 그것에서 벗어나 진화했기 때문에 대조적이고, 원래의 집이기 때문에 조화롭습니다.
저는 모델들에게 눈을 감고 주변 환경에 집중하라고 요청합니다.
그러면 이야기가 저절로 생생해지는 경우가 많습니다.
나는 자연에 대한 이러한 친숙함을 사진을 통해 드러내고 싶다고 생각합니다.
내 사진에서 인간의 피부는 닿는 바위와 병치되어 있고, 머리카락은 물의 흐름을 따르며, 눈은 감겨져 있어 모든 통제력을 잃은 채 존재감을 유지하고 있습니다.
더욱이 나는 인간의 고독과 연약함의 상태를 물이라는 요소 속에서 훌륭하게 상징화하고 경험하는 모습을 포착하려고 노력합니다.
수면은 비밀스럽고 사적인 세계로 통하는 관문과 비슷합니다.
물 표면 아래에서는 방해 요소가 제거되고 움직임을 제어할 수 있는 능력이 제한됩니다.
모든 것이 느려집니다.
몸의 긴장감이 줄어들고 마음의 활동도 줄어들며 이미지는 더욱 시적으로 변합니다.
신체는 활기찬 환경과 수동성을 대조하고 자연 요소의 취약성을 노출시킵니다.
그리하여 강력하면서도 민감한 상태가 탄생하고, 마음의 고요함을 버리고 포용함으로써 자신의 진정한 자아를 드러내는 상태가 탄생합니다.

수중 촬영 시 가장 중요하게 고려하는 점은 무엇이라고 생각하시나요?

가장 중요한 부분은 모델과 연결하여 아이디어를 동기화하고 각 장면의 목적에 익숙해지는 것입니다.
자연 요소를 조작할 때 발생할 수 있는 기호가 너무 많습니다.
또한 각 모델에는 여러 가지 유용한 기능을 제공합니다.
그래서 그것들을 식별하고 결합하는 책임이 나에게 있습니다.
다이빙을 하고 촬영을 하기 전에 촬영에 대해 논의하는 것이 매우 중요합니다.
수중인물사진은 상호 신뢰를 바탕으로 한 아름다운 안무입니다.
당신이 몰입할 때, 그 경험은 문자 그대로의 것에서 상징적인 것으로 변합니다.
중력이 없으면 모든 것이 더 느리고 조용하게 떨어집니다.
이제 장면은 모델이 자신의 생각과 몸 속에서 느끼는 감정으로 구성됩니다.
당신은 당신이 사용할 수 있는 몇 초에 의존하고 명확하게 보거나 말할 수 없기 때문에 감각이 향상되어 춤과 같은 상호 작용을 만듭니다.
또한, 나를 가장 움직이게 하는 것은 물과 공기의 경계입니다.
바다의 표면은 거대한 거울, 문, 베일과 같습니다.
그런 다음 모델이 이러한 상징의 범위를 인식하도록 장려하면 모델의 신체가 자체적으로 접근하도록 초대됩니다.

당신과 당신이 찍은 사진에 있어서 편집 단계는 얼마나 중요합니까?

저는 리터칭을 많이 하지 않지만, 후반 작업은 사진의 초현실적인 요소를 높이는 것과 관련이 있는 경우가 많습니다.

수중 사진을 촬영할 때 중력은 더욱 복잡하며 마치 중력이 다른 곳에서 오는 것처럼 모델이 물 표면을 가지고 놀도록 안내하는 경우가 많습니다.
이는 시청자에게 현실에 대한 보다 간접적인 시각을 제공하기 위해 이미지를 회전할 것이라는 점을 아는 것이 좋습니다.
해저에 떨어지는 시체는 다른 세계에서 튀어 나온 시체처럼 쉽게 인식될 수 있습니다(“포털에서 볼 수 있음). 또한 내 사진의 대부분은 흑백이거나 차분한 색상을 사용하여 보다 신중하고 낮은 존재감을 보여줍니다.

문

9월 ImageNation Milan 전시회를 방문하기로 결정한 사람들은 무엇을 보게 될까요?

ImageNation Milan은 전 세계에서 가장 영감을 받고 성취도가 높으며 창의적인 사진작가들로 구성된 독특한 컬렉션을 보유하고 있습니다.
시청자는 초현실적이고, 세속적이며, 꿈 같고, 심지어는 다양한 초상화를 감상할 수 있는 기회를 갖게 될 것입니다.
이번 그룹전은 다양한 작가들의 다양한 시각을 제공할 예정이다.
각 작품은 그 자체로 아름답게 서 있지만 어떻게든 나머지 작품과 대화를 나눌 수 있어 이번 전시를 응집력 있고 다차원적으로 만들 수 있습니다.

사진술회견

Colin Pantall의 사진에 담긴 모성애의 감정적 부담

전통적인 가족 앨범은 사랑, 축하, 의식에 대한 이야기를 담고 있습니다.
Colin Pantall 은 그의 사진 시리즈The Mental Load of Motherhood를 통해대신 다른 영역, 즉 인생의 첫해에 어머니(Katherine)와 딸(Isabel) 사이의 거리와 이별에 대한 영역을 탐구하기로 선택했습니다.
Pantall은 이 단계를 모든 어머니와 모든 어린이가 직면하는 보편적인 경험이라고 설명합니다.
엄마가 한때 존재했던 자아의 그림자가 다시 떠오르는 '엄마와 아이의 유대감이 일시적으로 시험되고, 아이는 고립의 괴로움, 세상에 혼자 있는 느낌'을 경험하는 순간'.

2001년부터 Pantall은 알려진 것, 접근할 수 있는 것, 사랑받는 것을 사진에 담는 것이 실용적일 뿐만 아니라 매우 개인적인 행위라고 주장하면서 주변 환경에 대한사진 작업에 집중해 왔습니다 .
이 선택은 딸이 태어난 후 그녀의 사진이 가정의 일상과 얽히게 되면서 더욱 중요해졌습니다.
“경제적, 감정적 이유로 사진을 찍을 수 있는 곳은 집에서 가까워야 했습니다.
라고 그는 설명합니다.

가정 환경을 기록하는 것은 개인적인 표현의 가능성을 종종 제한하는 가족 돌봄의 맥락에서도 Pantall이 자신의 창의적인 면을 살아있게 유지하는 방법이었습니다.

Pantall은 또한 공동 부모로서의 특권에 대해 반성합니다.
“저는 일상적인 돌봄의 좌절감을 넘어 창의적인 자아를 확장하기 위해 카메라를 사용했습니다.
라고 그녀는 말합니다.
그러나 이 특권은 자신이 주요 감정적 참조 인물의 역할을 하고 있음을 알게 된 그의 아내에게는 동등하게 공유되지 않았습니다.
“위안이 필요하다면 그것을 제안한 사람은 바로 그녀였습니다.
라고 그는 말합니다.
“보살핌, 안심, 지원, 이 모든 것이 그녀에게 지속적이고 끊임없이 강렬하게 육체적인 방식으로 이루어졌습니다.
철저했어요.

Pantall은 The Mental Load of Motherhood를 통해모성 역할의 복잡성을 기록할 뿐만 아니라 간병의 감정적, 심리적 부담과 이러한 역동성을 관찰하고 포착할 수 있는 특권 사이의 격차를 강조하는 시각적 내러티브를 만들었습니다.
렌즈. 그 결과, 생생하고 친밀한 이야기가 탄생했으며, 이는 우리에게 모성의 의미를 가장 깊은 뉘앙스 속에서 성찰하도록 초대합니다.

Margot Arranca의 L'Essence Féminine

프랑스 사진작가Margot Arranca는장기사진 프로젝트인Essence Féminine에서 여성 신체의 취약성과 힘을 탐구합니다 .
1년에 걸쳐 개발된 이 시리즈에는 여러 여성이 참여하며 중심 주제인 많은 여성이 갖고 있는 신체 복합체를 다루고 있습니다.

사진 촬영 중에 마고는 모든 여성이 자신의 신체와 관련된 불안감을 어떻게 나타내는지 관찰합니다.
사회가 부과하는 엄격한 미의 기준에 영향을 받아 많은 사람들이 자신을 너무 과하다거나 충분하지 않다고 인식하게 됩니다.
이러한 복합체에는 종종 질병, 모성과 관련된 변화 또는 이별의 고통과 같은 개인적인 트라우마가 추가됩니다.

Essence Féminine프로젝트를 통해Margot은 예술적 초상화를 넘어서는 경험을 제공합니다.
주로 자연 속에서 진행되는 그녀의 세션은 여성이 자신의 감정과 다시 연결되고 자신의 몸의 진정성을 재발견할 수 있는 안전한 공간을 제공합니다.
“너무 완벽주의적이고 강요로 가득한 사회 앞에서 우리 여성의 몸의 해방은 여전히 ​​장애물로 가득 찬 길입니다.
라고 사진가는 말합니다.

Essence Féminine의 이미지는취약성을 강조할 뿐만 아니라 여성 신체의 고유한 힘을 찬양합니다.
부드러운 안내와 예술적인 접근 방식을 통해 마고는 주인공들에게 사진을 통해 볼 수 있는 내면의 대화에 몰입하도록 초대합니다.

Essence Féminine은 여성들이 수용과 개인적인 힘의 여정을 통해 콤플렉스와 트라우마를 넘어 자신의 아름다움을 재발견하도록 격려하는 프로젝트입니다.
마고트 아란카(Margot Arranca)의 감성 덕분에 각 이미지는 여성의 신체와 자연 및 사회와의 관계에 대한 새로운 관점을 제공하면서 용기와 진정성의 증거가 됩니다.

사진술르포르타주

Nanda Hagenaars의 사진 속 리드미컬하고 우울한 춤

“인생은 강과 같이 제 자신의 속도로 흐르며 우리를 고요함과 격동으로 가득한 여행으로 데려갑니다 – 사진작가Nanda Hagenaars는설명합니다 – “고요한 순간에는 마치 우리가 여유롭게 떠다니는 것처럼 잔잔한 흐름에 휩싸입니다.
보내는 시간. 이 순간 우리는 위안을 찾고, 물의 고요함으로 우리의 영혼이 고양됩니다.
하지만 잔잔한 물이 급류로 바뀌어 우리의 균형을 깨뜨리고 우리의 목적에 의문을 제기하게 만들 수 있습니다.

인생은 강과 같다
인생은 강과 같다

이 말로 Nanda Hagenaars(1988)는 그녀의 삶에 대한 비전을 엿볼 수 있게 해주며 그녀의 샷을 이해하기 위한 힌트를 제공합니다.
Hagenaars는 그의 렌즈를 통해 이러한 삶의 썰물과 흐름을 포착합니다.
그의 작품은시적이고직관적이며감성적이라고 설명할 수있으며 자신의 느낌과 감정을 이미지로 번역하려는 열망에 의해 추진됩니다.
시간과영원함이라는 개념 으로 인해 Nanda는흑백 사진에 집중하게 되었는데, 이는 그의 예술에 깊이와 영원함을 더하는 선택이었습니다.

연결 스킨

Nanda에게 카메라는 단순한 도구 그 이상입니다.
그것은 변화의 상징이다.
그의 렌즈를 통해 그녀의 새로운 관점이 보여진 것처럼, 그것은 그녀가 삶을 새로운 방식으로 보는 데 도움이 되었습니다.
그녀는 사진을 자신을 성장하고 발견하는 수단으로 활용한다고 믿습니다.
사물을 다르게 보는 것이 항상 쉬운 일은 아니지만 그렇게 하려고 노력합니다라고 그는 말합니다.
이 철학은 그의 실천에 반영됩니다.
그는 물만 보는 것이 아닙니다.
그는 또한 자신의 반성을 본다.
이러한 관점은 그가 포착하는 모든 것까지 확장되어 항상 새로운 구도를 찾고,항상 숨겨진 아름다움을 드러내고 싶어합니다. Nanda는 빛과 그림자를 가지고 놀면서리드미컬하면서도 우울한 춤을만들어냅니다 .

“강이 풍경을 따라 길을 개척하는 것처럼 우리가 직면한 어려움도 우리를 형성합니다.
시련과 고난, 불확실성과 의심의 순간은 모두 우리 개인의 발전에 기여합니다.
그들은 우리에게 회복력, 인내, 적응의 기술을 가르칩니다.
우리는 인생의 진정한 아름다움은 장애물이 없는 데 있는 것이 아니라 그것을 극복할 수 있는 능력에 있다는 것을 배웁니다.
그리고 여행을 계속하면서 우리는 강처럼 우리도 항상 진화하고, 항상 앞으로 나아간다는 것을 알고 삶의 흐름을 신뢰하는 법을 배웁니다.

Nanda Hagenaars의 세계에서는 모든 사진이 이 철학을 반영합니다.
그녀는 자신의 렌즈를 가이드로 삼아 하천 생활의 복잡한 복잡성을 탐구하고 모든 사진에서 의미와 아름다움을 찾는 데 우리를 초대합니다.

Nanda Hagenaars는 2023년 9월 22일부터 24일까지 밀라노의 Matalon Foundation에서 열리는Collater.al Photography전시회 에서 자신의 사진 중 하나를 선보일 예정입니다.

할렘. 바로 할렘. 오직 할렘뿐입니다.

Sole Harlem은 Louise Amelie 가2017년에서2018년사이에 촬영한사진 프로젝트로뉴욕의 가장 상징적인 지역 중 하나에 대해 이야기합니다.
Philip Malzahn이 편집한 비평 텍스트에서우리는 역사에 대해 이야기하지만 무엇보다도 이 지역에 사는 사람들의 경험에서 잘 정의된 경로에 대해 이야기합니다.
Amelie의 사진에서 우리는 역사적으로 맥락화된 분위기, 고정된 일상생활, 매우 강력한 의사소통력을 지닌 일상생활, 그리고 한꺼번에 말할 수 없는 무수한 이야기를 발견합니다.

Louise Amelie와 함께 할렘에서의 1년

이 프로젝트는 비평문에 적힌 대로 사진가의1년 간의 산책에서 탄생했습니다 .
2017년과 2018년 사이에 그녀는 할렘의 이야기 속으로 몸을 던졌습니다.
우연한 만남과사진작가가 이 동네를 발견하는 동안 발견한 그사이의 공간에서, 이제는 그의 이웃에 비해 점점 더 시원해지고 과장되게 고가가 되었습니다.
과거.시민권과패권에 대한항의, 반란으로 이루어진 과거.

Sole Harlem과 관련하여 Philip Malzahn은 방향 감각을 잃은 방문자의 실제 충돌에 대해 이야기합니다.
당신은이 장소에 대한 실제 지식과 일치하지 않는 것 같은 매우 구체적인 평판을가진 동네 한가운데에 있는 자신을 발견합니다. 아멜리에(Amelie)가 촬영한 이미지에서 시작하여 오늘날 할렘이 나타내는 것은 모순으로 가득 찬 길고 소란스러운 역사로 강화된 장소인데, 이제는 공격적이고 모순적인 젠트리피케이션을 호하는 것으로 보입니다.

사진술르포르타주

멜리사 슈릭(Melissa Schriek), 신체 자체가 환경의 일부일 때

Melissa Schriek은 신체의 시각적 힘과 몸짓을 사용하여 신체가 배치된 환경의 필수적인 부분으로 만드는 네덜란드 사진가입니다.
천상의 인물들은 그들 자신이 이질적이고 동시에 없어서는 안 될 존재로 표시한 공간 내에서 자유롭게 떠다니는 것처럼 보입니다.

“신체는 그 자체로 모순인 것 같습니다.
저는 이러한 모순에 매료되었습니다.
그것은 극적이지만 아이러니하기도 합니다.

인간 관계는 신체가 신체적, 정서적 연결을 위한 도구로 사용되는 글로벌 디자인의 일부가 됩니다.
예술가는 그의 연구가 즉각적으로 자발적인 필요성으로 드러났다고 선언했습니다.

“어렸을 때부터 나는 내 몸에 매료되었습니다.
모양을 잡는 방법, 조각하는 방법, 움직이는 방법. 그것이 제가 어렸을 때 춤을 추었던 이유이고, 이러한 관심과 사진에 대한 관심을 혼합하여 학문 분야를 통합할 수 있다는 것을 깨닫는 데 시간이 좀 걸렸습니다.

춤에 대한 경험과 예술적 감수성을 활용하여 Melissa Schriek은 신체의 가장 순수한 본질을 나타내는 이미지에 목소리를 부여했습니다.

사진술사진술

클라우디아 푸게티(Claudia Fuggetti)가 각본을 맡은 작품

다리오 베르고스의 마다가스카르 사진 여행

마다가스카르 중심부, 외딴 마을과 농촌 지역에서이탈리아 사진작가이자 비디오 저널리스트인Dario Athanasio Vergos는단순한 시각적 기록을 넘어서는 프로젝트를 만들었습니다.
파머스(Farmers)는 농촌 생활에 대한 필터링되지 않은 진정성 있는 이야기이자 회복력, 전통, 인간과 자연 사이의 심오한 연결을 드러내는 여정입니다.

Vergos는 Farmers를통해자신의 개인적인 접근 방식을 토지와 밀접하게 접촉하여 살아가는 남성, 여성 및 가족의 현실을 탐구하도록 초대합니다.
각 이미지는 일상생활과 친밀감의 순간을 포착하여 외부 눈에는 종종 보이지 않는 세계를 드러냅니다.

사진 프로젝트는 삶이 자연과 불가분하게 얽혀 있는 마다가스카르의 가장 고립된 마을에 초점을 맞추고 있습니다.
Vergos는 원시적이고 진실한 이미지를 통해 농업 공동체의 습관, 도전, 기쁨의 순간을 이야기합니다.
각 장면은 멀리 있지만 심오한 인간 현실을 들여다보는 열린 창이 되어 묘사되는 사람들의 존엄성을 기념합니다.

Farmers는인간, 자연, 생존 사이의 연관성에 대한 성찰을 촉발하는 것을 목표로 합니다.
단순히 보여주는 것이 아니라 사람들이 단순성과 회복력을 바탕으로 번영하는 세상을 이해하고 존중하게 만드는 것입니다.

Farmers이미지는단순한 시각적 문서가 아닙니다.
지리적, 문화적 경계를 초월하는 이야기입니다.
Vergos는 모든 세부 사항이 힘과 적응에 대한 이야기를 전달하는 감정적이고 지적인 여정에 시청자가 몰입하도록 초대합니다.

Farmers는단순한 사진 보도 그 이상입니다.
이는 세계를 연결하는 다리이자 시골의 일상생활에 숨어 있는 아름다움을 발견하고 그 너머를 바라보도록 초대하는 것입니다.
Dario Vergos의 작업 덕분에 이 이야기는 의미가 풍부한 만큼 먼 우주에 대한 존경과 호기심을 불러일으키는 목소리를 찾습니다.

사진술검정색과 흰색

Eric Davidove와 거리 사진에 대한 사랑

전직 길거리 마임이 사진작가가 된 과정은 거리 사진과 연결됩니다.

Eric Davidove는 거리 사진에 대한 열정을 갖고 도시 생활의 일시적이고 종종 간과되는 순간을 포착하는 작품을 만들어낸사진작가입니다 .
Davidove는 2014년부터 샌프란시스코 베이 지역의 거리를 걸으며 유머, 기묘함, 때로는 초현실적인 인간 행동의 본질에 초점을 맞춰왔습니다.
그의 작품은 일상생활의 아름다움에 대한 통찰력을 제공하여 우리가 속도를 늦추고 주변 세계와 연결되도록 일깨워줍니다.

거리 사진에 대한 Davidove의 길은 거리 마임으로서의 경험에 큰 영향을 받았습니다.
이 경험을 통해 그는 인간의 행동을 예측하고 장난스러운 유머나 풍자의 순간을 포착한 것처럼 보이는 사진을 만드는 독특한 능력을 갖게 되었습니다.
그의 이미지는 단순한 즉흥적인 촬영이 아니다.
그것은 그의 거리와의 직관적인 연결을 반영하는 시간의 조각들을 주의 깊게 관찰한 것입니다.
자연스러운 상호 작용이든 덧없는 순간이든 그의 사진은 도시 생활에 내재된 부조리와 유머를 말해줍니다.

그의 사진 프로젝트는 주로 캘리포니아의 도시 환경에서 촬영된 자연스러운 순간의 모음입니다.
이러한 순간은 시간을 멈추고 그 순간을 불멸로 만드는 Davidove의 눈이 아니었다면 종종 덧없고 사소하며 쉽게 간과됩니다.

Zhong Lin의 자기 사진

말레이시아 사진작가 종린(Zhong Lin)의 사진을 보면가장 먼저 눈길을 끄는 특징은 단연컬러의 활용이다.
사실 그녀는 그것이 자신의 스타일을 정의하는 유일한 디테일이라고 생각하지 않더라도 후자의 사용에 매우 조심스럽고 민감하며 특히 빨간색, 주황색, 파란색을 선호한다는 것을 그녀 스스로 인정합니다.

스스로 다양한 기법을 연구하고 실험하며 사진에 접근한 사진가는 영화 촬영을 시작으로자발성에 집중했다 .
그녀가 사설이나 패션 캠페인 세트에 있을 때 묘사하기를 좋아하는 것은 한 장면과 다른 장면 사이의 순간, 즉 최소한으로 생각하고 구성한 장면, 즉 실제 장면입니다.
그러나 그녀는 촬영장에서 일하지 않을 때 자신과 다른 사람과 라이프 스타일, 익숙했던 것과는 다른 일상의 아름다움을 불멸화하기 위해 세계를 여행합니다.

그녀의 사진의 자력과그것을 구별하는시대를 초월한 매력으로 인해 그녀는 Vogue, ELLE, Harper's Bazaar 등 다양한 국가의 유명 패션 잡지, Vanity Fair, Esquire, Marie Claire, Cosmopolitan China, Grazia China, 나일론 차이나 등 유명패션잡지에 등장하게 되었습니다.
, W Korea, InStyle China, L'Officiel, Milk X등 다수.하지만 그뿐만 아니라 자신의 모델을 익숙한 영역에서 밀어내는 그녀의 능력 덕분에 카메라에 대한 그녀의 남다른 접근 방식 때문에 그녀와 함께 작업하기로 선택한 많은 예술가 및 연예계 인사들과 협력할 수 있었습니다.

그녀는 현재 2020년 4월 23일부터 365일 동안 하루에 한 장씩 촬영하는 Project 365 사진 콘테스트를 진행하고 있습니다.
이는Instagram에서 그녀를 팔로우하는 모든 사람들과 세상, 아름다움, 예술에 대한 자신의 비전을 공유하는 방법입니다.
그들은 그녀와 똑같은 놀라운 열정을 공유합니다

사물의 출현: 조슬린 리의 사진에 담긴 삶과 죽음

뉴욕 사진작가조슬린 리(Jocelyn Lee) 는 프랑스 철학자 모리스 메를로 포니(Maurice Merlau-Pony)의 말을 인용해 자신의 작품을 자신의웹사이트에 소개하기로 결정했습니다 .

“눈에 보이고 움직일 수 있는 내 몸은 사물 중의 사물입니다.
그것은 세상의 구조에 갇혀 있고 그 응집력은 사물의 응집력입니다.
그러나 스스로 움직이고 보기 때문에 사물을 자기 주위에 맴돌게 합니다.

사진 프로젝트 사물의 출현에서 표현되는 주인공은탄생, 개화 및 죽음의 단계를 설명하는 생명주기입니다.
그러나 그의 이야기의 진정한 본질은 인간이 일부인 자연 전체입니다.
아티스트는 프로젝트에 대해 다음과 같이 덧붙입니다.

“이러한 촉각적, 광학적 경험에 접근하려고 시도하고 우리가 어떻게 구체화되고 일시적인 세계에 얽매이는지 탐구합니다.
인간의 형태와 존재를 포함한 모든 생명은 탄생, 꽃피움, 죽음의 단계를 거친다.

사실 우리 모두는 풍경 속에 갇혀 있습니다.
그의 사진 속 여성들은 자연스러운 방식으로 자연의 맥락에 통합되어 엄청난 자유로움을 전달합니다.

Celine Van Heel의 사진이 패션 사진을 가로채는 방법

완벽함과 젊음이 우선시되는패션 사진계에서 셀린 반 힐(Celine van Heel)은진정성과 독창성을 포용하는사진작가로 두각을 나타내고 있습니다 .
아테네에서 태어난 스페인과 네덜란드 혈통의 Celine의 사진계로의 여정은 불과 3년 전 91세에 그녀의 피사체가 된 할아버지에게서 영감을 받아 시작되었습니다.
극단적이고 과장된 순간을 포착하는 그녀의 재주로 인해 그녀는 우리가 알고 있는 패션 사진의 전통적인 규범에 도전하는 이미지를 창조하게 되었습니다. 하지만 Celine Van Heel의 사진은 패션 사진과 어떻게 얽혀 있습니까?

Celine van Heel 사진의 마법은 확실히 개성과 포용성을 찬양하는 그녀의 독특한 비전에 있습니다.
사진 세계에서 Celine의 길은 할아버지를 모델로 묘사한 사진을 공유하기로 결정한 Instagram 계정인 The Spanish King과의 모험에서 시작하여 전환점을 맞이했습니다.
이러한 접근 방식을 통해사진가는 주름과 노화의 아름다움을 발견하는 여정을 시작했으며, 사진에서도 나이가 결코 제한 요소가 되어서는 안 된다는 점을 보여주었습니다.

셀린느의 사진은 보그(Vogue), GQ, 로피시엘(L'Officiel) 등 유명 잡지에서만 볼 수 있었습니다.
이러한 협업은 틀에 얽매이지 않는 디자인이 패션만큼 복잡한 산업 내에서 똑같이 강력한 메시지를 전달하고 변화에 영감을 줄 수 있음을 보여줍니다.
Celine은 패션 사진을변화를 위한 도구로 사용하여업계가 모델의 나이나 외모에 관계없이 표준을 재정의하고 다양성을 포용하도록 장려한다고 믿습니다.

Celine Van Heel의 창의적인 프로세스는 진정성 있고 자유롭고 영향력 있는 방식으로 패션 사진과 얽혀 있습니다.
할아버지를 모델로 삼기로 한 그녀의 결정은 업계 내에서 아름다움과 나이에 대한 개념에 도전합니다.
그녀는 작업을 통해 패션이 다양성과 독창성을 포용하도록 장려하고 개인에게 자신의 피부에 편안함을 느낄 수 있는 모든 도구를 제공합니다.
대담한 색상 사용과 창의적인 재능을 통해 Celine의 이미지는 기존의 패션 사진을 넘어 진정한 예술 형식으로 발전합니다.

모든 기사가 포함된 Collater.al 사진 전시회 카탈로그를 구매하려면여기를클릭하세요.

의례 셀린 반 힐