몰입형 데이비드 호크니 전시회는 예술가의 내면 세계를 통한 다채롭고 친밀한 여정을 선보입니다.


데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

세계에서 가장 영향력 있는 현존하는 예술가 중 한 명인 데이비드 호크니는 한때 이렇게 주장했습니다.
"나는 보는 과정 자체가 사물을 아름답게 만들 수 있다고 믿는다.
" 이 영국 예술가에게 바치는 새로운 회고전은 이 요점을 아름답게 증명하며, 방문객에게 그의 작품을 보는 것뿐만 아니라 그의 예술에 맨 먼저 뛰어들 것을 권유합니다.


원래 2022년 런던의 Lightroom에서 개최되었던 Bigger & Closer(작고 멀리 있는 것이 아님)는 이제 맨체스터에 위치하고 Factory International 에서 운영하는 거대한 창고 공간인 Aviva Studios로 옮겨졌습니다 . 획기적인 이 전시는 60년간의 호크니 예술을 떠올리게 하는 여정을 선사하며, 상징적이고 덜 알려졌으며 이전에 본 적이 없는 작품을 하나로 모았습니다.

전통적인 전시와 달리 Bigger & Closer는 프레임의 한계를 벗어납니다.
호크니의 예술은 창고의 벽과 바닥을 가로질러 춤을 추며, 대담한 색상과 생생한 환경으로 가득 찬 다중 감각적 분위기를 조성합니다.
어느 순간, 방은 수영하는 사람들의 그림으로 가득 차고, 캔버스의 기적적인 파란색이 방문객을 덮쳐 마치 그들도 물 속을 헤엄치는 것처럼 보입니다.
다른 순간, 풍경 사진이 등장하여 숲길의 텅 비어 있지만 고요한 풍경을 포착합니다.


이 전시의 범위는 몰입적인 성격만큼이나 인상적입니다.
작품은 호크니의 사진과 폴라로이드 콜라주부터 원근법과 iPad 드로잉에 대한 실험에 이르기까지 모든 것을 아우릅니다.
로스앤젤레스 시기의 작품이든 최근 노르망디에서 만든 작품이든, 이 전시된 자료는 호크니의 여러 매체, 주제, 분위기에 대한 엄청난 지배력을 보여줍니다.

전시의 친밀감을 높이기 위해 호크니 본인이 직접 한 매우 개인적인 해설과 니코 뮐리의 오리지널 악보가 함께 제공됩니다.
트랙이 공간 전체에 울려 퍼지면서 방문객은 호크니의 예술 작품과 창의적 철학을 전례 없는 즉각성으로 접하게 됩니다.
 
Bigger & Closer 의 모든 디테일은 호크니의 예술적 비전을 전달하는 데 함께 작용하여 그의 내면 세계를 포괄적으로 엿볼 수 있게 합니다.

호크니는 성명을 통해 "제 전시회가 Factory International에 가서 영국에서 더 많은 사람들이 제 그림을 이전보다 더 크고 가까이서 볼 수 있게 되어 매우 기쁩니다.
"라고 밝혔습니다.

Bigger & Closer는 2025년 1월 25일까지 진행될 예정이며, 표준 티켓은 £20(약 $25.50)부터 판매됩니다.
 
Factory International 웹사이트를 통해 저렴한 옵션도 이용할 수 있습니다 .

유명 예술가 데이비드 호크니에 초점을 맞춘 새로운 회고전이 현재 맨체스터의 아비바 스튜디오에서 열리고 있습니다.

데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌) 라는 제목의 이 전시는 호크니의 60년 경력을 몰입적으로 여행하는 것입니다.

데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

Bigger & Closer에서는 다양한 프로젝트가 소개되고, 각 프로젝트는 갤러리 공간의 벽과 바닥에 전시됩니다.

데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

데이비드 호크니의 Bigger & Closer 전시

데이비드 호크니, "더 크고 더 가까이(더 작고 더 멀리가 아닌)", 맨체스터의 아비바 스튜디오에서(사진: 저스틴 서트클리프).

Michel Sima가 촬영한 베니스의 앙리 마티스(1948). (Courtesy Estate Michel Sima)
이 게시물에는 제휴 링크가 포함되어 있을 수 있습니다.
구매 시 My Modern Met에서 제휴 수수료를 받을 수 있습니다.
자세한 내용은 공개 내용을 읽어보세요 .

무엇보다도 유명한 예술가 앙리 마티스는 아마도 그의 뛰어난 색상 제어력으로 가장 잘 알려져 있을 것입니다 . 사실, 그는 한때 "한 톤만으로도 한 가지 색상일 뿐"이라고 주장했고, "두 톤은 화음"이라고 주장했으며, 이는 삶 자체를 정의합니다.
이제, 색상과 형태를 넘나드는 그의 독특한 여정이 스위스의 Fondation Beyeler에서 열리는 대규모 전시회에서 포착되었습니다.



샤를 보들레르의 유명한 시 ' 항해로의 초대' 에서 영감을 받아 2025년 1월 26일까지 전시되는 마티스: 항해로의 초대는 거의 20년 만에 독일어권에서 열리는 이 작가의 첫 회고전입니다.
이 기념비적인 순간은 마티스의 60년 경력 전체를 기록한 이 전시의 야심찬 범위에 반영되어 있습니다.

Invitation to Voyage를 이전 회고전과 차별화하는 점은 여행에 초점을 맞춘다는 것입니다.
이 모티브는 물리적일 뿐만 아니라 상상력이 풍부하여 전 세계를 여행한 마티스의 문자 그대로의 여행과 다양한 스타일, 팔레트, 분위기를 강조합니다.



이 전시는 마티스의 초기, 야수파 , 실험적 작품부터 그의 관능적인 니스 시기 그림과 전설적인 컷아웃까지 모든 것을 선보이며, 이 모든 것이 이 시기에 걸친 그의 창조적 성장을 강조합니다.
또한 마티스의 장소와의 관계와 이탈리아, 스페인, 러시아, 모로코, 미국, 타히티를 방문한 것이 그의 예술적 비전을 어떻게 새롭게 하고 알려줬는지도 보여줍니다.

예를 들어, figurem décorative sur fond ornemental은 20세기 초 유럽 모더니스트들의 공통적인 주제였던 오리엔탈리즘 에 대한 마티스의 매혹을 포착합니다.
마티스의 초기 작품 중 하나인 
Luxe, calme et volupté 는 점묘주의 스타일 로 표현되어 당시의 예술적 추세를 보여줍니다 .


이 인상적인 범위 외에도 Invitation to Voyage 에는 멀티미디어 구성 요소가 통합되어 있습니다.
애니메이션 역사 사진, 벽 패널 및 영화는 마티스의 여행, 스튜디오 및 창작 과정에 대한 추가 통찰력을 제공하여 관객의 참여를 강화합니다.
 포괄적인 카탈로그 도 전시와 함께 제공되며, 다채로운 레이아웃으로 에세이와 예술 작품을 편집합니다.

마티스는 한때 "같은 환경에서 오랫동안 일했다면," "평범한 정신적 일상을 멈추고 여행을 떠나는 것이 유용하다"고 주장했습니다.
 여행 초대는 이러한 여행의 순간이 마티스에게 얼마나 유익했는지, 그리고 그의 작업에 엄청난 영향을 미쳤는지 보여줍니다.

전시회에 대해 자세히 알아보거나 직접 방문을 계획하려면 Fondation Beyeler 웹사이트를 확인하세요 .

스위스의 바이엘러 미술관에서 열린 새로운 마티스 회고전은 이 상징적인 예술가의 60년에 걸친 작품을 수록하고 있습니다.


“아칸테스”, 1953년. 바이엘러 재단, 리헨/바젤, 바이엘러 컬렉션. (사진: 로버트 바이어)


“Baigneuses à la tortue”, 1907-08. 세인트루이스 미술관, 조셉 퓰리처 2세 부부 기증 (사진: 세인트루이스 미술관)


“Composition à la croix rouge”, 1947년. 개인 소장품. (사진: 로버트 바이어)


"Intérieur au rideau égyptien", 1948년. 워싱턴 DC에 있는 필립스 컬렉션이 1950년에 인수되었습니다.
(사진: 워싱턴 DC에 있는 필립스 컬렉션)


2025년 1월 26일까지 전시되는 '항해로의 초대'는 여행이 마티스의 예술 작품에 미치는 영향을 탐구합니다.

“Nu bleu, la grenouille”, 1952. Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Beyeler 컬렉션. (사진: 로버트 바이어)


“La grande robe bleue et mimosas,” 1937. Philadelphia Museum of Art, John Wintersteen 부인 기증, 1956. (사진: Philadelphia Museum of Art)


“Nu bleu I,” 1952. Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Beyeler 컬렉션. (사진: 로버트 바이어)


“장식적인 장식과 장식적인 그림,” 1925/26. 현대 미술관, 퐁피두 센터, 파리, 1938년 국매품. (사진: 퐁피두 센터)


“붉은 푸아송과 조각,” 1912. 현대 미술관, 존 헤이 휘트니 부부 기증, 1955년. (사진: 현대 미술관, 뉴욕/스칼라)


“La fenêtre ouverte, Collioure,” 1905. National Gallery of Art, Washington, DC, Mr. and Mrs. John Hay Whitney 소장, 1998. (사진: National Gallery of Art, Washington)


이 전시에서는 작가의 초기 작품부터 1940년대와 50년대의 전설적인 컷아웃 작품까지 모든 것을 선보입니다.

“Intérieur à la fougère noire”, 1948년. 바이엘러 재단, 리헨/바젤, 바이엘러 컬렉션. (사진: 로버트 바이어)


“Nu bleu aux bas verts”, 1952년. 루이 비통 재단, 파리. (사진: Primae / Louis Bourjac)


“Intérieur au 축음기”, 1924. Pinacoteca Agnelli, 토리노. (사진: Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli, 토리노)


“Intérieur, bocal de poisson rouges”, 1914년. 국립현대미술관, 파리 퐁피두 센터. (사진설명: 퐁피두센터)


“Grand nu couché (누 로즈),” 1935. 볼티모어 미술관, 콘 컬렉션. (사진: 미트로 후드)


《Invitation to Voyage》 에는 이탈리아, 스페인, 러시아, 모로코, 미국, 타히티 등지로 떠난 여행 기록도 실려 있다.

"Intérieur rouge, nature morte sur table bleue", 1947년. 뒤셀도르프, 1964년 구입. (사진: bpk / Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen)


“라시(L'Asie)”, 1946년. 포트워스 킴벨 미술관. (사진 : 킴벨 미술관)


“Luxe, chille et volupté”, 1904. 국립현대미술관, 파리 퐁피두 센터. (사진: RMN-Grand Palais / Hervé Lewandowski)


“Nature morte aux orange,” 1912년. 파리 피카소 국립 미술관. (사진설명: RMN-Grand Palais / Mathieu Rabeau)

80년대의 상징적인 '루나 루나' 아트 카니발이 뉴욕시에서 재개장

 

세계 최초의 순회 예술 카니발인 Luna Luna는 1987년 독일 함부르크에서 매혹적인 데뷔를 했습니다.
이 환상적인 놀이공원은 장 미셸 바스키아 , 키스 해링 , 데이비드 호크니 , 살바도르 달리를 포함한 그 시대의 가장 위대한 현대 예술가들이 디자인한 독특한 어트랙션으로 생기를 얻었습니다.
이제 이 전설적인 창의성 카니발은 뉴욕시의 The Shed 에서 새로운 임시 집을 찾았습니다 .



80년대에 함부르크에서 방문객을 매료시킨 Luna Luna 의 기발한 놀이기구와 명소는 2007년부터 2022년까지 15년 동안 텍사스 어딘가의 44개 운송 컨테이너에 포장되어 있었습니다.
2023년 12월로 빨리 넘어가면 전설적인 카니발이 마침내 두 번째 기회를 얻었습니다.
아티스트 André Heller , 그의 아들, 캐나다 래퍼 Drake(제작사 DreamCrew 가 부활을 자금 지원)가 Luna Luna의 마법을 다시 가져왔습니다.
 Luna Luna: Forgotten Fantasy 라는 제목의 재구성된 카니발은 작년에 LA에서 데뷔했으며 이제 NYC에서 개장했습니다.


손님들은 바스키아의 관람차와 해링의 화려한 회전목마와 같은 원래의 놀이기구를 경험할 수 있습니다.
다른 하이라이트로는 헬러의 기발한 웨딩 채플, 호크니의 매혹적인 생명의 나무 , 리히텐슈타인의 장난기 어린 미로 , 달리의 초현실적인 놀이동산 달리돔이 있습니다 . 향수를 불러일으키는 매력에 더해 공연자들이 놀이공원을 장난스럽게 돌아다니며 1987년 오리지널 루나 루나의 활기찬 정신을 되살립니다.
 루나 루나: 더 셰드의 잊혀진 판타지는 또한 원래 카니발에서 영감을 받은 일부 보관 아이템과 새로운 어트랙션의 본거지입니다.

이 기발한 놀이공원을 경험하고 싶으신가요? 지금부터 2025년 2월 23일까지 NYC에서 열리는 Luna Luna: Forgotten Fantas y 티켓을 Luna Luna 웹사이트 에서 구매하세요 . The Shed's Level 2 Gallery와 문화 센터의 The McCourt에서 어트랙션을 찾을 수 있습니다.


전설적인 예술 카니발인 루나 루나(Luna Luna)가 이제 뉴욕시의 더 셰드(The Shed)에서 문을 엽니다.


루나 루나: 잊혀진 판타지는 1987년 함부르크에서 환상적인 놀이공원이 처음 문을 열었을 당시 현대 예술가가 디자인한 독특한 명소를 되살려낸 것입니다.

소니아 들로네, 입구 아치와 루나 루나 간판. 루나 루나, 함부르크, 독일, 1987. (사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


손님들은 키스 헤링이 만든 화려한 회전목마 등 몇몇 오리지널 놀이기구를 체험할 수 있습니다.

방문객들이 키스 해링의 그림이 그려진 회전목마를 탄다.
Luna Luna, Hamburg, Germany, 1987. © Keith Haring Foundation/Artestar, New York에서 라이선스를 받음. (사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


키스 해링이 회전목마를 칠하고 있다.
© 키스 해링 재단/뉴욕 Artestar 라이선스. (사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


키스 해링이 회전목마를 칠하고 있다.
© 키스 해링 재단/뉴욕 Artestar 라이선스. (사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


그 외 주요 작품으로는 데이비드 호크니의 매혹적인 '생명의 나무' , 리히텐슈타인의 장난기 어린 '미로' , 살바도르 달리의 초현실주의적 유령의 집 ' 달리돔' 등이 있습니다.

Moorweide 공원에 있는 Luna Luna의 공중 사진. 독일 함부르크, 1987년. (사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


공연자가 케니 샤프의 페인트칠된 의자 그네 타기 앞에서 방문객을 즐겁게 합니다.
Luna Luna, Hamburg, Germany, 1987. © Kenny Scharf. Artestar, New York에서 라이선스를 받았습니다.
(사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


케니 샤프의 페인트칠한 의자 그네를 탄 방문객들. 루나 루나, 함부르크, 독일, 1987년. © 케니 샤프. Artestar, New York에서 라이선스를 받았습니다.
(사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)

케니 샤프의 페인트칠한 의자 그네를 탄 방문객들. 루나 루나, 함부르크, 독일, 1987년. © 케니 샤프. Artestar, New York에서 라이선스를 받았습니다.
(사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


장 미셸 바스키아가 디자인한 관람차도 있습니다.

장 미셸 바스키아의 페인트칠된 관람차를 기다리는 방문객들. Luna Luna, Hamburg, Germany 1987. © Estate of Jean-Michel Basquiat/licensed by Artestar, New York. (사진: © Sabina Sarnitz. Courtesy Luna Luna, LLC)


장 미셸 바스키아, 그려진 관람차. 루나 루나, 함부르크, 독일, 1987년. ©장 미셸 바스키아 유산/뉴욕 Artestar 라이선스. (사진: © Sabina Sarnitz. Luna Luna, LLC 제공)


로이 리히텐슈타인의 루나 루나 파빌리온 앞에 선 공연자. 루나 루나, 함부르크, 독일, 1987. © 로이 리히텐슈타인 유산, 1987, 모든 권리 보유. (사진: © 사비나 사르니츠. Luna Luna, LLC 제공)


André Heller, Dream Station. Luna Luna, Hamburg, Germany, 1987. (사진: © Sabina Sarnitz. Courtesy Luna Luna, LLC)


케이크 파이핑 기법으로 만든 초상화는 디지털 세계와 현실의 경계를 모호하게 만든다

2024년 10월 30일 Emma Taggart 작성



아티스트 Alea Pınar Du Pre는 오래된 TV 화면에서 볼 수 있는 약간 왜곡된 얼굴과 비슷한 매혹적인 여성 초상화를 만듭니다.
매혹적인 환상은 아티스트의 독특한 기술에서 나옵니다.
Du Pre는 케이크 파이퍼로 칠한 두꺼운 페인트 선을 사용하여 거의 픽셀화되어 보이는 질감 효과를 작업에 부여합니다.


뒤 프레는 자신의 그림을 통해 현실에 대한 우리의 인식이 우리 자신의 생각처럼 유동적이고 변화할 수 있다는 것을 탐구하고자 합니다.
그녀는 다양한 소재와 영감을 혼합하여 디지털 아트의 인공적인 느낌과 일상 생활에 대한 왜곡된 관점을 표현하는 비유적 스타일을 결합합니다.


Du Pre는 My Modern Met에 "저는 소재를 가지고 놀기를 좋아합니다.
"라고 말했습니다.
"저는 창작에 비예술적 소재를 통합하는 것을 좋아합니다.
항상 독창적이고 진정으로 나만의 기술과 스타일을 창조할 수 있는 문을 열어주는 유쾌한 접근 방식입니다.
"

그녀의 최근 작품에서 Du Pre는 아크릴 페인트로 전통적인 페인트브러시 기법에서 벗어나 더 촉각적인 접근 방식을 취합니다.
그녀는 "저는 여러 가지 접근 방식을 시도했고 케이크 파이핑을 사용하는 아이디어를 떠올렸습니다.
"라고 회상합니다.
"저는 매우 세심한 '케이크 파이퍼'가 되는 데 시간이 좀 걸렸습니다.
분명히 그 도구는 저처럼 밀리미터 작업에 맞게 만들어지지 않았기 때문입니다.
하지만 시간이 지나고 많은 시행착오와 연습을 거치면서 제 선은 점점 더 세련되었습니다.
"

이제 그녀의 시그니처 스타일의 거장이 된 Du Pre는 다양한 선 높이를 능숙하게 사용하여 피사체 얼굴의 그림자와 하이라이트를 그립니다.
각 선은 완벽한 정확도로 손으로 꼼꼼하게 파이프 처리되어 디지털 픽셀이나 홀로그램 카드의 반짝이는 표면과 유사한 인상적인 효과를 만들어냅니다.


가까이서 보면, 관람객은 파이프로 뻗은 페인트 선의 복잡한 디테일을 감상할 수 있지만, 전체 이미지가 실제로 살아나는 것은 한 걸음 물러서야 가능합니다.
광학적 효과는 겉보기에 추상적인 선을 얼굴 특징과 기하학적 패턴이 드러나는 생생한 초상화로 바꿔줍니다.
Du Pre는 이를 "사진으로 포착하기 힘든 가벼운 놀이"라고 설명합니다.

아래에서 작가의 흥미로운 그림 몇 점을 감상하고, Instagram에서 Alea Pınar Du Pre를 팔로우하여 그녀의 작품에 대한 최신 소식을 받아보세요 .

예술가 알레아 피나르 두 프레는 아크릴 페인트와 케이크 파이핑 기법을 사용하여 여성들의 놀라운 초상화를 그려냅니다.



각각의 질감이 있는 조각품은 디지털 픽셀이나 홀로그램 카드의 반짝이는 표면과 유사한 눈길을 끄는 효과를 냅니다.



뒤 프레는 다양한 선의 높이와 너비를 능숙하게 사용하여 피사체 얼굴의 그림자와 하이라이트를 그렸습니다.




주의 깊게 그려진 선들이 모여 실제와 같은 초상화를 형성하고, 보는 사람이 뒤로 물러나면 매혹적인 시각적 환상이 생겨납니다.






 

타마라 드 렘피카의 혁명적 예술, 첫 미국 회고전에서 전시

Tamara de Lempicka의 "녹색 옷을 입은 어린 소녀(장갑을 낀 어린 소녀)", 약 1931년(사진: © 2024 Tamara de Lempicka Estate, LLC / ADAGP, Paris / ARS, NY 디지털 이미지 © CNAC/MNAM, Dist. RMN-Grand Palais / Art Resource, NY)

 
 

타마라 드 렘피카  는 미국에서 열리는 이 작가의 첫 번째 회고전입니다.

“이라 P의 초상” 타마라 데 렘피카. 1930. (사진: © 2024 Tamara de Lempicka Estate, LLC / ADAGP, 파리 / ARS, NY © 1969 Christie's Images Limited)


그녀의 아르 데코 스타일 여성 초상화는 "황금의 20년대" 동안 새롭게 찾은 여성의 독립성을 보여줍니다.

“타마라 드 렘피카가 “타데우시 드 렘피키 초상화”를 작업하는 모습”, 1929년경. (사진: 테레즈 보니 © 캘리포니아 대학교 이사회, 뱅크로프트 도서관, 캘리포니아 대학교 버클리. 출처: Ville de Paris / Bibliothèque historique)


이 전시는 2024년 10월 12일 샌프란시스코의 드 영에서 개막됩니다.

타마라 드 렘피카(Tamara de Lempicka)의 “아름다운 라파엘라(La belle Rafaëla)”. 1927. (사진: © 2024 Tamara de Lempicka Estate, LLC / ADAGP, 파리 / ARS, NY Banque d'Images, ADAGP / Art Resource, NY)




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